문화예술생활

조이갤러리-변대용 개인전

민키트리 — Thu, 12 Mar 2026 20:36:31 +0900

변대용 작가는 한국 현대미술에서 팝적 조형 언어와 사회적 은유를 결합한 조각 작업으로 알려져 있다. 특히 “북극곰 작가”라는 별칭으로 불릴 만큼 북극곰 캐릭터를 중심으로 한 조형 작업이 대표적이다.

이번에 전시되는 조이 갤러리에서는 개인적으로 처음 보는 작품들이 많았는데, 특히 대형 작품이 눈에 뛰었다.

갤러리를 들어서자마자 가운데 홀에는 대략 1m~1.5m 의 큰 곰들이 아이스크림 공을 가지고 서커스를 하거나 또는 명상을 하는 듯한 모습으로 둘려쌓여 있는데, 이번 전시의 제목이 <너의 의미>인 만큼 스스로를 되돌아 보게 만들었다.

<너의 의미>에서 '너'는 특정한 타인이기도 하고, 지나간 시간의 나 자신이기도 하며, 지금 이 순간 작품 앞에 서 있는 관람자 자신이기도 하다. 라고 작가는 말한다.

작품의 제료는 주로 FRP(Fiber Reinforced Plastic), 레진, 섬유강화수지 등을 사용하여 표면은 우레탄 페인트로 매우 매끈하고 광택 있게 마감하여 장난감이나 캐릭터 피규어처럼 대량생산된 오브제 같은 느낌을 의도적으로 만듦으로써 작품이 팝아트적 시각성과 대중문화의 이미지를 담는다.

크고 단단한 조형은 연약한 감정을 품고, 밝은 색과 매끈한 표면은 내면의 고요를 드러낸다. 이 조각들은 거울이 되어 결국 우리 자신을 바라보게 한다.

북극곰 시리즈는 변대용작가의 가장 대표적인 모티프이다.

북극곰은 작가 자신인 동시에 가족을 포함한 현대인을 상징하기도 한다.

북극곰 시리즈에 자주 등장하는 아이스크림이라던지 장난감 같은 조형과 귀엽고 동화적인 캐릭터 오브제는 팝아트적인 이미지를 연상시키지만, 그 이면에는 환경 문제라던가 인간의 삶과 외로움, 소비사회에 대한 비판적인 시선이 담겨져 있어 우리에게 불편하고 무거운 주제를 해학적으로 환기시켜 준다.

이러한 점은 한국의 팝아트 계열 작가 중에서도 단순히 이미지의 소비로서가 아니라 변대용 작가만의 서사와 사회적 메시지를 전달하는 작가로서의 위상을 보여준다. 그의 작품 이미지는 전통적인 조각의 거친 이미지를 벗어나 피규어처럼 이미 브랜드화 되었고, 대형작품에서도 볼륨감과 안정감이 공공조형으로도 손색이 없을 만큼 자신만의 작품세계를 성공적으로 이끌어 가고 있기에 대중들에게 사랑받는 작가로 거듭날 수 있었다고 생각된다.

전시는 2026년 3월 21일까지 이다.

주소: 해운대구 달맞이길 65번길 56

관람시간: 10:30am~6:30pm

문의: 051. 746. 5030

피카소 갤러리<황계용 회고전>-지금 볼만한 전시

민키트리 — Sun, 22 Feb 2026 19:23:58 +0900

오늘은 피카소 화랑에서 열리는 황계용선생님의 회고전을 다녀왔습니다.

피카소 화랑은 해운대구 로데오 아울렛에 있는 화랑으로 30년 이상의 역사를 가지며 부산 미술계에 자리매김하고 있는 대표적인 갤러리이기도 합니다.

갤러리에 도착하자마자 관장님께서 좋은 보이차를 내주셨습니다. 도자기 잔도 너무 예쁩니다.^^

회고전인 만큼 작가의 도록에도 많이 신경쓰셨습니다. 하드 케이스로 된 도록에는 이상수 평론가의 글이 실려있어서 작가에 대해 이해하는데 도움이 많이 되었고, 년도별 작품들과 드로잉 작품들이 실려 있었습니다. 가격으로는 못따질 것 같네요.ㅎㅎ

관장님께서는 황계용 선생님의 작품들을 소장하시면서 언젠가는 회고전을 열기를 바라셨는데, 마침내 그 뜻을 이룰 수 있게 되어 기쁘다고 하십니다. 그리고 전시에 도움을 주신 강선보선생님과 김광중선생님, 그리고 후원하신 S문화예술기획 김미숙대표님에게 감사 인사를 전하셨습니다.

황계용 작가는 1941년 진주출생으로 진주사범학교를 졸업하고 부산공업고등학교 등 미술교사로 계시면서 작품활동을 이어나가셨습니다. 선생님의 작품은 당시 고등학교 교과서에 실릴 만큼 작품성을 인정받아 왔지만, 그에 비해 부산의 지역 작가로 귀결된 뿐 크게 명성을 떨치지 못한 점이 아쉽습니다.

개인전은 <부활>1979, <규제와 이탈의 잠재의식>1986, <문명과 인간과 꿈> 2005 을 오픈하였습니다.

그는 어두움에 가려진 어떤 부분이 서서히 드러나는 순간, 빛에 의해 우리들이 몰랐던 심연이 드러나는 순간을 포착하고자 하였고, 규제와 통제 속에서 때에 따라 벗어나고 싶은 현대인들의 모습과 일탈의 해방감에 대한 느낌을 표현하기도 하였습니다.

다른 한편으로는 고도화된 식물의 생명체를 상상하며 물질문명과 대조를 이루기도 합니다.

작고하신지 10여년이 지난 시점에서도 황계용 선생님의 작품은 깔끔하고 현대적인 감각이 돋보이는 것 같습니다.

평면의 화면을 찢으면 그 틈 사이로 또 다른 세계가 펼쳐질 듯한 초현실적인 감각과 공간의 무한한 확장성, 답답한 물질문명과 제3의 세계와의 연결고리를 갖고자 하는 선생님의 고민과 고찰이 엿보였습니다.

황계용 회고전은 2026. 2월 20일 부터 3월 20일까지이며, 관람은 12시~6시까지 하실 수 있습니다.

피카소 화랑: 부산 해운대구 좌동순환로 473. 로데오아울렛 내 1층. 051 747.0357

지금 볼만한 전시-부산 퐁피두 반대 500인 서명 기념전

민키트리 — Fri, 30 Jan 2026 16:42:20 +0900

< 퐁.반500전시 >
지난 1월 27일 “부산미술인 퐁피두 반대 500서명 기념전”이 금련산 갤러리에서 드디어 그 막을 올렸다. 부산의 26개 갤러리에서 동시에 열리는 퐁반500전시는 부산미술인과 갤러리가 한마음이 되어 퐁피두 부산 이기대 유치에 대한 반대를 행동으로 보여주었다.

▶ 전시의미
부산시는 천혜자연 이기대를 훼손하면서 피 같은 시민 세금으로 문제 많은 프랑스 퐁피두센터 분관설립을 시민과 미술인들에게 동의를 구하지 않았다. 부산 미술문화 진흥보다 정치적인 관광정책 홍보만 하였다. 막대한 예산낭비와 밀실정책, 굴욕적인 협약 등으로 역사적 오점을 남기고 있다. 이에 부산 미술인들은 한마음 한뜻으로 이러한 정책에 반대하며, 작품 전시를 통해 우리의 의지를 선언한다.

▶ 부산대 김지오교수의 AI 노래영상-"퐁부가"

▶ 현재 서명수 894명
중복수 제외 710명(전시기획당시 360명서명 )
이는 정치가들이 전문가인 우리의 뜻을 정책에 반영해야할 명백한 증거가 된다. 앞으로 10,000명의 서명이 되는 그날까지 퐁.반 서명 운동은 계속된다.
▶ 퐁피두 반대 서명하실 곳(기존서명자는 안하셔도 됩니다)

▶ 퐁피두 반대-이기대 보존 선언문

▶부경대 남송우 명예교수 인터뷰

▶ 전시일시
전시참여자- 전시참여작가 440명, 부산시내 26개 화랑

복합문화예술공간머지 01.24(토)~02.07(토)

벽촌아트갤러리 02.02(월)~02.07(토)

부산갤러리 01.24(토)~02.08(일)

갤러리비야비야 01.24(토)~02.08(일)

공간523 01.24(토)~02.08(일)

구경미갤러리 01.24(토)~02.07(토)

문화매개공간 쌈 2.01(일)~02.13(금)

복합문화공간아트픽 01.24(토)~02.06(금)

금련산갤러리 01.27(화)~02.07(토)

이웰갤러리 스페이스1 01.24(토)~01.30(금)

이웰갤러리스페이스2 01.24(토)~02.24(일)

이젤갤러리 01.26(월)~02.10(화)

갤러리177 01.24(토)~02.08(일)

갤러리화인 01.25(일)~02.08(일)

리빈갤러리 01.24(토)~02.06(금)

아리안갤러리 01.24(토)~02.08(일)

피카소갤러리 01.24(토)~02.08(일)

갤러리 이비나인 03.01(일)~03.07(토)(예정)

갤러리404 03.01(일)~03.14(토)(예정)

갤러리길 03.01(일)~03.14(토)(예정)

▶ 참고자료 - 부산미협 퐁반대책위홈페이지
https://www.bartcommittee.com/%ED%99%88

▶ 퐁반500 전시후원하기
계좌번호 7942 09 78935 카카오뱅크 부산미술인연대퐁반대책위(총무 서아희-판화분과)

주최: 부산미협 퐁피두 반대 대책위위원회
2026.1.26. 공동대표 차동수 올림

부산미술협회 퐁피두 분관유치 반대동참

부산미술에 무슨 일이 있어도 인내하며 말을 아껴오신 미술인 여러분과 동감하시는 모든 예술인여러분! 부산시는 지금껏 부산미술인이나 미술협회이사장단을 통하여 미술문화정책을 논의 한

docs.google.com

부산미술협회 퐁피두 분관유치 반대동참

docs.google.com

지금 볼만한 전시-정광화 개인전<입고출신>갤러리 아트숲

민키트리 — Mon, 22 Sep 2025 15:45:52 +0900

虎雀圖 아크릴+혼합재료 90.9x72.7cm 2020

정광화 작가의 15번째 개인전 入古出新(입고출신)은 부산 해운대구 달맞이길에 위치한 갤러리 아트숲에서 오픈하였다.

갤러리 아트숲은 이번에 119번째를 맞이하는 기획전으로 무수히 많은 미술가들이 거쳐간 공간이기도 하다.

정광화 작가는 다양한 시도와 끊임없는 연구로 40년을 부산에서 활동하며 부산의 지역작가로 자리매김하였으며, 부산예술고등학교 미술부장을 역임하면서 많은 제자들을 배출하신 분이기도 하다.

9월 19일에 부터 시작한 전시의 오픈식에는 그 동안의 역사를 증명이라도 하듯 많은 인파로 붐비었고, 글 쓴이 또한 제자로서 뜻깊은 자리에 참석하게 되었다.

入古出新(입고출신)

이번 전시 주제인 입고출신은 옛 전통이나 예술사조를 통하여 현대적인 새로운 조형미를 창조한다는 의미이다.

전시 오프닝에서 선생님은 요즘 대세인 '케데헌'을 예로 들면서 진정한 글로벌리즘은 가장 한국적인 것이 아니었나! 라고 하시며 '입고출신'에 대해 설명하셨다.

선생님의 작품을 보면 홀로 치열했을 세월이 엿보인다.

켜켜히 쌓아올린 물감들은 그것이 자기 소명을 다하기도 전에 자기 몸을 깍아내고, 다시 그 위에 물감을 덮어 새로운 역사를 쓰는 번거로움을 반복한다. 하지만 그 반복은 과거에서 부터 초석이 된 흔적들이 동시에 시각화되면서 우연적인 것과 필연적인 것의 혼용으로 그 모습을 드러낸다. 그것은 역사속에서 우연과 함께 덧붙여진 새로운 창조물로 진화된 우리의 모습과도 닮아 있는 것 같다.

작품에 그림과 같이 얽혀있는 한자들은 글자이기 보다는 기호라는 느낌으로 다가와 인류 문명에 대한 상징을 부여하여 배경과 더불어 새로운 조형성을 불러 일으킨다.

선생님은 "작가는 항상 독창성을 추구해야 한다" 라고 하시며 "상상력을 유발시키는 살아숨쉬는 그림"을 그려야 한다고 하셨다.

이번 전시에서도 볼 수 있듯이 전통의 새로운 모습을 불러일으키기 위해 70이 넘은 나이에도 끊임없는 노력과 시도가 고스란히 담려져 있었다.

재미있게도 작품에는 정광화 선생님이 제자들에게 하시는 잔소리도 담겨있었다.

연꽃과 원앙이 그려져 있는 작품에서 연꽃은 흙탕물 속에서 사는 꽃이며, 원앙은 평생 서로 짝을 이루며 사는 새이다. 어렵고 험한 세상에서도 짝을 이루며 살아가는 것이 인간의 도리라며.....

....... 나에게 귀가 따갑도록 말씀하시던 기억이 났다.

백구쌍비라 하여 흰 기러기도 쌍을 이루어 나란히 날아가는 모습에서 부부의 삶은 높고 낮음 없이 동등하게 살아가야 함을 항상 강조하신다!

鴛鴦-Ⅱ 아크릴+혼합재료 72.7x60.6cm 2023

白鷗雙飛 아크릴+혼합재료 116.8x91cm 2025

이번 전시의 작품 도록집에는 하삼두님의 글이 실려있는데, 그 분의 글귀가 나의 마음을 매료시킨다.

"맹목적 참신함을 탐닉하는 작품론적 폭력에 맞서려는 그의 태도를 겸허히 응원하며, 그의 작품이 되살려 줄 자유가 어떤 것인지, 무엇보다 그가 나누려고 애쓰고 있는 사랑이라는 몸짓이 어떤 것인지를 따뜻하게 바라볼 일이다".

작가로서 마음에 새기고 살아야 할 말인 것 같다.

전시는 9월 19일 부터 10월 11일 까지이다.

갤러리 아트숲 : 부산 해운대구 달맞이길 187. 3층

문의: 051. 731. 0780

힐마 아프 클린트(Hilma af Klint): 적절한 소환_현대미술관

민키트리 — Thu, 21 Aug 2025 21:22:36 +0900

힐마 아프 클린트는 본인이 대학원 시절 관심을 가지고 좋아했던 작가이다. 현대미술사에서 급부상했던 여성 작가이지만, 한국에서는 전시가 없었기에 작가의 작품을 직접 관람하지는 못했고 작품 도록을 판매하러 학교로 오가시는 분에게 부탁하여 외국서적을 구입하여 작품을 보곤 했었다.

이번 부산 현대미술관에서 전시를 한다기에 너무 반가웠다. 전시 관람료도 예술인패스 50% 할인을 받을 수 있었다.

힐마 아프 클린트Hilma af Klint(1862-1944)

힐마 아프 클린트는 스웨덴의 예술가로 20세에 스웨덴 왕립 미술학교에 정식으로 입학하여 우등생으로 졸업하였다. 당시 여성으로서 미술교육을 받는다는 것은 매우 드문일이였다. 그 시대는 여성이 미술교육을 받았다고 할 지라도 결혼 후에는 가정에 의무를 다해야 한다는 사회적인 관념때문에 여성이 화가로 성장한다는 것은 있을 수도 없었고, 또 있더라도 미술계는 여성을 주 무대에 올려주지 않았다.

그녀가 말한 '보이지 않는 것을 그리는 것' 즉, 추상미술은 당시 미술계에서는 듣도보도 못한 것으로 간주되어 받아들여지기도 힘들었다. 그도 그럴것이, 그녀의 추상회화는 우리가 알고있는 추상회화의 대표화가인 칸딘스키, 말레비치, 몬드리안 보다 앞서있었기 때문이다. 그래서 그녀의 유언대로 특별한 표식이 붙은 추상화들은 사후 20년 동안 공개되지 않은 채 묻혀있었다.

《힐마 아프 클린트: 적절한 소환》

이번 부산 현대미술관에서 열리는 <힐마 아프 클린트: 적절한 소환>은 "힐마 아프 클린트라는 이름을 소환하는 행위를 신중하게 성찰하고 그의 예술을 현재로 다시 불러들이는 하나의 정제된 의례로서 실천하고자 채택한 제목"이라고 전시 소개를 하고 있다. 과거의 예술가를 단순히 회고한다는 의미가 아니라 그녀의 작품을 소환하는 가장 적절하다고 생각되는 시기는 오늘날 현대미술 속에서 무엇에 기반되어야 하는 것인지 재고해야 할 부분이라는 것이다.

이번 전시는 전시해설이 잘 되어있었다. 이 작가를 처음 접하는 관람객들에게 아주 친절한 설명이 되어있었다. 전시해설집을 바탕으로 주요작품들을 소개해보겠다.

-초기작

힐마의 초기 그림은 식물, 초상, 풍경화 등을 정밀하게 그린 작업이 중심을 이룬다. 특히 식물의 구조와 생명의 질서를 포착하는 데에 탁월한 감각을 보여주는 이 시기의 작업은 비가시성 탐구로 이행하는 그의 예술 여정에 뿌리를 제공한다.

-5인회

1896년 힐마 아프 클린트는 네 명의 여성 예술가와 함께 5인회라는 영적 모임을 구성하며 정기적으로 드로잉과 기록을 남겼다. 이 모임은 단순한 신비주의 활동을 넘어 집단적인 예술 실천과 자동주의 기법 드로잉의 가능성을 탐색한 급진적 실험의 현장이었다. 힐마 아프 클린트의 이후 추상 회화는 이 시기의 영적 실천과 협업을 토대로 태동된다.

-태초의 혼돈과 에로스

태초의 혼돈과 에로스 연작은 힐마 아프 클린트가 영적 존재로부터 위탁받았다고 주장한 <신전을 위한 회화> 연작의 서막에 해당된다. 인간의 기원과 생명 탄생 이전의 상태를 주제로 원현, 나선, 파동 등의 모양으로 구성한 이 연작은 구상과 추상 사이의 경계를 전복하며 완전히 새로운 감각의 질서를 창조하기 시작한다.

-10점의 대형 그림

1907년에 제작된 <10점의 대형 그림>은 높이 약 3미터에 달하는 캔버스 열 점으로 이루어져 있으며 인간 생애의 네 단계를 주제로 구성되어 있다. 각각의 화면은 원, 나선, 곡선 등 자유로운 형상과 색채의 운동으로 가득 차 있으며 추상과 상징, 언어와 비언어적 흐름이 조화를 이루고 있다. 이 연작은 그녀의 형식 실험이 가장 극적으로 구현된 예시이자 이후 작품의 구성 방식을 예고한 결정적인 작업이다.

-진화와 인식의 나무

나무는 생명의 구조와 우주와의 연결을 상징하며 작가 특유의 이중 기호와 대칭 구조가 반복된다. 이 연작은 신전 회화를 구성하는 축 가운데 하나로 지적 사유와 직관의 결합을 꾀한다.

그 밖에 백조-제단화-파르시팔-원자-꽃과 나무를 관찰하며-무제-청색 화첩 등으로 전시는 구성된다.

전시해설집에는 이렇게 기록되어 있다.

"힐마 아프 클린트는 거의 한 세기 동안 미술사에 호출되지 않았다......한때 미술사가 너무 일찍 도착했다며 외면한 그의 작업은 이제 너무 늦게 발굴한 천재라는 편협한 수사 속에서 반복적으로 소환되고 있다. 힐마 아프 클린트의 귀환이 진정한 의미를 가지려면 우리는 그녀의 작품이 소비되는 속도와 과잉된 관심을 조정하고 이 호출의 의미와 방향을 다시 점검해야 한다".

이러한 사유를 할 수 있는 적절한 시기의 소환인것 같다는 생각이 든다.

전시일정은 2025.7.19-10.26일 까지이며 월요일은 휴관이다.

M543부산 만덕 대형카페 갤러리-신성호 개인전-볼만한 미술전시

민키트리 — Tue, 8 Jul 2025 18:50:04 +0900

부산 북구 만덕 대형카페

동래구에서 만덕터널만 지나면 바로 스타벅스도 있지만, 좀더 조용하고 여유로운 공간을 찾는다면 아파트 단지쪽으로 700m 정도만 올라가면 M543이라는 갤러리 카페가 있다.

이곳은 카페와 갤러리, 루프탑이 있는 미술에 특화된 복합공간이라 할 수 있다.

예전 7,80년대 부산의 미술은 광복동 다방이 아지트였던 만큼 미술인들의 교류와 전시를 지금의 카페에서 이어왔었다고 한다.

M543은 도심에서 멀리 벗어나지 않은 제법 접근성이 좋은 곳이었다.

우선 넓은 주차장이 장점이었다. 부산 시내 어느 갤러리를 가도 항상 주차가 문제였는데 이곳은 카페를 같이 운영하고 있는 공간이라 주차하기가 편리했다.

주차장에서 카페로 올라가는 길에 전시 포스터가 있어서 이달의 전시 작가가 누구인지 쉽게 알 수 있었다.

이곳을 찾은 목적은 그림을 보기 위함이기도 하지만, 친구와 여유롭게 커피를 마시며 수다를 떨수 있는 두가지의 목적을 실현할 수 있는 공간이기도 하다.

대형 통창으로 보이는 배경은 바로 앞 공사중인 부분을 빼고는 금정산의 나즈막한 언덕들이 한눈에 들어와 시각적인 편안함을 주었다.

우리는 이 카페의 시그니처 메뉴인 피스타치오 라떼와 오곡 라떼를 시키고, 빵순이들이라.....간식까지 챙겼다.

계단으로 올라가면 루프탑이 있는데 지금은 한 여름이라 더워서 올라가진 않았지만, 날씨가 서늘해지면 시원한 바람을 느끼며 초록빛 숲의 풍경을 한눈에 볼 수 있다. 밤에는 루프탑 파티를 열고 싶은 넓은 공간이 펼쳐져 있다.

신성호 개인전

M543 에서는 한달에 한번 부산 작가들을 초청하여 개인전을 오픈한다. 주로 부산지역에서 활동하는 중장년 작가들을 초청하여 기획하기 때문에 작가들의 경력이나 작품수준은 보장된다고 할 수 있다. 전시장을 일부러 찾아가지 않아도 부산 지역의 수준있는 작가들의 작품들을 매월 바꿔가며 감상할 수 있는 특혜가 주어진다고나 할까? 즉 1년에 12명의 작가들의 작품세계를 만날 수 있다.

7월은 신성호 작가 개인전이 열렸다.

신성호 작가는 경남 창원에서 출생한 작가로 동아대학교, 부산대학교 교육대학원을 졸업하여 부산 경남지역을 중심으로 활동한 작가이다.

그의 작품은 어떤 특정한 대상이나 형태가 보이지 않는 추상회화이다. 중첩과 지움을 반복적으로 들어내며 그 사이의 층위를 만들어가고, 그 틈에서 발생되는 색과 재질감으로 깊은 회화성을 느낄 수 있다.

그의 작가노트를 빌리자면, "되어가는 도중의 그 무엇, 타인이 되어가는 생성으로서의 자신을 확인하는 작업으로, 질료로 대치된 공간을 통해 모든 생명체의 본성과 에너지를 보다 근원적인 최소한의 회화 언어로 시각화하는 것"이라고 말하고 있다. -수영구 공식 블로그 발췌-

때로는 거친 붓터치로, 때로는 날카로운 나이프의 흔적으로 지워가며 그가 평면에서 펼치는 자율적인 움직임을 통해 추상회화의 감각의 존재를 느끼게 해준다. 우리는 그 속에서 드러나는 색채적 본질들을 다양하게 상상할 수 있다.

신성호 작가의 개인전은 7월 1일 부터 7월 27일까지이다.

휴무는 매주 월요일이다.

산, 물, 바람 [이영섭 작가 개인전]-밀양 투명꽃 1주년 기념전

민키트리 — Mon, 26 May 2025 21:08:10 +0900

밀양 단장면 감물에 위치한 투명꽃에서는 1주년을 기념하여 이영섭 작가 개인전을 진행중이다.

복합문화공간인 투명꽃은 다양한 소장작품들을 보유하며 부산, 울산, 대구 등 다양한 지역의 관객들을 밀양으로 발걸음하게 하고 있다.

겹겹이 내려오는 산줄기 아래 잔잔한 감물저수지의 물결과 바람을 느낄수 있는 투명꽃의 지리적 특성상 산, 물. 바람이라는 모티브로 이영섭 작가만의 시간을 오롯이 느낄수 있는 실내전과 실외전이 준비되었다.

이영섭 작가는 "발굴기법"이라는 독특한 제작과정으로 땅 속에 묻혀있는 유물을 출토하는 행위를 조각과 결합하여 그 속에 묻혀있던 잃어버린 시간성을 부여하며 그 의미를 전달하고 있다.

우리는 유물을 통해 과거를 상상하고 연계성을 생각한다. 이영섭 작가는 유적이 발굴되고 출토되는 현장을 지켜보며 갇혀있던 과거가 어느날 현실로 갑자기 튀어나온 듯한 강렬한 느낌을 체험했다고 한다. 그래서 그는 자신의 작품 속에 그러한 생명력과 압축된 시간성을 부여하고자 하였다.

땅을 파면서 형태를 만들어가고 그 속에 재료를 부어 수개월 동안 덩어리가 굳어지길 기다리는 일련의 과정은 그가 말한 "땅 속에 묻혀있는 것은 사라진 것이 아니라 단지 망각된 것이며 언제가 출토되기를 기다리며 신호를 보내고 있다" 라는 의미를 잘 이해할 수 있다.

이영섭 작가의 작품들을 보면 어린왕자, 소녀, 신부, 천사 등 순수성을 의미하는 물상들을 재현하고 있다. 이는 그가 추구하는 미적사유를 엿볼 수 있으며 순수에 대한 찬미를 느낄 수가 있다. 이번 투명꽃 전시는 꽃이 만연한 봄을 지나 푸르고 싱그러운 여름으로 가고있는 투명꽃의 자연경관과 더불어 그러한 순수함을 온몸으로 느낄 수 있는 전시가 되리라 생각된다

6월 5일 투명꽃에서는 3층 전시실에서 이영섭 작가와의 만남을 준비하고 있으며

전시는 2025. 5월 14일 부터 6월15일까지이다.

주소: 밀양 단장면 감물3길 20-25

매주 월, 화 휴무

am 11:00~pm 06:00

서울 전시소개- 아르누보의 꽃: 알폰스 무하(Alphonse Mucha) 원화전- 3월부터 7월까지

민키트리 — Sun, 23 Feb 2025 20:39:59 +0900

알폰스 무하(Alphonse Mucha, 1860~1939)는 누구인가?

알폰스 무하는 체코출신의 화가로 오늘날 아르누보를 대표하는 화가이다. 그의 작품을 보면 타로카드에 나오는 그림같기도 하고 로멘스판타지나 신화에서나 튀어나올 법한 주인공이 그려져 있다.

알폰스 무하 작품의 이미지는 이미 널리 알려져 있지만, 올해 3월 20일에 서울에서 열리는 알폰스 무하의 원화전이 있다고하여 한번쯤 작가에 대해 알아보고자 포스팅하게 되었다.

그는 어린시절부터 연필을 목에 걸고 다니며 그림을 그렸었고, 그림을 향한 열정으로 프라하 예술학교에 지원하기도 하였지만 실패의 고배를 맞보고 프랑스로 가게되었다. 그는 인쇄소에서 일하며 생계를 유지하게 되는데, 어느날 다급한 전화 한통으로 그의 인생은 바뀌게 되었다. 당시 유명한 여배우 사라 베르나르 (Sarah Bernhardt) 가 출연하는 연극 포스터의 시안이 마음에 들지않아 급하게 다시 제작해달라는 전화였다. 다른 화가들은 모두 없는 크리스마스 휴일에 그는 재빨리 연필을 잡았고, 일생일대의 기회를 잡게되었다. 그렇게 탄생된 <지스몽다>는 파리 시내에 모두 걸리게 되었다.

지스몽다 1894,210.8x68.2

그의 포스터는 독창적인 디자인으로 사람 등신대 크기의 존재감이 남달랐고, 당시에는 일반적으로 강렬한 색채로 눈에 띄게 포스터를 제작한 반면 그는 디테일을 살려가며 파스텔톤으로 우아한 분위기를 연출하였다. 포스터의 모델인 사라 베르나르는 정교한 꽃과 장식들로 둘러쌓여 그녀의 아름다움을 부각시켰다. 이 포스터는 파리 시민들의 마음을 사로잡았고 이 포스터를 갖기 위해 때어가는 사람도 있었다고 하니, 한 마디로 눈 떠보니 스타가 되어있었던 것이다.

이를 계기로 베르나르가 출연하는 모든 작품의 포스터를 6년간 제작하는 계약을 맺었다고 한다.

<지스몽다>는 단순히 연극 포스터를 넘은 하나의 예술 작품으로서 인정받았으며, 이후 무하의 커리어에 있어 중요한 전환점이 되었다.

특히나 19세기 말 유럽은 세밀한 장식, 우아한 곡선 등의 아르누보 양식이 유행하고 있었고, 이 작품 하나로 아르누보 양식의 매력을 대중에게 널리 알리며, 알폰스 무하를 아르누보 양식의 거장으로 자리매김하게 했다.

그의 대표적인 작품으로는 '지스몽다(1894년)', 사계(1896년)', '4가지 보석(1900년)', 슬라브 서사시(1910~1928)가 있다.

아르누보의 꽃: 알폰스 무하 원화전 서울 전시

2025년 3월 20일부터 7월 13일까지 서울 강남구 테헤란로 518 마이아트뮤지엄에서 <아르누보의 꽃: 알폰스 무하 원화전>이 개최된다. 이번 전시에서는 무하의 오리지널 작품 300여점의 작품이 전시될 예정이다.

전시시간은 매일 오전 10시부터 오후 7시 40분까지이며, 특별 행사는 오후 7시이다.

얼리버드는 성인 기준 40% 할인 판매되고 있다.

얼리버드 예매기간은 3월 19일까지 이다.

레몬수 만들기- 가장 효과적인 방법(효능과 부작용)

민키트리 — Sat, 22 Feb 2025 20:52:11 +0900

레몬수의 효능

레몬수는 레몬을 물에 넣어 마시는 건강 음료로, 다양한 건강상 이점을 제공합니다. 레몬에 가장 풍부한 비타민 C는 글루타치온을 생성해주고 간에서는 이 산을 알카리화시켜줍니다. 그렇기 때문에 레몬수는 산성화된 우리 몸을 알카리화하는데 탁월한 도움을 줍니다.

✅ 레몬수의 주요 효능

면역력 강화
- 레몬에는 비타민 C가 풍부하여 면역 체계를 강화하고 감기 예방에 도움을 줍니다.
소화 개선 ️
- 레몬의 산 성분이 위산 분비를 촉진해 소화를 돕고, 변비 완화에도 효과적입니다.
체중 감량 보조 ⚖️
- 레몬수는 칼로리가 낮고 신진대사를 활성화하고 중성지방을 낮춰주어 다이어트에 도움이 됩니다.
피부 건강 개선 ✨
- 항산화 작용을 하는 비타민 C가 피부 노화를 방지하고, 콜라겐 생성을 촉진합니다. 만성 여드름이나 아토피가 있으신 분이라면 반드시 시도해보시기 바랍니다.
수분 보충 및 해독 작용
- 체내 독소 배출을 도와 신장과 간 건강에 도움을 줍니다.
혈압 조절 및 심장 건강 ❤️
- 칼륨이 함유되어 있어 혈압 조절과 심장 건강 유지에 도움을 줍니다.

레몬수를 가장 효과적으로 먹는 방법

레몬은 껍질과 함께 먹어야 효과가 극대화 됩니다!

레몬껍질과 함께 먹는다면 껍질에 있는 농약때문에 걱정하시는 분이 많으신데요...

가장 좋은 방법은 유기농 레몬을 드시는게 좋습니다. 그러나 국내산 레몬은 유기농이 많이 나오기도 어렵고 비싸다는 문제가 있습니다. 하지만 우리나라에서 유통되는 레몬은 거의 이탈리아나 스페인산으로 대부분 유기농 제배를 하기 때문에 안심하셔도 됩니다.

온수에 우러내면 왠만한 영양제보다 훨씬 좋습니다.

레몬은 온수에 우려내셔야만 효과가 좋습니다. 껍질까지 착즙하여야 하며 착즙이 어렵다면 슬라이스 해서 드시면 됩니다. 비타민 C는 열에 약한데 온수에 우려야 할까?

레몬수가 좋다는 것은 단순히 비타민 C만을 보고 효과가 좋다는 것이 아닙니다. 레몬을 따뜻한 물에 우려드시면 비타민 외에도 다양한 항산화성분, 폴리페놀, 유기산, 구연산 등 레몬에서 나오는 비타민과 무기질, 미네랄 때문에 효과를 극대화시킬 수 있습니다.

기본 레몬수 만들기

✅ 재료

레몬 1/2개
물 250~500ml (온수)

✅ 만드는 법

레몬을 깨끗이 씻고 얇게 슬라이스합니다.
온수(85~95도)에 레몬 조각을 넣고 5~10분 정도 우려냅니다.
취향에 따라 따뜻하게 드셔도 되고 냉장고에 넣어 시원하게 드실 수 있습니다.

레몬수의 부작용

이 시림 증상이 있을 수 있습니다. 그러나 이것은 일시적일뿐 치석을 부식시키는 증상은 아닙니다.
위가 약한 분들은 속쓰림 증상이 있을 수 있고 물을 희석하여 약한 농도로 시작하시면 됩니다.
기름 성분과 함께 드시면 설사가 있을 수 있습니다.
신장이 약한 경우 과다 섭취를 피하는 것이 좋습니다.

TIP:

아침 공복에 따뜻한 레몬수를 마시면 신진대사가 활성화됩니다.

레몬수 마시고 건강하게 생활해보세요!

2025 띠로보는 을사년 운세 총정리(상반기,하반기)

민키트리 — Thu, 20 Feb 2025 23:16:42 +0900

오늘은 많은 분들이 궁금해 하시는 2025년 운세에 대해 알아보겠습니다. 요즘은 많은 분들이 사주에 대해 관심을 많이 가지셔서 공부하시는 분들도 많으시던데요. 저도 그 중 한사람으로써 여기저기 다양한 정보를 통해 2025년 띠별 운세를 정리해보았습니다. 아시다시피 사주는 전체적인 사주의 구성에 따라 보는 것이 정확하며 일주나 월주, 년주(띠)로 보는 것은 다소 한정적이며 제너럴한 내용이니 참고해 주시기 바랍니다.

쥐띠

작년부터 노력해왔던 일이 있다면 올해 결과를 볼것입니다. 천을귀인의 덕이있어서 주변의 예상치못한 도움을 받거나 해결책을 찾을 수 있습니다. 그러나 천을귀인은 반드시 과거 내실을 쌓아왔던 자의 몫일 것입니다. 모든 것을 혼자하려 하지 말고 주변과 항상 화합하고 금전이나 계약에 있어서는 꼼꼼하고 확실하게 검토해아 합니다. 쉬는 날에 집에만 있지말고 외부활동을 적극적으로 해야만 건강적으로 좋은 기운이 들어옵니다. 그렇다고 무리한 운동이나 과로는 삼가해야하며 가벼운 운동이나 산책이 좋습니다. 수입이 늘어나면 지출이 늘어날 수 있으므로 지출관리에 신경써야 합니다. 재물, 건강 모두 무리하지 않는다는 자세로 임해야 하겠습니다.

소띠

묵묵히 성실하게 일하는 당신, 작년까지는 스트레스가 많았던 한해였지만, 올해는 노력의 결실을 얻을 수 있습니다. 소는 우직하고 성실한 이미지로 자제력과 끈기가 많습니다. 상반기에는 약간의 스트레스가 있는 일이 있지만, 꾸준히 해왔던 일이 빛을 발하여 금전적 보상을 받을 수 있습니다. 또한 상반기에 문제가 있었다면 하반기에 해결될 수 있습니다. 새로운 씨앗을 뿌려 바로 수확되는 것보다 장기적인 안목으로 나가야 하며 작은 것에서 시작된 것, 취미로 시작한 것 또는 창의적인 것에서 좋은 결과를 얻을 수 있습니다. 계약, 공부, 문서운이 좋으며 한 가지를 꾸준히 하는 것이 좋습니다. 급하게 다가오는 관계보다는 천천히 다가오는 인연을 중시해야 하며 대인관계를 원활하게 유지하는 것에 힘써야 하겠습니다.

호랑이

도전과 성장이 기대되는 시기입니다. 건강이 안 좋은 분이라면 좋아질 수 있습니다. 호랑이는 혼자하는 독립적인 것을 좋아하는 동물로 열정적이며 대인관계가 발달된 사람이 많습니다. 올해는 새로운 제안, 변화, 도전이 키워드입니다. 상반기에는 거절을 할 줄 알아야 합니다. 자신의 일이 아닌 일에 지나친 관심을 피하는 것이 좋습니다. 하반기에 더 일이 잘 풀리고 즐거운 일이 많습니다. 내가 주목받는 기운이 있으니 외부활동을 많이하는 것이 좋습니다. 집에 있기보다는 가벼운 산책이라도 하는 것이 좋습니다. 외부에 더 좋은 기운이 있습니다. 연애운은 특별히 노력하지 않아도 좋은 인연이 찾아옵니다. 급하게 인연을 맺지 말고 천천히 관계를 가져나가야 하겠습니다.

토끼띠

정보에 민감하고 트렌드를 잘 맞춰가는 토끼띠는 올해 역마가 강해서 이동과 변화가 많이 찾아옵니다. 환경에 민감하고 또 유연하기도 하지만 올해는 내가 먼저 움직인다는 마음을 가지셔야 합니다. 특히 5월에 환경의 변화가 많습니다. 직장에서의 승진, 이동, 이직의 기운이 많지만 토끼는 이러한 변화의 기운을 싫어하는 경우가 많습니다. 그래서 미리미리 준비한다는 마음가짐으로 한해를 보내셔야 하며 변동을 원하지 않는다면 미리 여행을 다녀오는 것도 좋습니다. 혼자하는 것보다 같이하는 사람이 있다면 그 사람의 기운과 함께 나의 목표를 달성할 수 있습니다. 6월~8월까지는 좋은 귀인이 들어와 재정적으로 큰 기회가 들어올 수 있습니다. 재물관리에 있어서 힘을 써야 하겠습니다.

용띠

용은 이상적이고 혁신적인 기운이 강한 상상의 동물로 자존감이 강한 특성이 있습니다. 올해는 규칙적인 생활습관을 유지하면 좋습니다. 뿌린 씨앗이 열매를 맺는 시기이며 더욱 높은 곳을 향해 나아가는 기운이 있습니다. 새로운 것을 벌리기보다는 지금 하는 일에 더욱 만전을 기울여야 하겠습니다. 상반기에는 일이 바빠지고 책임감이 강해지는 시기입니다. 하반기에는 나보다 나이 많은 사람과 관계를 하면 좋은 귀인이 될 수 있습니다. 쓸데없는 것을 끊어내고 필요한 것을 집중하여 재물을 늘려가야 하겠습니다. 오래 묵혀놓은 것을 정리해주는 것이 좋습니다. 올해는 큰 돈을 만질 수 있는 기운이 있습니다. 여성은 연애운이 좋으며 남성은 좀 삐걱될 수 있으므로 내 주장을 고집하기 보다는 이해심을 가지는 것이 좋습니다.

뱀띠

밝고 명랑한 성격을 가지고 있는 뱀띠는 출세와 성공, 어디서도 주목받는 해입니다. 하지만 자만심은 금물, 상반기에는 시기와 질투가 있으니 경거망동하지 않아야 구설을 피할 수 있습니다. 항상 공부하고 배우려는 마음가짐이 중요합니다. 하반기에는 귀가 얇아질 수 있으니 계획적으로 움직여야 합니다. 직장에서는 새로운 업무를 부여받을 수 있으며 이는 경험을 쌓을 수 있는 기회가 되며 나의 경력에도 도움이 될 수 있습니다. 연애운은 사소한 말다툼이 있을 수 있으니 감정적이기 보다 좀더 성숙한 마음으로 상대를 대해야 하겠습니다.

말띠

감정이 풍부하고 겁이 많은 말띠는 올해 나를 들어낼 수 있는 시기입니다. 지금 하고 있는 일을 더욱 열심히 다지는 것이 좋습니다. 갑자기 잘 되는 것이 있더라도 겸손하게 지내야만 구설을 피할 수 있습니다. 바쁜 일정속에서도 지치지 않는 체력으로 성과를 잘 낼 수 있습니다. 재물운은 12띠 중에서 가장 좋은 띠로 안정적으로 재물을 운용할 수 있습니다. 애정운은 여성이라면 지나친 감정소모가 일어날 수 있습니다. 현재의 관계를 유지하기 위해 노력해야 합니다. 남성이라면 좋은 인연을 만날 수 있으며 특히 6,7월에 새로운 만남을 할 수 있습니다.

양띠

배려를 잘 하고 온화한 성격인 양띠는 내면에 은근한 고집과 인내심이 있습니다. 가정적이고 안정지향적입니다. 2025년에는 새로운 도전과 기회가 열립니다. 문서운이 있고 직장인은 승진의 기회가 찾아옵니다. 상반기에는 새로운 환경을 적극적으로 받아들이고 잘 적응해야 하며 골치아팠던 문제도 잘 해결됩니다. 하반기에는 문서를 취득하는데 좋습니다. 새로운 것을 배우거나 부동산 매매에 유리한 기운이 들어옵니다. 새로운 시작과 기초를 다지는 시기이므로 안정성을 유지하는 것에 힘써야 합니다. 갑작스런 지출이 생길 수 있으니 항상 예비자금을 챙기도록 해야합니다. 작은 성과에도 주목을 받을 수 있으나 작은 실수 또한 잘 드러나기도 하니 주의가 필요합니다. 작은 변화로도 새로운 에너지를 받을 수 있으니 가구를 옮기거나 스타일을 바꾸기에도 좋습니다. 애정운은 나의 매력이 돋보이는 시기이니 나의 이미지를 잘 관리해야 하겠습니다.

원숭이띠

금전적으로 안정적인 시기가 됩니다. 원숭이는 영특하고 출세하려는 욕구가 강하며 고민이 많고 질투도 많습니다. 2025년에는 새로운 환경의 이동과 변화가 예상됩니다. 변화를 잘 받아들인다면 내적성장과 큰 기회를 가질 수 있습니다. 상반기에는 중요한 결정을 미루지 말고 곧 바로 행동으로 옮겨야 하며 금전이 안정적으로 흐르는 만큼 갑작스런 재물이 나갈 수도 있으니 금전 관리를 계획적으로 해야 합니다. 인간관계나 애정문제에서 지나치게 감정적인 반응을 하지 말고 차분하게 행동하도록 합니다. 하반기에는 일이 많아지고 인정받을 수 있습니다. 문서, 계약도 좋으니 이직도 가능합니다. 솔로는 5월과 9월에 좋은 인연이 나타날 수 있습니다.

닭띠

닭띠는 인간관계가 넓고 꼼꼼하며 일에서는 완벽주의의 성향이 있습니다. 새로운 모임에서 귀인이 들어올 수 있습니다. 편재의 기운으로 큰 돈이 들어오는 기회를 얻을 수 있으며 상반기에는 새로운 투자처가 열리기도 합니다. 하반기에는 자칫 잘못하면 경거망동 할 수 있으며 충동적인 소비나 과한 투자는 삼가해야 합니다. 상반기에 좋은 기운을 하반기까지 잘 유지한다는 마음으로 한해를 보내셔야 합니다. 꾸준히 체력을 관리하고 건강검진으로 건강 관리를 해야 합니다. 애정운은 4월과 10월에 새로운 만남이나 관계를 발전시킬 수 있습니다.

개띠

개띠는 할 말도 많고 하고싶은 말은 꼭 해야하는 성격으로 남을 위해 하려던 말도 괜한 오해를 받기도 합니다. 올 한해는 차분히 가도 되는 일을 급하게 하지말아야 합니다. 과거에 매달리기 보다 빨리 정리하는 마음으로 현재에 집중하야 합니다. 상반기 건강에는 긍정적인 기운이 들어와 생활에 활력을 느낄 수 있습니다. 규칙적인 생활습관으로 좋은 기운을 더 잘써야 하겠습니다. 하반기에는 공부나 자기계발하는데 힘을 써 자신이 더욱 성장하는 기회로 삼아야 합니다. 정리정돈으로 시작하여 과거의 안좋은 기운을 깔끔하게 정리해야 하겠습니다. 앉아서 일하는 직업군은 이동, 변동수가 생길 수 있습니다. 연애운은 가벼운 만남으로 다양한 인간관계를 하는 것이 좋고 열린마음으로 인연을 대해야 하겠습니다.

돼지띠

욕심도 많고 식복도 많은 돼지띠는 야망이 넘치고 미래지향적입니다. 2025년에는 재물과 관련된 기회가 많이 들어옵니다. 정체된 것 보다 한 발짝 변화를 시키는 것이 좋고 변화에 항상 열려있어야 하겠습니다. 하반기에는 금전적으로 풍요로워 집니다. 5월, 10월에 횡재운이 있겠습니다. 대인관계에 자신감이 생기고 직장에서도 주도적인 역할을 할 수 있습니다. 그러나 지나친 자신감으로 큰 실수를 하거나 주변에 내 고집을 강요할 수 있으니 좀 더 겸손한 마음을 가져야 하겠습니다. 건강에 자신만만한 오만한 마음을 가지지 않고 건강관리에 힘써야 하겠습니다. 인간관계에 자신감이 있는 시기이므로 애정운에 있어서도 먼저 어필해보는 것도 좋겠습니다. 2월, 12월이 좋으며 소개팅을 해도 좋습니다.

부산 퐁피두미술관 유치? 반대운동?

민키트리 — Tue, 11 Feb 2025 22:00:29 +0900

부산 퐁피두 미술관 유치

부산시는 2024년 9월에 퐁피두 센터 분관 유치를 위해 업무협약을 체결했다.

퐁피두센터는 프랑스 파리에 있는 미술관으로 오르세 미술관, 루브르 박물관과 3대 산맥을 자랑하는 곳으로 20세기 초부터 세계의 유명한 현대미술 작품들을 다양하게 소장하고 있어 관광객들이 많이 찾는 곳이기도 하다.

부산시는 퐁피두미술관 분관을 2027년 착공하여 2031년 개관을 목표로 하고 있으며 위치는 이기대공원 어울마당에 건립될 예정이다. 약 5000천평에 달하는 규모에 국제공모를 통해 공간설계가 될 예정이며 전시실과 창작스튜디어, 공연장, 수장고, 교육실 등으로 구성된다고 한다.

하지만 퐁피두 분관 유치는 마냥 좋아만 할 수 없다고 한다. 현재 부산 미술계에서는 퐁피두 반대운동을 펼치고 있기 때문이다. 그렇다면 퐁피두 미술관 분관 유치를 반대하는 이유에 대해 알아보자.

부산 퐁피두 유치 반대 운동

부산시민 대책위에 따르면 퐁피두미술관 분관유치에는 굴욕적인 협약 내용과 그에 따른 시민 혈세가 낭비될 수 있다는 점을 지적했다. 퐁피두센터 분관 협약에는 매년 60억원에 이르는 엄청난 로열티와 작품운송보험료, 작품의 항온 항습 항염 보관에 대한 비용과 전시, 교육 등의 추가적으로 부담되는 비용까지 고려한다면 그 비용과 세금이 부산시민에게 고스란히 부담된다는 것이다. 더군다나 협약 내용에는 프랑스법에 규율되어 부산시가 배제되는 일방적으로 불리한 내용 등이 포함되어 있어 굴욕적인 협약이라 말하고 있다.

애초부터 문화 정책 입안에 있어서도 부산시 문화예술위원회의 심의 과정을 거치지 않고 진행되었다는 점 또한 지적하고 있다.

이로 인해 부산 미술계의 여러 원로들과 예술인들이 거리로 나오게 되었으며 이들은 퐁피두미술관 분관유치 반대 활동을 전개하고 있다.

이기대 퐁피두미술관 분관유치 반대 부산시민 대책위는 이 협약이 미술계, 지역주민, 부산시민의 소통 없이 부산시가 일방적으로 추진했다는 점을 문제삼으며 퐁피두미술관 분관유치의 과정과 협상 내용을 투명하게 공개해 달라고 요구하고 있다. 또한 퐁피두 미술관 유치 이전에 기존의 시립미술관, 현대미술관의 활성화 방안부터 마련되어야 하며 이기대의 천혜의 환경을 보존해 달라고 목소리를 높이고 있다.

출생수로 본 사람의 성격과 특징 (수비학)-나의 출생수 구하기

민키트리 — Mon, 20 Jan 2025 21:03:16 +0900

수비학이란?

수비학이란 숫자에 특정한 에너지나 진동을 가지고 있다고 믿는 것을 말하며, 특히 출생수는 사람의 성격이나 이미지, 추구, 특성, 강정과 약점, 운명 등을 이해하는데 쓰였다.

출생수 구하기

수비학에서 자신의 출생수를 구하려면 자신의 생년과 월, 일을 다 더하고 다시 그것이 한 자리 숫자가 나올때 까지 계속 더하면 자신의 출생수가 나온다.

예를 들어 1980년 5월 20일 생이면...1+9+8+5+2=25, 2+5=7 수비학 번호는 7이다.

1번

수비학이 1번인 사람은 한 마디로 일관성이다. 뭐든 한가지를 끝까지 한다.

관계성보다는 본인의 생각을 중시하기 때문에 남의 말을 잘 안 듣는다. 의지력이 강하다.

2번

여성성을 상징한다. 눈에 튀고 대범하고 자신만의 소신이 있어 본인의 성향을 가감없이 드러내는데 두려움이 없다. 그래서 사회생활에서는 겉과 속이 다를 수 있다. 하지만 안전함보다는 자신만의 독특함을 드려낼때 성공할 수 있다.

어느 한 편에 있을때 다른 편에 대한 극단적 반감이 있을 수 있다.

3번

안정, 조화, 재미, 쾌락을 쫓는다. 주변에 자기 사람이 많고 포용력이 좋다. 트랜드에 민감하다. 눈치가 빠르고 서비스정신이 투철하다. 자기가 좋아하는 것은 사심없이 불태운다.

오히려 자기 중심적으로 사는 것이 좋다. 어차피 자신의 재미를 추구하며 사는것이 스트레스가 없다.

4번

불안이 많다. 그래서 준비와 대비를 한다. 안정적이며 명예를 추구한다. 현실적이며 손해보지 않으려 한다. 주어진 기회를 놓치지 않으려 한다. 그러기 위해서 항상 패턴을 읽고 분석한다.

5번

변화의 수, 자유롭고 변화무쌍하다. 비율이 좋으며 매력이 있다. 자존감이 높고 자존심도 강하다. 속으로는 생각이 많고 거절을 잘 못한다. 사소한 것에 목숨걸지 않는다. 감성과 이성 사이에 갈등이 많고 밸런스를 유지하기 위해 항상 노력하며 겉으로는 온화하게 보인다.

6번

융통성이 많고 오지랖이 좋아 무엇이든 자신이 도와주려 한다, 친근하고 가족같은 느낌이 많다. 책임감이 강하고 현실적 노력가이다. 매뉴얼대로 한다. 하지만 우유부단한 면도 있다.

7번

외모나 성격에서 리더의 모양을 갖추고 있다. 전략적이며 기획력이 뛰어나다. 남에게 보여지는 것을 신경쓴다. 가호가 있다. 하지만 뒷수습에는 관심없다.

8번

처음부터 끝까지 자기 스타일로 해야 직성이 풀린다. 자신이 한 것에서 자부심을 느낀다. 열정도 많고 생활력도 강해 생고생을 많이 한다. 자신의 환경적 어려움을 극복하다가 결국 자신의 역량을 성장시킨다.

9번

자기 영역과 세계관이 분명하다. 매너가 좋고 친근하지만 자신만의 격을 유지하며 우월감이 있다. 그래서 공감력이 부족할 수 있다. 자기만족이 강하고 남에게 신경쓰지 않는다.

새치염색 유지기간을 늘리는 가장 쉬운 방법(feat.탈모예방 효과)-염색약 광고 아님!

민키트리 — Fri, 17 Jan 2025 16:41:55 +0900

새치염색을 하는 기간이 얼마나 되시나요? 한달에 한번? 자주 하시는 분은 3주에 한번씩 하게 되는데요. 저도 염색한지 얼마 되지 않았는데 머리밑에 흰머리가 보이기 시작하면 어떻게서든지 몇일 더 버텨보려고 노력한답니다.

그 이유는 염색약을 자주 사용하게 되면 노안이 빨리 오고 화학성분의 자극으로 두피가 건조해지거나 뾰루지가 나는 등의 부작용 때문이죠.

그 뿐인가요? 염색을 하기위해 들이는 돈과 시간, 그리고 노력도 무시할 수 가 없답니다.

그래서 많은 분들이 화학 염색약을 피하기 위해 천연염색제를 많이 알아보시는데요.... 하지만 천연염색제는 지속성이 떨어져서 자주 해주어야 하는 번거로움이 있습니다.

최근 커피염색제를 만드는 방법이 여러가지가 나오고 있는데요. 커피 염색제는 들인 시간에 비해 제대로 염색이 되지 않을 뿐만 아니라 지속성도 많이 떨어져서 실망만 남겨주지요.....

커피염색제 만들기 아닙니다!

커피염색제는 집에서 쉽게 할 수 있다고는 하나 염색제를 일일이 만들어서 사용해야 하는 번거로움이 있고 효과가 떨어진다는 리뷰가 많았습니다.

하지만 커피는 카페인이 들어있어서 두피 혈액순안을 돕기때문에 두피청결과 모발을 강화시켜주는 효과가 있습니다.

또한 화학성분이 없어서 자극이 없는 비교적 안전한 재료이기도 합니다.

중요한 것은 커피로 염색을 하는 것이 아닙니다.

우리가 이 방법을 써야하는 이유는 한달에 한번씩 염색하는 기간을 좀 더 길게 늘려주어 염색횟수를 조금이라도 줄여주기 위함입니다.

또한 이렇게 하면 염색약으로 인한 자극을 최소화하고 두피와 모발에도 좋은 영향을 주어 힘없는 모발에 건강한 윤기를 주고 나아가 탈모예방에도 효과가 있습니다.

매일하는 샴푸!

우리는 매일 또는 이틀에 한번씩 샴푸를 합니다. 바로 매일하는 이러한 행위에 초점을 맞추어 시간을 절약하고 쉽게 할 수 있어야 합니다.

이 방법은 염색기간을 늘리기 위해서 커피 염색제를 미리 만드는 노력을 하지 않으셔도 됩니다. 또한 시중에 나오는 염색샴푸를 사지 않으셔도 됩니다.

매일하는 샴푸에 커피 한 스푼이면 됩니다.

그렇다면 사용방법을 한번 알아보겠습니다.

1. 머리를 감기위해 머리카락에 물을 적시고 손에 샴푸를 덜어냅니다.

2. 샴푸가 있는 손바닥 위에 커피 한 스푼을 넣습니다. 이것을 같이 섞어 거품을 냅니다.

3. 커피는 비교적 쉽게 녹으며 샴푸와 함께 머리카락을 마사지 합니다.

4. 이렇게 1~2분 방치해 놓습니다.

5. 머리를 헹궈줍니다.

트리트먼트를 하실때도 이와 같은 방법으로 하셔도 괜찮습니다. 하지만 커피향이 나기때문에 트리트먼트 향을 살려주는게 좋겠습니다.

처음에는 이 방법이 별로 효과가 없다고 생각 할지도 모르지만, 다음 염색기간까지 계속 커피와 함께 머리를 감아준다면 커피가 중첩해서 연하게 염색이 되기 때문에 화학 염료의 염색기간을 훨씬 더 오래 유지시킬 수 있습니다. 더불어 모발을 강화시켜 건강하고 윤기나는 머리카락을 유지시킬 수 있습니다.

오늘부터 바로 실천해 보시겠어요?

밀양 투명꽃 - 인생컷 야외정원이 있는 복합문화공간(카페, 전시, 인문학강의 소개)

민키트리 — Thu, 16 Jan 2025 19:25:09 +0900

밀양 감물리에는 감물저수지를 바라보며 복합문화공간 투명꽃이 자리잡고 있다.

복합문화공간 투명꽃은 총 4층으로 이루어져 있는데, 1층의 야외정원과 웰컴가든, 2층 카페테리아와 도서관, 3층 갤러리와 미디어관, 4층에는 명상관과 인문학 강의실 등으로 이용되고 있다.

카페테리아

카페테리아의 대표메뉴는 수제 요거트다. 물론 커피 맛도 무척 좋았지만 개인적으로는 수제 요거트가 아주 제대로다. 수제 요거트는 위에 블루베리 등과 같이 나오는데 베이글과 같이 곁드려도 좋다. 브런치로 즐길만한 메뉴는 별로 없지만 간단한 요기를 할 만한 몇가지 종류의 빵이 구비되어 있다. 수제 대추차는 밀양에서 직접 재료를 공수하여 물을 전혀 섞지 않고 그대로 다려서 나온다. 카페 공간과 저수지를 바라보며 즐기는 풍경, 그에 어울리는 고급 잔 또한 멋있다.

도서관

카페 위 계단으로 올라가면 커다란 공간에 도서관처럼 책장들이 펼쳐져 있다. 통창으로 된 벽 사이로 책들이 구비되어 있고 그 사이사이에는 다양한 작품들이 자리잡고 있다. 투명꽃에서 가장 눈여겨 볼 만한 것은 야외 정원과 건물 내부에 설치되어 있는 예술품들이다. 장소 특성을 고려한 조각작품과 공예, 회화작품들을 전시하고 있어서 고요한 저수지를 바라보며 쉼이라는 단어가 절로 나올 만큼 편안한 풍경 속에서 책과 예술을 즐기기에 안성맞춤이다.

복합문화공간

3, 4층으로 올라가면 미디어관과 갤러리가 있다. 그 곳에는 다양한 작가들의 전시가 열리기도 하고 인문학 강의가 두달에 한번 열린다고 한다. 다가오는 2월 5일, 8일에 강의가 있으며 투명꽃을 방문하여 케페테리아에서 알람 신청을 하면 전시소식과 강의소식을 문자로 받아볼 수 있다고 한다.

투명꽃은 매주 월, 화요일은 휴무이고 11시부터 6시까지 오픈되어 있다. 날짜와 시간을 잘 체크하여 방문하기 바란다. 참고로 투명꽃에 가는 방법은 두가지가 있는데 삼랑진ic에서 25분 가량 산 속 숲길을 감상하며 가는 방법과 좀 더 편한 길인 밀양ic에서 15분 내로 가는 방법이 있으니 각자의 성향에 맞게 가는게 좋을 듯 하다.

김종식 미술관 직접 방문했습니다

민키트리 — Tue, 12 Nov 2024 19:31:21 +0900

오늘은 김종식 미술관을 방문하였다. 지난번 김종식 아카이빙 사업에 참여하면서 아들이신 김헌 이사장님께서 이런저런 조언을 해주셨고, 미술관을 방문하여 마무리 작업을 거들던 차였다. 김종식 미술관은 2008년에 개관하여 2019년 다시 제2관이 오픈하였다. 미술관 앞마당에 주차를 할 수 있는 공간이 있고, 들어서자마자 유명한 작품인 <인간가족>이 전시되어 있었다. 어둡고 침울했던 우리나라의 과거가 담겨있는 작품이다.

김종식 화백의 자료를 수집하면서 보았던 작품들을 실물로 보니 아련한 감동이 밀려왔다. 그가 사용하던 손때묻은 드로잉 북이 실제로 진열되어 있어서 그가 얼마나 펜을 놓지않고 선을 그어왔는지 알 수 있었다.

김종식 화백은 생전에 작품거래를 많이 하지 않은 것으로 알려져 있고 그래서 유명세를 크게 얻지는 못했지만, 부산의 대표적인 1세대 서양화가이기에 우리가 꼭 기억해야 할 가치가 있다 여긴다. 하지만, 가치는 그 뿐만이 아니다. 부산은 한국전쟁으로 당시 중앙지역에서 피난 온 화가들이 부산에 머물다가 다시 빠져나가면서 여러가지 혼란을 야기했고, 그 과정속에서 부산의 지역성과 향토성으로 부산의 화단을 지켜내고자 했었던 의지를 보여주었다는 점, 냉철한 자기인식을 통하여 허식없는 작품세계를 펼치고자 했다는 점에서 부산 작가뿐만 아니라 발전하고 있는 청년작가들에게 귀감이 되기에 충분하다.

김종식 미술관: 부산 부산진구 성지로53

오픈: 화, 목, 토요일 11:00~17:00

20세기 부산의 대표 화가 김종식(1918~1988)

민키트리 — Tue, 15 Oct 2024 19:14:54 +0900

김종식 화가는 20세기 부산을 대표하는 화가이다. 미술계에 있으면서 김종식 화가를 알게된 것이 김종식 아카이빙 사업에 참여하게된 계기였던 것이 부끄럽기만 하다. 그도 그럴것이 세대가 달랐고, 지방 화가라는 탓에 우리에게 잘 알려지지 않았고, 작품 또한 미술 시장에 나와 있지 않다. 이 좁디좁은 한국은 미술계 역시도 수도권 중심으로 이루어져 서울로 진출한지 않은 미술인은 세상에 잘 알려지지 않는다는 현실이 씁쓸하기만 할 뿐이다.

김종식은 부산 화단을 이끌었던 1세대 화가라 할 수 있다. 부산에서 쭉 나고 자랐으며 동래고등학교를 거쳐 1938년 일본 제국미술학교 서양화과를 졸업했다. 그 후 한국으로 귀국하여 1945년 부터 미술교사로 교직생활을 하며 활동을 시작하게 된다. 그는 한국전쟁을 겪으면서 잠시 교직생활을 중단하기도 하였지만, 곧 제기하였고, 1953년부터 <토벽동인>을 창단하면서 본격적인 작품활동과 제자 양성을 하게 된다. 당시 한국전쟁으로 인해 부산에는 피란민이 넘쳐났고, 그래서 그는 그러한 역사적 상황과 혼란이 고스란히 담긴 부산을 주제로 작품활동을 하였다.

그가 남긴 유화작품은 <시청앞(사공보원)>(1953), <부산항 석양>(1956),<해운대>(1960), <미남동 풍경>(1971), <하단>(1975), <구덕산>(197), <영도조선공사풍경>(1987) 등 부산의 풍경을 주로 그렸으며 약 150여점에 이른다. 하지만 그가 일상에서 주로 다룬것은 드로잉이다. 그는 항상 드로잉 북을 가지고 다니며 가는 곳 마다 풍경과 감정을 담아내었는데 그 수는 헤아리기 어려울 만큼 많다. 여기서는 그의 드로잉 작품을 소개해보고자 한다.

웹하드 자료 올리는 방법 (쉽게 따라하기)

민키트리 — Wed, 21 Feb 2024 15:28:29 +0900

안녕하세요? 오늘은 웹하드 자료올리는 방법에 대해 준비했습니다. 웹하드 자료 올리는 것은 전시도록을 준비하기 위해 많이 사용하시고 계시지만, 가끔 헷갈려 하시는 분이 계시기에 다같이 한번 따라해보시면 쉽게 올리실 수 있습니다. 그리고 웹하드에 자료를 올리기 전 미리 대표작품 사진파일을 준비하시고, 한글파일에 1. 이름, 영문이름, 2. 학력 및 프로필 8줄 이내, 3. 작품제목, 크기, 재료, 제작년도 4. 메일주소 등 을 적어서 정리해 놓으셔야 합니다.

먼저 "웹하드"를 검색해보겠습니다.

빨간색 부분을 클릭하시면 됩니다. 그러면 화면 상단에 로그인 버튼이 나옵니다. ------클릭

로그인을 해주시면 되는데요. 아이디와 비밀번호는 전시 단톡방에 안내해드리고 있습니다. 먼저 게스트 방문을 체크하시고 아이디와 비밀번호를 입력하시고 로그인 클릭! 그러면 하단과 같은 화면이 나옵니다.

신라대학교 동문전을 클릭합니다. (자신의 그룹이름을 클릭합니다)

화면 상단에 새폴더를 클릭합니다. 그러면 아래와 같이 폴더이름을 입력하는 란이 나옵니다. 거기에 본인의 이름을 입력합니다. 저희는 동문전이니 전공 학번도 입력해줍니다. 예를 들어 "서양화95 김신라" 또는 대학원 학번일 경우 "대학원07 김신라" 이렇게 입력하신 후 "생성"을 클릭합니다. (교수님은 성함만 입력하시면 됩니다)

그러면 아래와 같이 본인이 입력한 이름으로 폴더가 생성됩니다.

다음은 자료를 올리시면 되는데요. 주의해야 할 사항은 한번 올린자료는 삭제가 안되니 미리 올리실 자료를 검토하고 파일이 어느 폴더에 있는지도 미리 확인하신 후 올리셔야 합니다.

먼저 미리 생성해 놓은 본인이름의 폴더를 더블클릭하여 들어갑니다.

왼쪽 상단에 올리기-일반 올리기를 클릭하시면 다음과 같은 화면이 나옵니다. 찾아보기를 클릭하시면 내 컴퓨터 안에 있는 파일들이 보이는데 그곳에서 미리 입력하셨던 자료를 찾아서 더블 클릭하시면 자료가 바로 올라갑니다.

먼저 대표작품사진을 찾아 선택하신 후 더블클릭합니다,

다음으로는 프로필 사진을 올립니다. 찾아보기를 클릭합니다. 프로필사진파일을 더블클릭하여 올립니다.

프로필 내용은 미리 한글파일에 1. 이름, 영문이름, 2. 학력 및 프로필 8줄 이내, 3. 작품제목, 크기, 재료, 4. 메일주소 등을 정리해 놓습니다. 찾아보기를 클릭합니다. 프로필파일을 찾아 더블클릭합니다. 그러면 화면에 3개의 파일(작품사진, 프로필사진, 프로필 내용)이 올라간 것을 확인하실 수 있습니다. 전송시작을 클릭합니다.

순서는 다음과 같습니다.

올리기-일반 올리기-찾아보기-미리 준비한 파일을 찾아 더블클릭-전송시작 순으로 올리시면 됩니다.

자료가 잘 올라갔는지 확인해 보실수도 있고, 혹시 필요하시다면 폴더이름 옆에 메모를 클릭하셔서 메모를 남기실 수도 있습니다. 잘못 올라간 부분이 있다면 메모장을 활용하시면 되겠습니다. 마무쪼록 도움이 되셨길 바라면서 성공적인 동문전이 될 수 있도록 열심히 하겠습니다. 감사합니다~~

내 운세 보기, 사주팔자 보기 - 월지로 직업 알아보기

민키트리 — Thu, 25 Jan 2024 19:46:48 +0900

2024년 새해가 되면서 많은 분들이 신년운세를 궁금해합니다. 작년에 힘들었던 분들은 올해는 좀 나아지려나 할것이고, 진로나 적성에 대해서 궁금해하시는 분들도 많을 겁니다. 언젠가부터 사주에 관심을 가지면서 사주의 10천간과 12지지의 글자가 나타내는 뜻을 알아보니 재미가 있더라구요. 그래서 8자에서 가장 중요하다는 월지 글자의 뜻을 한번 정리해 보았습니다.

● 월지란 무엇인가?

월지는 사주의 8글자중 사회궁을 나타내는 것으로 자신의 태어난 계절을 나타냅니다. 물론 일간에 따라 월지의 십성은 달라지지만 월지의 글자가 가리키는 뜻만으로도 기본적으로 자신의 사회적 역할, 자신의 능력, 특징등을 유추해 볼 수 있습니다.

월지의 자리는 아래의 그림에서 가리키는 자리입니다. 만세력 어플에서 자신의 생년월일을 입력하면 볼 수 있습니다,


		월지

자신의 월지 글자가 무엇인지 보셨다면 해당하는 글자의 뜻을 알아보겠습니다.

● 월지 글자의 의미와 직업적 특징

丑 - 소를 뜻하며 근성이 강하다. 고집이 있으며 반듯하고 정직하다. 하지만 고지식한 면이 있으며 다양성이 결여된다. 반복의 물상으로 교육, 연구직, 공무원에 적합하다.

寅 - 호랑이를 뜻하며 꿈, 이상이 크다. 자신만의 계획, 설계가 가능하며 남밑에서 일하기보다 자기 사업을 추구한다. 전문직이면 직장을 다니기도 한다.

卯 - 토끼를 뜻하며 호기심이 많고 다양성을 추구한다. 기획력이 좋아 디자인, 건축, 토목, 유아교육에서 재능을 발휘하는 사람이 많다. 새로운 것을 창출하고 일을 잘 벌리기도 하지만 결실은 좀 약한 편이다.

辰 - 용을 뜻하며 화려하지만 삶이나 심리적 기복이 많다. 꾸미는 것을 좋아하고 낙천적이며 예술적 인자가 있다. 주로 제복을 입는 직업에 종사하는 사람이 많다.

巳 - 뱀을 뜻하며 부모로 부터 재물을 타고난 사람이 많다. 꾸준함이 있고 반듯해보이지만 변색을 잘하며 한입으로 여러말을 할 수 있다. 말하는 직업이나 영업직도 잘 맞고 불(火)에 해당하는 기술직, 자동차, 군, 경찰에 종사하는 사람이 많다.

午 - 말을 뜻하며 이득과 효율성을 따진다. 무역, 금융, 회계 등 시시비비를 따지는 직업과 잘 맞다. 불(火)에 해당하는 방송, 언론, 전기, 통신 업계에 종사하는 사람이 많다.

未 - 양을 뜻하며 고집이 쎄다. 생각을 정리하여 가장 좋은것을 찾아내는 기질이 있다. 특유의 낙천성이 있고 불편한 것을 싫어하며 게을러질 수 있다. 전문직이 많으며 공직, 교육에도 종사하는 사람이 많다. 불(火)기운과 붙으면 화류계, 미용으로 간다.

申 - 원숭이를 뜻하며 믿음, 신의를 중요하게 생각한다. 리더쉽이 강하고 결과물을 중시한다. 예지력이 강하여 무속, 종교, 역학에도 관심이 많다. 그러나 외로움을 잘 타서 애정사가 복잡할 수 있고 컴퓨터, 기술공학, 전기전자에 종사하는 사람이 많다.

酉 - 닭을 뜻하며 주변에 먹을 것이 많다. 비교하고 선택하고 분배하는 것에 능하며 독창성이 있다. 고급품을 다룬다. 낙천적이지만 전투력이 약하다.

戌 - 개를 뜻하며 외로움이 많다. 가공하고 재활용에 능하다. 앉아서 버티는 직업이나 간호사, 의사, 군인, 경찰에 종사하는 것이 좋으며, 아니면 삶에 기복이 많아질 수 있다.

亥 - 돼지를 뜻하며 금전적 감각이 뛰어나다. 부지런하며 머리가 좋고 판단력이 좋다. 임기응변과 문제해결에 강하다. 이성적이며 분석적이다. 해외와 인연이 있고 바다와 관련된 해운업, 수산업, 무역, 교역, 유통업에 많이 종사한다.

子 - 쥐를 뜻하며 감각이 예민하다. 생각이 많고 비밀이 많으며 속을 알 수 없다. 자기만의 세계가 있으며 창작이나 종교에 관심이 많고 전문직에 종사하는 실력자가 많다.

양산 볼만한 전시- 금진 개인전 [점유상실] 한송예술촌 갤러리 HEE

민키트리 — Wed, 20 Dec 2023 21:05:46 +0900

금진 개인전-점유상실: <Grand mother's house: Four Plants>

양산 한송예술촌에 위치한 갤러리 희에서는 오늘 20일 금진 작가의 개인전을 오픈하였다. 아마 올해 마지막 전시가 될 것이다. 최근 갤러리 희의 좋은 전시를 여러번 놓치기도 하였고, 개인적으로 이 전시를 기획한 큐레이터, 그리고 금진 작가는 나와 대학원을 동학한 사이기에 겸사겸사 좋은 만남의 기회가 되어 찾게되었다.

금진 작가는 동양화를 전공하여 풍경등을 컴퓨터그래픽으로 재구성하기도 하고, 먹이나 백묵으로 탁본을 뜨는 등의 여러가지 작업을 시도하였던 작가이다. 이번 전시에서는 탁본, 직판화를 위주로 선보였는데, 탁본 작품들은 돌아가신 할머니의 집에서 작업을 하며 할머니가 사용하던 물건들을 탁본하여 그 흔적들을 따라가는 것으로 시도된다. 특히 오래된 물건, 버려진 것들, 그 기능을 상실하여 사라져버릴 것들을 발견하고 재조정하고 있다. 탁본을 하는 과정에서 드러나는 사물의 표면적인 것들은 지난 기억속의 공간, 냄새, 촉감 등을 소환한다.

이번 전시에서 눈여겨 볼 것은 직판화 작품들이다. 보통 판화라 하면 같은 것을 여러번 찍어낼수 있다는 점을 생각할 수 있는데 직판화는 특히 금진 작가의 직판화는 물감의 우연한 번짐이나 겹침, 사물을 프레스기에 그대로 집어넣어 벌어지는 단 일회성의 사건으로 존재한다. 작품을 자세히 들여다보면 담배꽁초, 캔뚜껑, 나뭇잎, 나뭇가지의 형태가 그대로 반영되면서도 새로운 형상으로 또 다른 쓰임을 하고 있다. 필요에 의해 누군가 소유했지만 쓸모를 다해 버려진 사물은 소유자가 상실된 것이다. 작가는 상실된 사물의 소유자가 되어 이야기를 만든다.

버려진 낙엽은 2022년의 가을을 기억하는 사물로, 공장 문앞에서 채집한 담배갑과 담배꽁초는 어떤 노동자의 짧은 쉼으로, 버려진 일회용컵과 바짝 마른 풀은 종이꽃으로 재탄생 하였다. 프레스기에 눌려 밀착되어진 사물들은 죽은 것들이 남긴 발자국처럼 흔적을 만들어내고 버려진 것을 쓸모 없음에서 있음으로 다시 태어나게 한다. 현장성이 반영된 사물의 흔적들을 따라가며 작가는 흔적의 근원에서 느껴지는 감정을 공감하고 그것들이 새로운 생명으로 순환되길 희망하는 마음이 아닐까 한다.

전시일정 : 2023. 12. 20 ~ 2024. 1. 17

전시시간 : 수요일~토요일 11시 - 5시, 일요일 2시 - 6시

휴관 : 매주 월, 화

청도 미술관-영담한지미술관 특별기획전 <긴밀한 수행>

민키트리 — Sun, 3 Dec 2023 19:20:30 +0900

영담한지미술관 특별기획전 <긴밀한 수행>

오늘은 청도에 있는 영담한지미술관의 기획전시 <긴밀한 수행>전 오픈식이 있었습니다. 이건희 작가의 기획하에 김수철, 김영담, 박철, 양기훈, 이종한, 한기주, 현정오 작가가 참여했습니다 . 이 작가들은 모두 '한지'라는 재료를 사용하여 그 물성을 최대로 살려내며 작업에 몰두하고 있는 작가들 입니다.

오픈식은 영담스님께서 직접 사회를 보셨고, 작가 소개와 더불어 멀리서 오픈식에 참여해 주신 한분 한분들을 직접 인사시켜 주셨습니다. 국내 유일의 한지전용 미술관인 영담한지 미술관은 2007년에 청도에 개관하였습니다. 어려운 가운데서 한지를 알리고 세계적인 소재로 키워나가기 위해 이 미술관을 개관하셨고, 경북문화재단과 청도군의 후원을 받아 지역미술관을 활성화하는 사업들을 계속적으로 이어나가고 계셨습니다.

수제한지 전시장

오픈식에 앞서 미술관 안을 둘러보니 닥나무로 직접 만든 한지들을 전시하는 곳이 있었습니다. 이 한지들은 영담스님께서 직접 제조한 전통 수제한지로 수수하면서 질기고, 담백하면서 강인한 한국적 정서를 잘 전달하고 있었습니다. 오늘날 점점 사라져가고 있는 재료이긴 하지만 이제 그 쓰임을 벗어나 그 자체만으로 예술적 가치가 있으며, 그 물성을 이용한 현대회화의 재료로 많은 작가들에 의해 재탄생되고 있습니다.

김수철 작가

김수철 작가는 회화에서 쌓아 온 개인적인 감각이나 정서를 배제하고 재료의 속성에 대한 긍정과 시간차에 따라 자유롭고 지속적인 변이, 변성하는 것을 몸의 움직임과 더불어 그 흔적을 남기고자 하였다.

이건희 작가

이건희 작가는 직접 한지를 제작하는 과정에서 신문지 등을 삽입하고, 완성된 종이 위에 무수히 많은 색점을 찍기도 하고 미싱 드로잉을 하는 방식으로 작업을 진행한다. 신문지는 평면위에서 기호화되어 시대적 상황을 기록하듯 흘러다니며 공간을 형성하고 그 속에 조형적 요소를 가미시켜 또 다른 세계를 보여주고 있다.

현종오 작가

현종오 작가는 국보 제78호, 82호 반가사유상을 모티브로 '사유' 연작을 하고 있다. 이는 내면의 깊이를 탐구하고 모색하여 자유와 열반에 이르고자하는 열망의 표출이라 할 수 있다.

이종한 작가

이종한 작가는 어린 시절의 따뜻하고 소중한 삶의 터전이었던 '집'의 의미가 점점 퇴색되고 사라져가는 우리 사회의 현주소를 보여주고 있다. 종이로 만든 집들의 창문 사이에는 실재로 조명을 설치하여 따뜻한 불빛이 비춰주며 집에 대한 의미를 재고하게 해준다.

부산 볼만한 전시: [이선경 개인전 -신과 함께-] 미광화랑

민키트리 — Sun, 5 Nov 2023 19:05:04 +0900

10월 4일 부산 불꽃축제가 열리는 날 미광화랑에서도 새로운 전시를 오픈하였다.

부산 수영구에 위치한 미광화랑은 1999년에 개관한 부산을 대표하는 갤러리로 한국의 근현대미술을 소개하고 끊임없이 부산의 작가들을 발굴하면서 우리나라 미술시장 발전에 일조하는 전통있는 갤러리라 할 수 있다.

오픈식에는 파티시에를 초청하여 와인과 함께 다양한 디져트를 즐기며 소박한 파티를 열었다. 하필 이 날은 부산 불꽃축제가 열리는 날이라, 광안리 바닷가로 가는 인파가 몰려들면서 지나가던 손님들이 자연스럽게 전시관람을 하는 모습도 자아낸다.

이선경 개인전 - 신과 함께

이선경 작가는 미광화랑의 전속 작가로서 자신의 독특한 세계관으로 꾸준한 작업을 이어가고 있다. 작년 2022년 뮤지엄산 옴니버스전에 참여하였고, 올해 이한열미술관에서 열린 이태원 참사 추모전시에도 참여하는 등 다양한 활동을 하고 있는 중견작가라 할 수 있다. 올해로 17번째 개인전을 맞이한 이선경 작가는 "신과 함께"라는 전시 타이틀로 신선한 울림을 주고 있다.

나비가 되어_ conte on paper_76x56_2023

사랑하는 이들을 먼저 떠나보낸 후 우리의 마음은 길고 긴 암흑.

태양이 사라진 검은 그림자 속에 잠긴다.

달빛이 마음에 끼어들 듯이 우리의 애도는 깊고, 길고, 또 어둡다.

하지만 곧 알게 된다.

내 빰을 스치고 지나가는 나비의 날개 위에,

달빛을 가리는 잿빛 그림자 속에,

늦은 가을날 내 발 및에서 '바사삭' 소리를 내며 부서지는 마른 나뭇잎의 조각들에,

머리 위에 쏟아지는 햇살 속에,

가을비의 서늘한 입김 안에,

등 뒤에서 느껴지는 알 수 없는 온기 속에 떠나간 이들이 함께하고 있다는 것을...

사랑하는 아버지.

당신이 늘 우리 곁에 계시다는 걸 이제는 알아요.

당신과 다정하신 신이 함께 하신다는 것도.

여전히 우리는 깊은 슬픔에 가끔씩 빠지겠지만,

그래도 다시 만나는 날까지

안녕히.

-작가노트 중에서-

이선경 작가의 작품에는 항상 본인이 등장하며 자신이 주체가 되어 화면을 이끌어 나간다. 작품 속 인물은 다양한 모습을 하며 인물의 행위를 통해서 그녀가 전달하고자 하는 바를 명확히 드러내고 있다. 우리의 시간과 공간 속에 항상 존재하는 무언가... 그것이 신이 되었든 공기가 되었든지, 항상 존재하지만 우리가 볼 수 없는 초자연적인 것들을 자신만의 상상세계에서 본인과 체화된 모습으로 보여주고 있다. 그 세계에서는 자신을 지켜주고 있는 어떤 존재의 믿음이 전제되기에 무한한 가능성을 꿈꿀 수 있는 듯 하다.

전시기간: 2023.11.4(토) - 11.21(화)

관람시간: 오전 11시~오후 6시

일요일은 전화예약 관람

부산 볼만한 전시: 28회금샘예술축제 -금정문화회관

민키트리 — Sat, 21 Oct 2023 16:50:00 +0900

부산 금정구는 금정구에 사는 예술인들의 축제로 벌써 28회를 맞이하였다. 금정문화회관의 금샘미술관에서는 금정미술협회와 금정문인협회, 금정사진협회, 금정서예협회에서 준비한 작품들을 각1, 2, 3관에서 전시하고 있다. 전시는 10월 20일부터 29일까지이다.

10월20일은 오픈식 행사가 진행되었는데 금정구청장을 비롯하여 각 내빈들을 모시고 컷팅식이 이루어졌다. 김재윤 금정구구청장은 " 구민들의 삶의 질을 높이고 행복과 희망을 키워갈 수 있는 뜻깊은 계기가 되리라 생각한다. 금정구 예술인들의 열정과 노력에 큰 박수와 격려를 보낸다."라고 축사를 이어갔다.

제1전시관은 행사장 바로 옆에 있는 전시장으로 약100평의 전시장 규모의 서예와 문인화 전시가 열리고 있다. 독특하고 현대적인 작품들이 많았다.

제2관은 사진작품을 전시하고 있다.

제3전시실은 계단을 이용하여 한층 올라가면 있다. 3전시실은 평면회화와 다양한 조각작품들을 볼 수 있다.

금정예술축제가 특히 활성화 될 수 있었던 것은 예술인들이 금정구에 많이 거주하고 있어서일지도 모른다는 개인적인 생각이 있다. 금정구는 도심에서 볼 수 있는 다양한 인프라가 발달되어 있으면서도 조금만 외곽으로 벗어나면 금정산성을 비롯하여 범어사 등 역사와 전통이 공존하고 있는 곳이며, 복잡한 도심속에 살아있는 자연을 공유할 수 있는 조용한 지역을 곳곳에 보유하고 있어 예술인들이 거주하기에 좋은 지역이라 생각된다.

예술은 우리를 꿈꾼다: 2 심화편 (예술적 인문학 그리고 통찰) - 요약

민키트리 — Sat, 21 Oct 2023 15:25:02 +0900

예술은 우리를 꿈꾼다: 2 심화편 (예술적 인문학 그리고 통찰) - 임상빈 지음. 마로니에북스

예술적 인문학 그리고 통찰의 확장편에 이어 심화편이 나온다. 1편과는 다르게 부제를 먼저 앞세웠다는 것이 특이한 점인데 (예술은 우리를 꿈꾼다)는 예술을 더욱 깊이있게 탐닉할 수 있도록 기본적 교양을 넘어 예술적 통찰력을 길러주게 한다.

I. 예술적 욕구-예술로 보여주려는게 뭘까?

1. 매혹의 매혹:art는 끈다.

예술적 아우라로 유명세를 탄 작품은 신비주의를 빌어 자본주의 시대에 상업적으로도 활용된다.

2. 전시의 매혹:art는 보여준다.

미술품을 전시한다는 것은 보여주기 위한 것이지만, 그것을 감상하는 과정에서 세상을 재현하고 자신을 표현하기도 하는 흐름으로 확장, 발전한다.

3. 재현의 매혹:art는 드러난다.

‘재현’은 당연함을 지향하고 ‘표현’은 신선함을 지향한다. 재현에서 작가만의 감정과 의도들이 들어가서 표현되어 진다. 즉 ‘재현’은 총체적인 전체라면, ‘표현’은 그것을 보는 다양한 시선과 관점이 된다. ‘재현’은 ‘표현’이 가장 객관적인 상태에 다다른 때이다.

☀ 필리프 드 상파뉴<바니타스 정물화>, 1671

4. 표현의 매혹:art는 튄다.

작가의 의도는 ‘표현’이다. 그들은 끊임없이 예술의 존재 의미를 묻고 그 방향을 탐구하며 예술을 통해 자신이 표현하고자 하는 바를 실현한다. 하지만 표현은 혼자하는 것이 아니다. 나의 눈에도 매력적이어야 하고 남의 눈에도 그에 상응해야 하는 ‘핑퐁’과도 같다. 결국 ‘표현적인 소통’이 잘 돼야 한다.

☀ 윌리엄 터너<노예선>, 1840

II. 예술적 인식-예술에 드러나는 게 뭘까?

1. 착각의 마술:art는 환영이다.

마술적 환영주의를 보여주는 방식

· 사실적인 이미지: 극사실주의

· 느낌적인 이미지: 주변환경이 그 아우라를 강화하는 방식

설치미술-이미지의 감상을 고양하기 위해 조명과 음향등을 활용

· 다중 감각적 느낌: 가상현실, 증강현실-시각뿐만 아니라 신경계 전체를 물리적, 화학적 으로 자극하는 방식

☀ 클로드 모네-인상적 환영주의, M.C에셔-착시미술, 에드가 뮐러-아나모픽 아트

2. 투사의 마술:art는 뇌다.

사람이나 관습, 사회 문화가 은영중에 투사한 의미나 가치도 중요한 환영이다. 사람의 뇌는 끊임없이 자신만의 해석을 감행하며, 가능한 먼저 작동하여 별 탈 없이 자신의 입맛에 맞는 환영을 만들어내려는 경향이 강하다.(구체적으로 그렇게 생각하게 되는 경향)

색안경-개인의 습관, 색깔론-사회적인 통념

3. 관념의 마술:art는 정치다.

‘참 자유인’의 주체적인 태도가 진짜 정치다. 기존의 정치를 거부하고 원래의 기준을 흐리며 주어진 통념을 깨기, 나아가 새로운 관념, 유의미한 의식을 등장시키는 것은 예술과 일맥상통한다. 기득권이나 정치적 다수를 따르는 공인된 강요, 맹목적인 믿음과 같은 닫힌 정치를 지양하고 표현에 대한 다양한 관점을 가지는 열린정치를 지향해야 한다.

III. 예술적 도구-작품을 어떤 도구로 만들까?

1. 화구의 재미:art는 도구다.

미술재료는 다양하다. 미술의 진짜 바탕은 재료, 기법, 재질실험이라 할 수 있다. 즉 잘 알고 많이 써봐야 한다. 예를 들어 유화에 쓰는 ‘린시드’는 황변화 현상을 유발한다. 이런 현상이 작품제작과 맞지 않는다면 ‘알키드’같은 재료를 쓰면 된다. 재료는 계속 확장, 발전되기에 필요에 따라 적극적으로 수용해야 한다.

2. 미디어의 재미:art는 인식이다.

미디어의 활용은 우리가 인식하는 3차원을 다양한 느낌으로 인식하게 해준다, 스톱모션이나 클레이 에니메이션은 편집의 기술을 통해 4차원의 시간을 인지할수 있게 해주는 좋은 예이다.

3. 재료의 재미:art는 다다

예술을 하려면 당연한 것을 당연하지 않게 사고하는 재미와 예기치 않은 매력에 취하는 감흥이 필요하기에 상황과 맥락에 따라 관습을 걷어내고 세상을 볼 줄 알아야 비로소 예술적인 시공이 마련된다. 예술가는 다양한 실험을 통해 자신에게 맞는 도구, 즉 재질, 재료, 기법을 찾아나가야 한다.

IV. 예술적 모양-작품을 어떤 요소로 만들까?

1. 형태의 탐구:art는 틀이다.

형태는 시각적인 인식의 틀이다. 감성보다는 이성이 중요시된다. 피카소는 전통적인 재현의 틀을 깼다. 그는 ‘보이지 않는 형태’을 보고자 하는 실험을 하였고 우리에게 익숙하지 않은 다시점의 새로운 형태를 선보였다. 엘 그레코는 형태에 감성을 싣고자 ‘변형태’를 실험하였다.

2. 색채의 탐구:art는 톤이다.

서양사를 보면 글래이징 기법과 원터치 기법이 있다. 글래이징 기법은 특히 레오다르도 다빈치가 인물의 피부를 표현했던 방식인데 다소 시간은 많이 걸리지만 섬세하면서도 색감의 풍부한 매력이 드러난다. 원터치 기법은 모네와 같은 인상주의 화가들이 사용한 기법으로 표면에 비치는 색을 단번에 찍어 생생함을 강조하였다. 색채는 주워진 환경에 따라 시시각각 변화하며 이는 이성보다는 감성에 치중되어 있다 하겠다.

3. 촉감의 탐구:art는 피부다.

조형의 3요소(형태, 색채, 질감)는 작품의 소재마다 특성이 다르고 작가마다 개성이 다르고 시대적인 선호도에 따라 그 중요도가 달라진다. 램브란트는 ‘임파스토’라는 기법으로 가상의 질감이 아닌 재료 자체의 물성을 날것처럼 보여주는 실제 질감을 썼다.

4. 빛의 탐구:art는 조명이다.

- 빛은 눈이다. 모든 시각예술은 ‘빛’의 마술이라 할 수 있다. 빛을 표현하는 방식은 다양하다. 스테인드 글라스는 진짜 태양 빛을 활용한 것이고 회화에서의 빛은 주변보다 밝은 색을 사용하여 빛을 표현하였다. 또한 성화에서는 실제의 금박을 빛을 대신해 사용하기도 하였다. 현대에서는 조명으로 그림자가 생기게 하여 작품이 되기도 하고 백남준의 작품처럼 레이져, 빔으로 작품을 제작하였다.

V. 예술적 전시-작품을 어떻게 전시할까?

1. 구성의 탐구:art는 법도다.

역사적으로 중요한 시도는 ‘가치법, 반원근법, 복합시공법’을 들 수 있다. ‘가치법’은 중요도에 따라 크기,위치, 균형 등을 맞춘다. ‘역원근법’은 소실점을 화면 앞쪽에 두어 화면에서 관람객쪽으로 다가오는 느낌이다. ‘복합 시공법’은 이야기가 시간순으로 전계되기도 하고 삼면화처럼 각 화면에 다른 시공을 표현한다. 르네상스 시대에 원근법이 개발 되었지만 현대에는 그것을 무시하거나 다차원을 시각적으로 표현하려는 시도가 많다.

2. 장소의 탐구:art는 맥락이다.

전시장의 성격을 나누는 것은 비영리갤러리냐 영리갤러리냐에 있다. 보통 개별 화랑, 아트페어, 미술관과 문화축제를 통틀어 ‘제도권 미술’이라 한다. 제도권 미술은 화이트 큐브를 기본으로 하는데 이처럼 국제 표준화에 대한 뻔한 문제를 극복하기 위해 ‘공공미술’과 ‘게릴라 아트’에 주목한다. 이 프로젝트는 공공성과 지역성을 강하게 띠고 주변 환경에 민감하게 반응하며 때로는 시민들의 적극적 참여를 유발하기도 한다.

3. 융합의 탐구:art는 실험이다.

클레멘트 그린버그는 모더니즘 미술의 사상적인 기반을 닦았다. 역사적으로 모더니즘 예술은 개별 장르다마 각자의 고유성을 발현하기를 지향해 왔다. 즉 회화는 회화다워야 한다. 물성 자체를 중요시하기도 했다. 이것의 대립항으로 기존의 고정관념을 뒤흔들고 확정보다는 무한변주를 긍정하려는 의식을 가지고 온 포스트모더니즘이 나왔다. 결국 포스트모더니즘은 모더니즘에서 파상되어 나온 것이기에 둘은 서로 상대적이면서 상호보완적이며 서로 혼재될 수 밖에 없다. 포스트모더니즘은 장르간의 융합, 사람간의 융합을 꿈꾸며 탈주체, 탈중심을 외치지만 이렇게 이원론적인 세계관은 결국 ‘이념의 환상’일 뿐이다. 이 둘을 적절히 보완하며 활용하는 동시대주의가 필요하겠다.

VI. 예술적 기호-예술을 어떻게 읽을 수 있을까?

1. 식상의 읽기:art는 이해다.

‘식상’은 기초적인 ‘앎’의 문제와 관련된 기호읽기로 세상을 가장 기초적이고 수동적으로 이해하는 방식이다. ‘전도상’은 ‘도상’의 전단계로 상식상 누구나 보면 알수 있는 방식이고 ‘도상’은 특정 문화를 공유하는 사람들의 ‘지식’으로 인해 알수 있는 방식이다. 예를들어 십자가를 보면 예수를 떠올리고 불교문화권의 불상을 보면 부처를 떠올릴 수 있다. 붉은색을 있는 그대로 보면 ‘전도상’이고 특정 의미를 부여하게 되면 ‘도상’이 된다.

2. 추상의 읽기:art는 탐구다.

‘추상’은 심화된 이해의 과정과 관련된 기호읽기로 세상을 적극적으로 경험, 분석, 해석하려는 방식이다. 이는 ‘도상해석’과 ‘지표’로 구분될 수 있다. 도상해석학은 이미 알려져 있는 도상을 학자적인 날카로운 비평력을 가지고 분석적이고 총체적인 사고를 통해 독창적으로 해석하고 현상에 대한 통찰을 드러낸다. 지표는 아직 알려지지 않은 의문의 흔적을 다루는데 예를 들어 작품에 남겨진 흔적이나 서명, 형태를 잡는 방식, 붓질 등이 지표가 된다. 상황과 맥락에 따라서 도상도 지표로 읽힐 수도 있다.

3. 표상의 읽기:art는 선수다.

표상은 자아 확장적인 표현의 과정과 관련된 기호읽기로 세상에 적극적으로 누군가의 바람을 투영하며 원하는 목적을 성취하고자 하는 방식이다. 표상에는 상징과 알레고리가 있다. 상징이란 내용을 담고 있는 의미와 형식으로 표현되는 기호를 동일률의 관계로 인위적으로 묶는다. “A를 B로 상징한다.”와 같다. 상징 행위는 보통 개인적인 표현으로서의 개별적인 상징을 넘어 집단적인 규범으로서의 보편적인 도상을 지향하는 경향이 있다. 반면 ‘알레고리’는 복합적인 관계와 다원적인 의미를 지향하기 때문에 상징보다는 좀 더 고차원적이라 할 수 있다. 이는 열린 가능성을 가지고 있어서 상황과 맥락에 따라 모든 게 다 상대적이고 가변적이될 수 있다. 표상 자체가 나의 시선을 밖으로 표현하며 드러내는 것이므로 비판적 사고를 넘어선 창의적 발상이 요구된다.

예술적 인문학 그리고 통찰: 1 확장편(예술은 우리에게 열려 있다)-요약

민키트리 — Thu, 5 Oct 2023 15:27:31 +0900

예술적 인문학 그리고 통찰 〔1 확장편〕

- 예술은 우리에게 열려 있다

임상빈 지음, 2019, 마로니에북스

이 글은 대학원시절 읽었던 책으로 예술적 통찰을 대중들이 즐길 수 있도록 다양한 그림을 수록하였고 독자와 대화하듯이 쉽고 재미있게 설명해 놓았다. 이 책이 말하고자 하는바를 보다 깊이 알고싶다면 직접 읽어보길 바라는 마음으로 간단하게 요약하여 보았다.

I 예술적 지양-순수미술이 꺼리는 게 뭘까?

1. 설명을 넘어:art는 보충이 아니다.

‘모더니즘’운동이 시작되면서 설명하는 미술은 구시대적이 되었다.

2. 장식을 넘어:art는 서비스가 아니다.

순수미술은 단지 아름답다 보다는 새롭다는 평가를 선호한다.

3. 패션을 넘어:art는 멋이 아니다.

-패션은 감각적인 것을 추구하지만 현대미술은 보다 깊은 인문학적인 토양에서 그 존재 이유를 찾는다.

II 예술적 지향-순수미술이 추구하는 게 뭘까?

1. 낯섦을 향해:art는 이상하다.

- 예술은 일상을 새롭고 낯설게 보여주는 것, 현실을 어떻게 인식하는가가 중요하다.

2. 아이러니를 향해:art는 반전이다.

아이러니는 일방적인 단순한 사실이 아닌 복잡하고 미묘한 진실을 보여주려는 시도의 일환이다. 구조적 아이러니는 작가의 의도에 의한 것이지만 관객의 해석에 따라 결과적 아이러니가 될 수 있다. 사실적인 내용과 조형적 형식의 아이러니를 통해 인생을 더 넓고 깊게 바라볼 수 있고 예술로 승화시킬 수 있다.

3. 불안감을 향해:art는 욕이다.

미술은 적극적이든 수동적이든 추함, 인간의 민낯, 난장, 불안함 등을 표현하여 현실에 대해 비판한다.

4. 불편함을 향해:art는 사건이다.

미술사에서 인정받은 예술은 당대에 유의미한 사건을 만들어 예술 담론의 불을 지핀 작품이다. 즉 불편함은 진정한 편함과 쾌감을 인식하기 위해 활용될 수 있다.

III 예술적 자아-나의 마음과 사상은 어떻게 움직일까?

1. 자아의 형성:art는 나다.

작가가 자화상을 그린다는 것은 의식적인 자기애로부터 출발한다. 자신을 표현하는 방식은 자화상 이외에도 다양한 측면으로 표현된다. 예술은 의식적이든 무의식적이든 자아를 내포하게 된다

2. 아이디어의 형성:art는 토론이다.

토론을 통해 작품은 다양한 의미들로 연결되고 확장된다. 비록 작가의 의도와는 종종 왜곡되고 와전될지라도 관객의 관점으로 바라보는 것은 또 다른 세계관으로 세상을 보는 훈련을 하게 하여 사고가 유연해지고 창의적인 아이디어를 생산해 낸다.

3. 숭고성의 형성:art는 신성하다.

예술은 인간의 언어로는 형용할 수 없는 숭고미를 추구한다. 광활한 대자연을 바라보는 인간을 표현한 프리드리히의 작품이나 베르니니의 <성 테레사의 황홀경>은 초월적인 존재에 대한 인간만이 감지할 수 있는 느낌을 표현하였다. 또한 표현대상이 정신적이든 세속적이든 사실적이든 기술적이든 간에 인간을 초월하는 어떠한 신비로운 경지에 대한 감탄을 예술은 추구한다.

4. 세속성의 형성:art는 속되다.

서양고전주의 시대는 풍속화가 저급 미술로 취급을 받았으나 속세를 그린다는 것은 우리의 실상을 그대로 드러냄으로써 진실을 밝힌다는 점에서 예술이라 할 수 있다. 속된것과 성스러움은 마치 존재와 관념처럼 이분법으로 나뉠 수 없는 개념이다.

5. 개인의 형성:art는 개성이다.

- 르네상스 시대로 들어오면서 인본주의로 인해 신이나 왕을 위한 미술이 아닌 개인의 자유와 취향이 중시되었다. 자본주의로 인해 부를 축적한 자본가들은 자기 취향의 작품을 구매하거나 후원하기도 하였고, 작가들은 지적 독립체로서 가치를 높여가며 자신만의 개성을 드러내기 시작하였다. 예술은 자신의 감정에 솔직하고 충실하며 그 자체로써 황홀경을 주는 것이다.

IV 예술적 시선-우리가 사는 세상을 어떻게 바라볼 수 있을까?

1. 자연의 관점: art는 감각기관이다.

미술의 눈(시선 9단계 피라미드)은 자연의 눈, 관념의 눈, 신성의 눈, 후원자의 눈, 작가의 눈, 우리의 눈, 기계의 눈, 예술의 눈, 우주의 눈 등 다양하게 볼 수 있다. 그 중 자연의 눈은 ‘순수’와 ‘발설’로 나눌 수 있는데 ‘순수’는 때가 타지 않은 눈으로 내 앞을 대면하려는 태도이고 ‘발설’은 하고싶은 대로 하려는 태도이다. 예술은 하나의 사안을 다양한 시선으로 풍부하게 음미하는 예술적인 통찰이 필요하다.

2. 관념의 관점: art는 지각이다.

관념(지각)의 눈은 자신의 이해 방식대로 세상을 보려는 태도다. 즉 세상을 눈으로가 아닌 뇌로 해석하려는 것이다. 이것은 ‘추상’과 ‘이성’으로 구분되는데 ‘추상’은 내세를 보려는 이집트 미술에서 잘 나타난다. 파라오와 절대자의 존엄, 내세에서 파라오가 신이 될 수 있도록 모든 것이 동원된다. ‘이성’은 수학, 비율, 기하학의 발전하게 하고 미술에서도 황금비율의 적용, 건축, 도시공학에 이르기까지 오늘날까지 많은 발전을 증폭시킨다.

3. 신성의 관점:art는 고귀하다.

신성의 눈은 나의 관점과는 다른 신성한 관점으로 세상을 보려는 태도다. 우선 종교화를 보면 신이 주체가 되고 그림을 보는 나는 객체가 되는 ‘역원근법’ 구조를 가지고 있다. 신화는 세상에 대한 신비롭고 의미있는 메시지를 전달하며 오늘날까지도 다양한 매체로 전파하고 있다. 또한 예술작품은 가치를 추구함으로써 사람들의 삶에 대한 원동력이 되기도 한다.

4. 후원자의 관점:art는 자본이다.

후원자의 눈은 미술에 취미가 있는 자나 투자자가 자신이 보고 싶은 세상 즉 선호하는 것을 작품으로 가시화시키려는 태도인데 당시의 시대적인 요구에 따라 상업적인 목적이 많이 개입된다. 한편 사진이 없었던 시절에 초상화나 가족화등 후원자의 직접적인 참여로 작품이 제작되었다.

5. 작가의 관점:art는 자아다.

작가의 눈은 세상 속에서 나의 자아를 발현하려는 태도이다. 르네상스 시대의 인본주의의 사상으로 인해 작가는 자신을 작품 속에 끼워넣기도 하고 자화상을 그리기 시작한다. 작가는 자신의 존재감을 드러내기도 하고 자신의 시각으로 세상을 바라보고 작품을 통해 자신의 생각과 감정을 세상에 드러낸다.

6. 우리의 관점:art는 감이 있다.

우리의 눈은 세상을 바라보는 다양한 관점을 이해하고 나아가 나만의 시선을 책임 있게 결정하려는 태도다. 즉 예술작품은 각자의 이해관계에 따라서 그 의미가 달라지고 여러 가지 견해가 생길 수 있는데 그러한 과정에서의 결론이 아니라 감(느낌이나 생각)이나 가치유보이다.

7. 기계의 관점:art는 감이 없다.

기계의 관점이란 사람이 대상을 바라볼 때 무조건적이고 소모적인 감정이입을 지양하고, 개념과 작동원리 등을 객관적으로 가감 없이 바라보려는 태도이다. 예술은 작가의 통제 즉 의도에서 벗어날 때 진정한 예술이 탄생할 수도 있으며, 그럼에도 불구하고 작품은 관객의 감정이입이 배제될 수가 없다. 결국 예술은 감정이입과 감정차단 사이에서 긴장한다. 나아가 작가는 조형적 결과물 보다는 개념적인 과정 자체를 중요시하면서 작품의 조형적 결과물로서의 예술품과 개념적 과정으로서의 예술행위 사이에서 긴장한다. 미니멀리즘은 기계적인 생산 공정을 통해 인간적인 감정을 제거함으로써 작품의 개념에 집중하였다.

8. 예술의 관점:art는 마음이 있다.

예술의 눈은 ‘아이러니’와 ‘통찰’로 구분된다. 아이러니를 보려는 태도는 두 개의 대립항 즉 행복과 슬픔, 달콤함과 처연함 같은 양가감정 등이나 사람과 기계와 같이 유감과 무감의 폭을 한데 어우를 때 형성된다. 통찰은 예술로 인해서 개인적이면서도 보편적으로 격하게 통하는 순간을 맛보게 한다.

9. 우주의 관점:art는 마음이 없다.

우주의 눈은 무심을 말한다. 사람이 이해 가능한 폭을 넘어선 영역이라 할 수 있다. 하지만 사람은 연상을 통해 우주를 인식적으로 보려고 한다. 예술은 우주와 같이 표현할 수 없는 것을 표현하려 하는 것, 불가해함 자체를 경험하게 하려는 것이라 할 수 있다.

V 예술적 가치-예술을 통해 찾을 수 있는 가치는 뭘까?

1. 생명력의 자극:art는 샘솟는다.

예술은 생생한 에너지, 무언가에 이끌리는 충동의 에너지, 어딘가를 지향하려는 지속의 에너지, 창조의 에너지, 쾌락의 에너지를 자극한다.

2. 어울림의 자극:art는 조화롭다.

어울림은 조형적 어울림, 상호적 어울림, 창조적 어울림을 들 수 있다. 이들은 특정 대상을 통해 아름답다라고 느끼는 감각을 즐기려는 욕망을 부추긴다. 또한 어울림을 맛보면 뿌듯하고 행복감을 느끼게 하는 좋은 가치를 생산한다. 또한 예술적 감상과 담론을 생성한다. 이러한 것들은 옳고 그른 것을 판단하는 것이 아니라 판단을 유보한다.

☀ 롤랑바르트의 ‘푼크툼punctum: 어떤 이미지가 유독 나의 마음을 울리는 경우

⇔ 스투디움studium: 누구나 비슷하게 느끼고 그렇게 공유하는 경우

3. 응어리의 자극:art는 울컥한다.

르네상스 인간에서 이성의 건조함을 느낄 때쯤 다시 종교적 숭고함으로 감성을 불러 일으켰다. ’바로크 미술‘에서는 ’형이상학적 황홀경‘을 추구한 점인데 그것은 바로 ’감정에 호소‘하는 것이다. 그를 뒤이은‘로코코 미술’은 ‘형이하학적 황홀경’을 추구하였는데 그것은 천상의 신성함이 아니라 속세적 향락인 ‘감성 즐기기’이다. 바로크적 황홀경과 로코코적 황홀경은 ‘외부적 자극’에 의한 것이라는 공통점이 있다. 그러나 자생력을 지닌 ‘한’은 그렇지 않다. 이것은 ‘내부적 재료’와도 같아서 스스로 생산 가능한 ‘순수한 황홀경’이라 할 수 있다. ‘한’은 진정성, 처연함, 감수성, 연대감 등을 일으키는 자기자신 안에 있는 특수 물질인 셈이다. 이 황홀경들은 예술로 승화시켜주는 밑거름이 된다.

4. 덧없음의 자극:art는 지나간다.

미술사는 당대 시대정신의 요구에 따라 그 모습이 변화한다. 세상의 양태는 계속 바뀌며 영원히 고정된 것은 없다. 그러므로 ‘미’라는 것도 정해진 답이 없다. 단지 ‘에너지의 진행 과정’이 아름다울 뿐이다. 예술은 작가의 주관에 따라서 다양한 시도들을 하는 과정이며 시대에 발맞춰 끊임없이 변화를 꾀해야 한다.

5. 불완전의 자극:art는 흔들린다.

때로는 불완전함이 완전함보다 아름답다. 모두가 다 좋아하는 아름다움은 이미 죽은 것이다. ‘미완의 미학’은 보다 고차원적이라 할 수 있다.

6. 사상의 자극:art는 흐름이다.

예술은 새로움을 추구한다. 새로움이란 유에서 무를 창조하는 신의 영역이 아닌 기존 데이터를 가지고 노는 묘한 변주, 기존 예술에서 비껴가는 섬세한(유의미한) 차이, 의미 있는 예술담론을 양산하는 시사적인 사건이다. 결국 사람이 할 수 있는 창조는 ‘새롭게 인식하기’다. 단지 단편적이고 순간적인 ‘탄성’ 그 자체가 된다. 어떻게 인식하느냐의 문제이다.

송혜수미술상 [강동석 작가 수상기념전]- 금련산 갤러리

민키트리 — Wed, 4 Oct 2023 15:05:46 +0900

송혜수미술상

송혜수미술상은 송혜수 미술연구소의 대표였던 故송혜수 선생님의 뜻에 따라, 왕성한 창작활동으로 화단의 발전에 적극적으로 기여하는 미술인을 선정하여 표상함으로써, 송혜수 선생님의 작가정신을 기리고 미술문화발전에 기여하기 위하여 2005년에 제정된 시상제도이다. 제 19회를 맞이한 송혜수미술상은 강동석 작가가 시상하게 되었다.

강동석 작가 수상기념전

강동석 작가는 주로 목판화 작업을 하는 작가로 경성대학교 회화과를 졸업하고 다시 홍익대학교 판화과와 동대학원 판화과를 졸업하였다. 개인전을 20여회를 열었을 정도로 부산에서 왕성하게 활동하고 있는 중견작가이다. 현재 한국미술협회 이사이며, G-art 부산지회장을 맡고있다.

10월 3일날 진행된 시상식은 부산미술협회가 주최·주관하는 금련산 갤러리에서 진행되었고 축하하러 온 많은 하객들로 붐볐다.

그의 작품은 무의식에서 비롯된 다양한 형상들을 외부로 끌어내어 여러가지 자아가 겹치고 혼용된 듯한 이미지를 전달한다. 기존의 목판화는 투박하고 거친느낌이지만, 강동석 작가의 목판화 작업은 섬세하면서 무수히 많은 점들과 선으로 이루어져 숙련되고 고된 작업임을 엿볼 수 있다.

개인적으로 회화작품이 마음에 들었다. 대부분 인물을 작품의 소재로 삼았는데, 자유롭고 감각적인 붓터치와 색채감은 인물의 살아있는 감정이 잘 표현되었다.

전시는 10월 3일부터 10월 8일까지이며 금련산 갤러리는 부산 지하철 금련산역 2번 출구 지하에 있다.

양산 갤러리 희Hee- 김원근 작가 조각전 <순정남의 꿈>, 플리마켓, 원데이 클래스

민키트리 — Sat, 16 Sep 2023 18:29:17 +0900

이른 아침부터 폭풍처럼 내리는 비를 뚫고 양산에 있는 갤러리 희를 찾았다. 갤러리 희는 양산 한송예술촌 내에 있는 갤러리로 현재 김원근 작가의 <순정남의 꿈> 전시가 열리고 있다.

정원에는 잔디와 오래된 나무, 설치작품들로 꾸며져 있어 여기저기 구경할 수가 있다. 건물과 내부는 짙은 현무암 같은 돌판으로 인테리어가 되어있는데, 아무래도 내부의 습도와 온도를 조절해주는 것 같다.

김원근 조각전 <순정남의 꿈>

김원근 작가의 조각은 요즘 아트페어를 가면 항상 볼 수 있다. 그만큼 인기가 많다는 것을 의미한다. 작품의 인물은 얼핏보면 영화배우 마동석 같은 이미지가 있는데 겉으로 보기에는 우락부락한 건달 형님? 을 연상케 하지만, 내면은 여리고 섬세한 면모가 있음을 표정이나 인물과 함께하는 소품을 통해 엿볼 수 있다. 작가 자신을 투영하기라도 한 듯 위트있고 유머러스한 감각이 잘 반영되어 관람자의 미소를 자아내게 한다. 전시기간은 2023. 9. 6~10. 29일 까지고 매주 월, 화는 휴관이다.

플리마켓 and 원데이 클래스

갤러리 희는 매주 토요일마다 플리마켓이 열린다. 오늘은 비가와서 지하 공방에 가판대가 설치되어 있다. 공방에서는 가죽제품과 여러가지 수공예품을 만들고, 원데이 클래스를 진행하기도 하며 이것을 판매하기도 한다. 원데이 클래스는 주로 가죽공예를 하고 가죽 소품을 직접 만들어 가져갈 수 있다. 공방에 있는 물건 하나하나가 취향을 자극하는 작품들이라...오늘은 나도 멋진 로브를 득템하였다. 플리마켓과 원데이 클래스는 갤러리 희에 직접 문의하여 참여할 수 있다.

부산 실내 데이트 F1963- 국제갤러리 최욱경 전시 관람, 복순도가, 예스24중고서점, 테라로사

민키트리 — Tue, 5 Sep 2023 16:16:09 +0900

F1963은 부산 수영구에 자리잡은 '구 고려제강 수영공장'을 리모델링하여 공장의 원형을 잘 살려낸 복합문화공간이다. 이곳은 국제갤러리와 서점, 카페와 레스토랑 등의 시설이 함께 운영되어 한 곳에서 다양한 문화를 함께 즐길 수 있다는 장점이 있다. 또한 고려제강과 부산광역시, 부산문화재단이 협업하여 부산 비엔날레와 주요 전시장, 공연장을 갖춘 곳이다.

■ 국제 갤러리: 최욱경 작가-낯설은 얼굴들처럼

사실 F1963을 방문한 목적은 최욱경 작가의 전시를 보기 위해서였다. 이번 전시는 흑백 종이작업 26점과 크로키 8점으로 구성되었다. 최욱경 작가는 한국의 대표적인 여류 작가로 1963년 서울대 졸업 후 미국 유학을 통해 더욱 자유롭고 다채로운 연구에 몰입하였다.

단색으로 이루어진 작품들은 기억의 파편들을 드로잉으로 표현하였다. 문자와 숫자, 불명확한 형상들은 당시의 상황과 감정들을 암시하고 있는 듯 하다. 여러 계층의 농담을 표현하여 풍성함이 느껴진다.

인체 드로잉을 보면 프란시스 베이컨의 기괴함이 떠올려지기도 한다. 전시의 제목인 '낯설은 얼굴들처럼'과 같이 정체불명의 인물들을 표현하듯 얼굴의 표정보다는 자유롭고 동적인 행위를 드러내게 하여 얼굴을 짐작하게 함으로써 보는 이들의 감각을 살아나게 한다. 전시기간은 2023.08.25~10.22일까지이며 관람시간은 10시부터 18시까지이다.

■ 복순도가, 예스24중고서점, 테라로사

F1963은 복합문화공간인 만큼 높은 천고의 서점이 있고, 특히 아이들이 좋아할 만한 동화색과 팬시, 문구들이 많이 있어 볼거리가 많다. 중고서적이 많이있어 마음껏 책을 골라 그 자리에서 볼 수 있도록 널찍한 공간이 마련되어 있다.

오늘 나들이의 정점을 찍은 복순도가는 직접 손으로 빚은 막걸리로 유명하다. 막걸리도 쌀로 빚은 것과 찹쌀, 빨간 쌀 등 종류가 많았고, 직원분께서 친절하게도 여러가지 술을 시음할 수 있도록 해주어 입맛에 맞는 술을 찾을 수 있었다. 안주는 신메뉴인 모짜렐라 백김치전으로 하였다. 청양고추가 고소한 치즈와 어우러지고 씹을 수록 백김치의 상큼함이 살아나 입맛을 돋구었다. 아이들이 있다면 청양고추를 따로 담아달라고 하면된다.

복순도가에서 통유리로 된 창을 보면 넓은 중정을 두고 마주보이는 곳이 테라로사이다. 비가 추적추적 오는 날에도 테라로사에는 사람들로 북적이는게 보였다. 테라로사는 스페셜티커피를 우리나라에서 처음 들인 곳인만큼 전국적으로 유명하다. 물론 다른 커피들도 좋겠지만, 여기서는 핸드드립 커피를 추천하고 싶다. 커피잔도 격식있게 나와 기분을 들뜨게 만들었다.

2023 볼만한 전시- 기획전<경계>: 하이퍼 리얼리즘

민키트리 — Fri, 18 Aug 2023 21:28:20 +0900

금정문화회관 금샘미술관에서는 기획전시<경계>전이 열리고 있다. 정교하고 사실적인 기법으로 그린 작품들로 인물과 풍경, 정물 등 작가의 다양한 시선을 보여주고 있다. 참여작가는 김대연, 김수미, 김시현, 김영성, 안정환, 이창효, 이흠, 정중원의 총 8명의 작가들로 구성되었고 한국 극사실회화의 현황과 흐름을 한자리에서 감상할 수 있는 좋은 기회가 되는 것 같다.

하이퍼 리얼리즘Hyper-Realism

하이퍼 리얼리즘Hyper-Realism은 1960년대 말부터 70년대 전반에 걸쳐 미국과 영국에서 주로 나타났던 동향이다. 주관을 배제하고 사실보다 더 극단적으로 표현하여 현실과 사실에 대해 냉정하고 객관적으로 바라보고자 하는 '즉물주의'적 측면이 있다.

이흠

화면 가득히 확대된 오색찬란한 색들은 우리의 미각과 시각을 동시에 자극하며 달콤한 것들의 물질성과 비물질성을 함께 보여준다. 달콤한 것들이 주는 여운은 몸의 오감을 타고 확산되며 행복을 느끼게 한다.

김대연

작가는 빛에 의해 포도 껍질의 흰 분을 세밀하게 표현하였으며 포도를 보면서 그 맛을 바로 생각하고 달콤함이 입안에 들어온 듯한 생생함을 작품 속에 담고자 했다. 포도는 예부터 다산과 부를 상징하며 신의 열매라 불리었고, 작품에 자주 등장하는 물방울과 물은 생명의 근원을 상징한다.

이창효

작가는 밭에서 방금 수확한 듯한 자두의 싱싱함과 자두표면에 가득 묻어나는 뽀얀 분을 표현하는데 집중했다. 화폭 가득 담긴 자두는 풍요로움을 상징하고 강렬한 붉은색은 열정과 에너지 곧 희망을 상징한다.

김영성

<nothing·life·object(無·生·物)>연작들은 문명의 발달로 인해 생명체가 위협받고 있는 현대사회의 기후변화와 환경문제를 제기한다. 투명한 유리너머로 어항 속과 밖의 풍경이 겹치고, 빛의 굴절과 반영을 통하여 크기가 혼돈되며, 작품 속에서 비어있는 공간과 생명, 물상 모두를 느낄 수 있는 극사실주의만의 매력을 연출하고 있다.

김시현

동양의 전통적 이미지인 비단 보자기를 소재로 다양한 의미를 담은 보따리를 극사실적으로 표현하였다. 작품은 보자기 안에 무엇을 담았는지 관람자의 궁금증과 상상력을 유발하며 다양한 디자인으로 창조된다.

김수미

한 잔의 차 속에는 다양한 고민과 생각 등 삶의 이야기를 담고 감정을 꽃피우며 또 다른 이야기를 전달한다. 작품의 소재가 되는 꽃과 화병, 커피잔, 정물들은 모두 고전적인 회화의 인상을 풍기고 있다. 작가의 정물화에 등장하는 꽃들은 싱싱한 생명력을 표현하듯 순수하고 강렬한 시각적 이미지를 전해준다.

안정환

급변하는 현대사회 속에서 무미건조한 삶을 살아가는 현대인이 돌아가야 할 곳인 자연이라고 작가는 얘기한다. 작품은 세밀한 묘사와 터치로 그림 속에 실제의 소품을 가져다 놓아도 어색하지 않을만큼 생생한 풍경을 자아낸다.

정중원

작가는 과거의 인물들을 사진처럼 그려내는 작업을 하고 있다. 얼굴을 재현하기 위해 유사인물들을 합성하여 묘사함으로써 원본을 알 수 없는 인물 작품으로 재탄생시킨다. 작품의 인물들은 피부와 땀구멍, 여드름, 수염, 머리카락 한 올까지 정교하고 세밀하게 묘사한 것을 볼 수 있다.

경계에 대하여

전시제목의 '경계'에 대해 생각해보면 조르주 아감벤이 이야기한 동시대인이 문득 스쳐 지나간다. 현 시대를 살아가면서도 거기에 속해 젖어있지 않는 자, 앞서나가지도 뒤쳐지지도 않으면서 그 시대를 관조할 수 있는 자, 시대와 시대의 부러진 척추를 접합할 수 있는 자, 바로 경계에 있는 자인 것 같다. 경계에서는 보다 객관적인 현실을 바라볼 수 있다. 우리는 현실과 가상을 넘나들 수 있는 VR이나 컴퓨터 게임 세상을 즐길 수 있는 시대에 살고 있다. 이제 우리의 생각과 의식을 뛰어넘어 그것이 투출되고 있는 것이다. 하지만 어느 시대에서나 그렇듯 지배세력과 피지배세력이 존재하고 인간의 우위를 가리는 것은 여전하다. 평등과 공정성이라는 개념이 만연한 우리 시대에서는 개인의 불만과 소외가 더욱 크게 느껴질지도 모를 일이다. 젊은 청년이 컴퓨터 게임의 세계에 중독되어 현실과 가상을 구분하지 못하고 끔찍한 일들을 저질렀던 사건들은 보고싶은 것만 보고자 하는 나약함 때문이 아닐까 생각한다. 빠르게 변화하는 세상에서 먼저 자신을 바로 잡고 현실을 직시할 수 있어야 한다. 이는 자기성찰에서 비롯되며 자신을 굳건하게 만드는 원동력이 될 수 있다. 그리하여 현실을 보다 객관적으로 바라보고 '관조하는 자', '동시대인'이 될 수 있을 것이다. 이것이 우리가 경계에 서 있어야 하는 이유인 것 같다.

각 작가들의 작품사진은 전시내용을 스포일러하는 것 같아 부분 사진만을 실었다. 직접 방문하여 관람해야 작품의 감동과 전시의 묘미를 느낄 수 있다. 이번 전시의 아쉬웠던 점은 작품설명이 화요일 목요일 11시, 3시라고 홈페이지에 올라와 있어서 시간을 맞추어 갔었는데 아무것도 없었다는 점이다. 혹여나 작가에게 직접 설명을 들어볼 수 있지 않을까하는 기대감이 있었는데, 역시나 글을 올린다는 것은 책임이 따르는 일인 것 같다. 전시는 2023 8.8(화)~9.3(일)까지 금샘미술관 1,2 전시실에서 열린다.

차계남 작가-"반복행위에 대한 의미와 표현"다티스트dartist

민키트리 — Fri, 28 Jul 2023 19:37:37 +0900

작가 차계남은 1953년에 대구에서 출생하였다. 대구 효성여자대학교, 이화여자대학교를 거쳐 교토시립예술대학교 대학원 졸업하고 대구카톨릭대학교에서 박사과정을 수료하였다. 1984년에 교토 갤러리 마로니에의 첫 초대전을 비롯하여 38회의 개인전을 하였고 한국, 독일, 일본, 헝가리 등 약 15개 기관에 작품소장되어 있다. 그녀는 한국과 일본에서 염색 기법을 연구하며 타피스리와 섬유에 관심을 가지게 되는데 연구과정에서 ‘사이잘 마'라는 재료를 발견하면서 섬유조형물을 제작하였고 이로 1992년 오사카 국제 조각트리엔날레에서 은상수상하게 된다. 2000년대에 들어와서는 한지와 먹을 사용하여 그것을 실같이 꼬아 평면에 시.공간을 표현한다.

한지와 먹, 실

한지에 붓 글씨를 쓴 후 1cm폭으로 잘라 한 가닥씩 손으로 꼬아 실을 만든다. 판넬에 접착제를 바르고 한지로 만든 실 한 가닥을 하나하나 붙여 나가는 과정을 반복한다. 한지에는 반야심경을 적어내려 가며 불자는 아니지만 ‘그리기’에 대한 욕구를 통제하듯 무심의 상태에 들어가 수행에 가까운 육체적 노력과 지구력을 수반한 작업을 한다.

사이잘 마(Sisal Hemp)

멕시코 지방에서 생산되는 천연섬유로 주로 노끈용으로 사용되는 강하고 견고한 소재이다. 실로 가공되기 이전 단계의 사이잘 마는 비교적 염색이 용이하고 유연하면서도 강한 탄력을 가지고 있다. 작가의 성향과 스스로 닮아있음을 느끼면서 본인 작품의 기본 바탕이 되었다.

검정색, 먹색

“먹색은 단순한 검은색이 아닙니다. 눈을 감았을 때 편안한 상태의 침묵, 고요 등을 상징하는 색이지요“ 이런 측면에서 그녀는 이 색을 가장 인간다우면서도 자연에 가까운 색이라고 말하고 있다. 검은색처럼 보이지만 그 속에는 삶과 죽음, 해와 달 등 인간을 포함한 자연의 음양에 관계한 이치가 모두 함축돼 있다.

반복적 행위의 의미와 표현

메를로 퐁티는 “작가는 제작하는 행위를 통해 체험하고 물질적인 존재를 인식한다. 즉 행위 속에서 존재를 체험하는 것이다.” 라고 말한다. 행위를 반복한다는 것은 존재를 자각하여 자기의 실현으로 이어질 수 있음을 의미한다. 작업을 하면서 작가는 주관적인 시간을 체험하게 되는데 이것은 객관적인 시간과 구분되는 의식의 흐름으로서 절대적인 시간이라 할 수 있다. 반복적인 것은 매우 단순하고 직접적인 신체적인 행위라고 할 수 있으나 이 무한한 과정 속에서 정신적인 명상이 가능한 사유의 시간을 갖게 한다. 육체는 반복하고 있을지언정 정신은 항상 차이를 경험하게 되며 그것으로 하여금 시각적인 결과물을 만들 수 있는 것이다. 반복적 행위는 수행적 의미가 내포되어 있다.

대구 미술관 dartist 2021-무제, 한지와 먹

김수길 작가 개인전-시공의 빛_변주, 금정문화회관 금샘미술관

민키트리 — Tue, 25 Jul 2023 21:11:17 +0900

시공의 빛-변주

작가 김수길은 중앙대학교 미술학과에서 동양화를 전공하고 경희대학교 교육대학원에서 미술교육을 전공하였다. 그간 무수히 많은 기획전과 초대전을 하였지만, 굵직한 개인전이 열린건 올해로 24번째이다. 2023년 6월에 안상철미술관 개인전을 이어 7월 부산의 금정문화회관 금샘미술관에서 또 한번 개인전을 알렸다.

한국의 동양화는 그간 먹과 수간채색을 기초로 하는 과거의 수묵화와 산수화의 개념에서 벗어난 지 오래다. 다양한 재료와 기법이 수용되면서 새로운 방법이 모색되기 시작하였고 현실성과 시대성을 반영하여 동서양을 넘나드는 표현방식이 시도되고 있다. 김수길 작가 역시 한국의 정서가 깃들면서도 현대적 조형성을 추구하는 현대한국화가의 명맥을 이어가는 작가로 입체와 평면을 두루 섭렵하고 있다. 이번 전시에 출품된 '시공의 빛-변주' 시리즈는 그가 1990년대부터 평면작업으로 전환하면서 이어온 빛과 공간에 대한 연구가 녹아있는 작품들이다. 화면에는 여러가지 기하학적 모양이 겹쳐져 있는 형상이 바탕을 이루는데 여기에는 겹겹이 한지가 덧대어져 있다. 한지의 사이사이를 메우는 물감과 먹들은 거기에 비쳐지고 베어나와 공간을 형성하고 시간의 흔적을 알린다. 또한 그 중심의 흰 여백은 한지의 겹침으로 인해 돌출되어 입체와 평면을 넘나들며 빛이 되어주고 있다.

내 작품은 대부분 기하형으로 구성되어 있는데 기하형은 가장 원시적이면서도 또 현대적이다. 전통한지에 동양회화의 가장 중요한 사상인 여백을 충분히 활용해 간결하고 절제된 화면으로 형상의 반복과 대비라는 가장 기본적인 원칙을 바탕으로 전개된다.
기하형의 다양한 화면구성의 변주이며 원시적인 조형성을 바탕으로 거기에다 현대의 시각을 투영시킨, 사유의 단서를 내재시킨, 한국적인 작업이다.
현대미술이 서구화되어가는 구조적 성향에 반해 가장 동양적이고 한국적인 고유정서가 깃든 작업을 하려고 노력하고 있다. 비록 추상성을 추구하고 있지만 전통한지의 본질과 빛, 질감을 최대로 살리면서 선염법을 기조로 사계의 삼라만상을 연상케한 작업이라고 볼 수 있다.
화면에 조금씩 나타난 상형문은 고대 중국의 귀갑수골문으로 유년시절 선친의 서재에 있는 일본어로 된 서도전집이란 책에서 본 느낌, 뭐라 말할 수 없는 이상 야릇한 감정이 남아 있어 작품에 응용하고 있다. 삼라만상을 형상화한 상형문은 그 조형성이 매우 재미있고 온갖 것들이 다 들어있어 그걸 보고 있으면 태고적 사람들과의 교감이 이루워진 듯한 망상에 빠진다.

-작업노트 중에서-

그가 구현하고 있는 빛은 날카롭게 공간을 가르며 교차한다. 이는 마치 천지가 창조되는 것처럼 물리적인 힘과 에너지의 역동성을 가시적으로 드러내는 것 같다. 날카로움과 부드럽고 은은함은 서로 상호작용하며 자유로움 속 확신에 찬 그만의 변주를 드러내고 있다.

전시는 7월 25일부터 7월 30일까지 진행되고 있다.

필립 k. 스미스 3세(Phillip K. Smith III)-미국 설치미술가, 해변 설치미술

민키트리 — Wed, 19 Jul 2023 19:20:53 +0900

Phillip은 남부 캘리포니아에 거주하는 미국 예술가로 1972년 12월 18일에 출생하였다. Rhode Island School of Design에서 미술 학사 및 건축 학사를 수여하였고 주로 빛과 공간, 형태, 색상, 빛과 그림자, 환경 및 변화에 대한 아이디어를 바탕으로 빛을 기반으로 한 작업을 하면서 전국뿐만 아니라 국제적으로 수많은 박물관 및 쇼에 참여하여 대규모 조각품을 제작하였다. 그의 대표작으로는 Reflection Fileld, Portals, 1/4 Mile Ark, The Circle of Land and Sky, 120 Dgree Art East-southeast 등이 있다.

그의 작업은 현재까지도 계속되고 있지만, 그 중 해변에 설치된 작품은 그의 스케일을 한번에 볼 수 있는 명작으로 개인적으로 좋아하는 작품이다.

작품 명제:1/4 Mile Arc, 2016

설치장소: Main Beach, Laguna Beach, CA

라구나 비치에 거울로 된 기둥 모양의 조형물이 설치되어 해변의 파도와 석양, 유유히 지나는 사람들이 거울에 비치면서 또 하나의 공간을 형성한다. 자연이 가시적으로 우리에게 다가오는 모습과는 다른 인공물에 비추어진 갇힌 공간이 제3의 세계를 연출하는 느낌으로 다가와 특별한 경관을 보여주고 있다.

Phillip은 회화, 조각 및 건축의 요소를 활용하여 순수한 형태, 반사 표면 및 지속적으로 변화하는 색을 통하여 서로 상호작용하고 흡수되는 효과를 만든다. 그의 모든 작품은 애매성과 일시적인 특징을 가지고 있는데, 빛과 관객의 관점이 바뀌면 작품의 형태와 인식이 변동하여 끊임없이 변화하는 경험을 만들어낸다. 빛, 색, 시간 및 공간과 관련된 인식의 변화를 강조하는 체험 예술에 관한 연구를 계속하고 있다. 최근 실내에 설치된 작품에도 반사, 다양한 반투명 및 변화하는 색상을 사용하여 공간과 환경 조건에 반응하도록 하여 공간을 변형시키고 관람자의 감각적 경험을 확장하게 한다.

Phillip의 홈페이지로 가면 다양하고 감동적인 최근작까지 감상할 수 있다.

2023케이아트 신진작가 공모-부산국제아트페어BIAF 부스 무료지원

민키트리 — Sat, 15 Jul 2023 18:16:15 +0900

케이아트 국제교류협회에서 주최하고 BIAF 운영위원회에서 주관하는 2023년 케이아트 신진작가를 모집하고 있습니다. 케이아트 국제교류협회에서는 매년 벡스코에서 BIAF아트페어를 진행하고 있습니다. 올해도 신진작가들을 공모하는 날짜가 다가왔는데요. 미술계의 새로운 물결을 가지고 올 신진작가들을 발굴하고 그들이 자생력을 기를 수 있도록 환경을 제공하고 지원하는데 목적이 있다고 합니다. 선정이 된 신진작가들은 2023년 부산국제아트페어BIAF 부스를 무상으로 지원받을 수 있고, 우수신진작가를 선발하여 시상하고 있습니다. 또한 2024 인도 첸나이 비엔날레에 초대되는 혜택이 있습니다. 그럼 자세히 알아보겠습니다.

모집공고 개요

지원자격	대한민국 국적의 만45세 이하의 전시경력이 1회 이상인자
신청인원	30명 내외
지원부문	시각미술 전 분야

관심있으신 신진작가분들은 아래의 링크를 통해 자세한 내용을 알아보시기 바랍니다.

지원접수 및 결과 발표

지원접수는 2023. 7월 31일 ~ 8월 10일까지이고 이메일로 신청가능합니다.

결과발표는 8월 18일 포트폴리오 심사로 1차 결과발표, 9월 20일 작품심사로 2차 결과를 발표하며 개별 통보됩니다.

선정된 작가는 벡스코 제2전시관에서 12월 7일 ~ 12월 11일까지 5일간 전시될 예정입니다. 혜택이 큰 만큼 신진작가 분들에게는 좋은 기회가 될 수 있으니 많은 지원이 예상됩니다.

BFAA 아트페어 부스신청 방법, 웹하드 자료올리기

민키트리 — Thu, 13 Jul 2023 17:47:43 +0900

BFAA 아트페어는 국내 및 국외의 작가들이 직접 참여하는 행사로서 부산지역과 타지역간의 미술교류와 문화소통을 통해 미술시장의 활성화를 위해 개최됩니다. 이 행사는 부산미술협회와 KNN방송이 공동주최하고 있으며 올해로 12회를 맞이했습니다. 전시일정은 10월 13일 부터 10월 16일 까지로 벡스코 제2전시장에서 열립니다. 개막식은 10월 13일 16시이고 14시부터 입장 가능합니다.

참여이점

BAFF아트페어는 부산미술협회가 주최하는 만큼 미협회원에게 부스비가 할인되는 이점이 있습니다. 하지만 미협회원이 아닐지라도 참여가 가능하며 회원과 비회원이 같은 부스에 참가하는 것도 가능합니다. 개인적인 입장에서 볼 때 다른 아트페어보다 부스비가 저렴하기 때문에 작가들의 부담이 크지 않다는 큰 장점이 있습니다.

부스 구성은 A, B, C, D 로 되어있고, 청년작가 초대전, 아트마켓, 시민참여형 공모우수작 특별전, 조각품 특별전으로 전시가 구분되어 있습니다.

아트페어에 관심이 있거나 참여의사가 있으시면 맨 아래의 '모집공고 바로가기' 링크를 누르시면 홈페이지로 바로 연결됩니다.

참가신청 - 웹하드 자료올리기

접수는 7월3일 월요일 부터 7월 21일 금요일 17시까지입니다. 신청은 온라인으로만 가능하기 때문에 웹하드에 자료 올리는 방법에 대해 알아보겠습니다. 우선 부산미술협회 홈페이지를 방문하셔서 공고에 나온 자세한 사항을 검토한 후 웹하드 (www.webhard.co.kr)에 들어갑니다. 그리고 아이디와 비밀번호를 입력하고 로그인을 합니다. (아이디, 비번은 공고에 나와있습니다). 로그인을 하면 여러개의 리스트가 나오는데 그중 '2023년 제12회 BFAA아트페어' 를 클릭하고 다시 '부스전'을 클릭합니다. 그러면 A부스, B부스, C부스, D부스가 나옵니다. 부스의 사이즈가 기제되어 있으니 확인하시고 본인이 신청하고자 하는 부스를 클릭하면 됩니다.

그러면 이미 신청하신 분들의 이름들이 나오고 화면 상단에 '새폴더'를 클릭하여 폴더를 만듭니다.

위의 사진과 같이 박스가 하나 뜨는데요. 폴더이름에 신청자 이름을 입력하고 '생성'을 클릭합니다. 그러면 자신의 이름으로 된 폴더가 뜨고, 그것을 다시 클릭하면 아직 아무것도 입력되지 않은 화면이 나옵니다. 이제 자신의 자료를 올리셔야 하는데 출품서는 미리 다운로드 받아 작성해서 저장해둡니다. 또 프로필 사진과 작품사진을 결정하셨다면 위의 상단에 있는 화살표 올리기-일반올리기를 클릭합니다. 그러면 다시 박스가 나오면서 파일 찾아보기가 나오는데 클릭하셔서 작성해 둔 출품서와 사진 등을 찾아 더블 클릭하여 자료를 제출합니다.

생각보다 쉽지요? 저도 이번 아트페어에 참가할 예정인데 종종 원로 작가분들께서 온라인으로 자료 제출하는 데 어려움이 있으셔서 조금이라도 도움되실까 해서 포스팅 해보았습니다.^^ 이번 10월 벡스코에서 열리는 BFAA아트페어가 저도 기대되고 많은 분들을 뵙고 싶네요~ 그럼 빠이염~

예술인을 돕기 위한 무료 심리상담 프로그램-신청방법

민키트리 — Mon, 10 Jul 2023 22:47:52 +0900

예술인들은 종종 안정적인 생활을 하지 못하는 여건에 놓여있는 경우가 있어서 경제적, 정신적으로 불안을 느끼기도 하는데요... 대부분 스스로가 대처할 수 있는 능력을 키워나가기도 하지만, 그에 따른 정신적 스트레스를 해결하지 못하고 그냥 지나치게 되어 마음의 큰 병을 키울 수도 있습니다. 요즘은 일반인들도 그러한 이유로 병원을 찾으시는 분도 많이 계시지만, 선뜻 나서지 못하는 부분도 적지 않으리라 생각됩니다.

예술인을 위한 생명지킴이 프로그램

오늘은 주변에 심리적, 정서적으로 어려움을 겪고 있는 예술인들이 극단적 선택을 하지 않도록 도와주고 지켜줄 수 있는 방법을 무료로 교육받을 수 있는 프로그램이 있어서 알려드릴까 합니다. 한국예술인 복지재단에서는 2023년 예술인을 위한 생명지킴이 프로그램을 진행하고 신청을 받고 있습니다.

여기서 유의할 사항은 이 프로그램이 자살 위험군을 대상으로 하는 치료개념이 아니라 주변의 심리적 어려움이 큰 예술인을 발견하고 돕기 위한 방법과 생명지킴이의 역할에 대해 알아가는 것이라고 합니다. 참여대상은 주변에 있는 동료나 지인의 생명을 지키고 싶은 예술인이라면 누구나 가능하고 예술인과의 접촉 빈도가 높은 예술관련 단체나 기관 종사자도 가능하다고 합니다.

프로그램 내용 및 신청방법

프로그램의 내용은 위기신호를 인지하고, 자살생각과 이유를 들어주고 안전하게 도와주기 위해 말하는 방법에 대해 교육하고, 소그룹 프로그램으로 생명지킴이 역할을 위한 고민을 나누고 마음건강 관련한 질의응답의 시간을 갖는다고 합니다. 신청기간은 2023년 7월 21일 금요일까지고 모집인원은 30명 선착순이라고 하니 관심있으신 분을 위해 아래의 링크를 남겨놓겠습니다. 신청방법은 아래의 링크로 들어가셔서 신청링크를 누르면 신청서와 간단한 질의, 응답을 통해 하실 수 있습니다.

http://www.kawf.kr/notice/sub01View.do?selIdx=18300

앤토니 곰리Antony Gormley-북방의 천사, 호라이즌 필드, 아시아 필드

민키트리 — Thu, 6 Jul 2023 19:42:46 +0900

인간의 형태와 존재에 대한 탐구

앤토니 곰리는 1950년 8월 30일 런던에서 태어났고, 1968년부터 1971년까지 케임브리지의 트리니티 칼리지에서 고고학과 인류학, 미술사학을 공부하고, 인도와 스리랑카에서 불교를 공부했다. 영국으로 돌아와서는 런던의 골드스미스 칼리지에서 미술을 공부하고, 슬레이드 미술학교로 진학해 1979년에 대학원을 마쳤다.

Antony Gormley는 인체와 공간 사이의 관계를 탐구하며 새로운 사고의 접근 방식과 조각 설치로 현대 미술계에 큰 영향을 미쳤다. 곰리는 1980년대 초에 자신의 신체를 사용하여 실물 크기의 주물이나 주형의 조각을 만들었다. 이 조각상들은 형식과 의도 두 가지 면에서 모두 구상 조각을 재발명한 것이다. 이 인물상들은 앉고 무릎 꿇고 서고 웅크리는 등 다양한 자세를 취하며 조각 작품과 주변 환경과의 관계에 더욱 집중하게 하였다. 인간 형태에 대한 매력과 세계내에서의 존재라는 사고로 인간의 존재, 정체성, 개인과 환경과의 연결이라는 보편적인 주제를 탐구하였다.

또한 신비주의적이고 영적인 것에 관심이 많았던 곰리는 그의 작품에서도 드러난다(그는 이 분야에 관해 공부도 많이 했다). 그는 관람자로 하여금 시공간 내에서의 신체의 개념에 대해 생각하도록 만든다. 그의 인물상은 평범한 보통 사람을 재현하여 미술관이라는 한정된 공간을 벗어나, 해변이나 도시의 빌딩 옥상, 심지어는 고속도로변 등의 열린 야외 공간에 작품을 전시했다.

북방의 천사(Angel of the Noth), 1998

북방의 천사(Angel of the Noth)

영국 게이츠헤드에 있는 ‘북방의 천사’(Angel of the Noth),1998 는 높이가 20미터이고 폭이 54미터에 달하는 거대한 크기의 기념비적인 조각상이다. 이 작품은 곰리의 작품 중 대중적으로 가장 잘 알려진 작품이기도 하다. 자연을 끌어안으려는 듯 두 팔을 벌린 어마어마한 크기의 인체 조각상인데 이 작품에도 곰리의 근본적인 미학적 태도가 묻어 있다. 대자연에 설치된 곰리의 조각은 자연과 인간 사이에 존재하는 거스를 수 없는 관계에 대한 표현이다. 경외감을 불러일으키는 이 예술 작품은 풍경과 상호 작용하여 웅장한 규모로 사색을 불러일으킨다.

호라이즌 필드(Horizon Field), 2010-2012

호라이즌 필드(Horizon Field)

그의 작품 호라이즌 필드(Horizon Field), 2010-2012는 오스트리아, 포어아를베르크(Vorarlberg)의 해발 2,039미터 산악 지대에 줄 지어 설치된 100개의 인체 형상 설치작이다. 실물 크기의 단단한 인체 조각들은 여름이면 따가운 햇살에 그을리며 세차게 쏟아지는 비를 맞고, 겨울이면 1미터도 넘게 쌓인 하얀 눈에 잠겨 마치 자연에 몸을 맡긴 구도자처럼 삶과 죽음을 넘나든다. 곰리는 인도와 스리랑카에서 명상과 불교의 ‘연기(緣起) 사상’을 수학하면서 우주와 인생의 모든 현상이 서로 밀접하게 연관돼 있다고 보는 사상에 매료되었다. 자신의 몸을 랩으로 감싸고 석고를 발라 굳기까지의 시간 동안, 밀폐된 거푸집이 점점 폐를 압박하는 극도의 공포 속에서 그는 삶과 죽음의 경계를 넘나들며 서서히 영혼을 몸 밖으로 밀어낸다. 그리고 마침내, 시공을 초월한 ‘텅 빈’ 작품이 된다. 명상을 통해 ‘공(空)’을 구현하듯 모든 것을 비우는 수행의 과정이 그대로 담겨 있다. 그의 몸이 머물렀던 과정으로서의 신체, 바디 케이스는 속이 텅 빈 보편적 인체 조각이 되어 대자연과 도심의 공간 속 어딘가에 덩그러니 놓여 자연과 공생하는 근원적 존재로서의 가치를 증명해 보이려는 듯 하다.

아시아 필드(Asia Field), 2003

아시아 필드Asia Field

중국 광저우에서 <아시아 필드>(2003)를 제작할 때는 12,000개의 소형 점토 인물상들을 만들기 위해 300명의 지역민들과 함께 작업했다. 이 연작의 작품들은 제각각 다르며, 유일한 공통점이라고는 그 재료와 서툰 디자인뿐이다. 그는 이 작업이 한 명의 예술가의 작품이 아니라 모두의 작품이라고 이야기 했다. 짙은 붉은색으로 유명한 광동 지역의 진흙을 사용한 이 작품은 대략의 세계인구를 만들기 위해 노력한 것이었다. 하나씩 자세히 들여다보면 모두 다르지만, 모두 같기도 한 이 테라코타 조각들은 마치 주인들의 자화상 같기도 하고, 지구인들의 자화상 같기도 하다. 그는 작품을 통해 우리 모두는 결국 서로 어떤 식으로든 영향을 미친다는 것을 말해 주는 것 같다.

업적과 영향

Antony Gormley는 개인전 외에도 현대 미술에 대한 공헌으로 수많은 찬사와 명예를 얻었다. 1994년에는 미술계의 권위 있는 터너상을 수상했다. 그는 또한 1997년 대영제국 훈장(OBE)으로 임명되었으며 예술에 대한 공로를 인정받아 2014년 기사 작위를 받았다. Gormley의 작품은 전 세계의 공공 장소, 갤러리, 박물관 및 개인 소장품에서 볼 수 있으며, 전통적인 조각 관습에 도전하고 실존적 주제를 탐구함으로써 Gormley의 조각품은 계속해서 관객을 사로잡고 인간 조건에 대한 깊은 성찰을 촉구한다.

곰리의 작품은 다양한 형식과 재료적 실험들이 이루어지고 있다. 그러나 이러한 조형적 다양성이 향하고 있는 지점은 한 곳이다. 그것은 신체에 대한 사유이다. 자신의 몸에서 시작된 미학적 성찰이 감상자에게 까지 확장되었다. 곰리의 조각들은 공간과의 관계 속에서 새로운 인체 경험을 가능하게 해 준다.

르네 마그리트Rene Magritte작품설명-초현실주의, 이미지의 배반

민키트리 — Sun, 2 Jul 2023 21:40:31 +0900

생애와 영향

르네 마그리트는 벨기에의 초현실주의 작가로 1898년 11월 21일 벨기에 레신에서 태어나 1967년 8월 15일에 사망하였습니다. 작은 산업 도시에서 자란 마그리트는 섬유 상인인 아버지와 십대 시절 어머니의 자살로 그의 삶과 작업에 지속적인 영향을 미쳤습니다. 어린 나이에 예술에 대한 집념은 1916년 브뤼셀의 Académie Royale des Beaux-Arts에 입학하게 하였고, 드로잉, 페인팅 및 조각을 공부하면서 다양한 예술적 스타일을 탐구했습니다. 그는 초기에는 입체주의와 미래주의의 영향을 받았고, 1926년부터 1930년까지 파리에 체류하면서 앙드레 브르통( André Breton), 살바도르 달리(Salvador Dali), 후앙 미로(Juan Miro), 시인인 폴 엘뤼아르(Paul Eluard) 등과 친교를 맺으며 초현실주의운동에 참여했습니다. 여기서 초현실주의는 이성의 지배를 거부하고 비합리적인 것, 의식이 아닌 무의식의 세계를 표현하는 예술 혁신 운동으로, 프로이트의 정신분석학에 영향을 받아 무의식의 세계, 의식과 무의식을 혼합한 현실을 초월한 미술을 의미합니다. 이탈리아의 형이상학적 화가 조르조 데 키리코(Giorgio de Chirico)는 마그리트에게 영향을 크게 준 인물로 마그리트는 그의 회화에 이끌려 그만의 독자적인 초현실주의 이미지를 창조해나갔습니다. 그에게 영향을 끼친 작품인 조르조 데 키리코의 <사랑의 노래>는 서로 다른 이질적인 사물들이 하나의 공간에 나란히 놓인 모습이 매우 불가사의한 그림으로, 사물들이 비례나 크기가 맞지 않게 배치되어 있습니다. 그리고 그림과 제목이 어떤 연관성이 있는지 의문을 가지게 되는 수수께끼 같은 그림입니다. 그럼에도 불구하고 작품으로서 손색이 없다는 것이 마그리트에게 큰 인상을 줬으며 이 그림을 본 후 마그리트는 생각을 자극하고 꿈 같은 이미지를 만드는 초현실주의 작가로 들어서게 됩니다.

<이미지의 배반>, 1929년, 캔버스에 유채, 60X81cm, 로스엔젤레스 카운티 미술관

이미지의 배반

르네 마그리트의 대표작이라 할 수 있는 <이미지의 배반>(1928-1929)은 1923년 출간된 세계적인 건축가 르코르뷔지에 Le Corbusier의 책 ‘건축을 향하여 Vers une architect’의 243페이지 ‘혁명적인 건축’ 챕터에 있는 ‘브라이어 파이프 Briar Pipe’를 인용한 작품입니다. 그림은 ‘이것은 파이프가 아니다Ceci n'est pas une pipe’라는 문구와 함께 파이프를 사실적으로 묘사한 것이 특징입니다. 이는 이미지, 사물, 말과의 관계를 다시 생각하게 되는데, 그가 말하는 파이프는 파이프이지만 파이프가 아닌 것입니다. 왜냐하면 그가 말하려는 사실은 단지 저 물체는 '파이프'라고 부르기로 약속된 것 뿐이며, '파이프'라는 단어에는 '파이프'의 성질이 없다는 것입니다. '파이프'라는 단어 자체는 나무로 만들어지지 않았으며, 그것을 가지고 담배를 피울 수도 없습니다. 따라서 '파이프'라는 단어는 결코 '파이프'가 될 수 없다는 것입니다. 그것은 연필이나 다른 사물에도 마찬가지입니다. 언어란 단지 A를 B라고 나타내기로 한 일종의 사회적 약속일뿐 그 본질에는 닿을 수 없으며, 이를 표현하고 말하고자 했던것이 그의 작품입니다. 즉, 사물이 가지는 특성이 단어와 이어지지 않을 수 있다는 점과 원래의 사물과 본디 단어에는 본질이 없다는 점을 말해주고 있습니다. 이렇게 마그리트의 <이미지의 배반> 작품은 철학적이며 논리적인 근거를 바탕으로 존재와 세계에 대해 의문을 제기하였습니다. 르네 마그리트는 사람들 사이에서 당연하다고 여겨지는 개념, 사물, 상식, 논리를 뒤집는 작품을 많이 그려냈고 이미지와 대상물, 그리고 언어의 관계 체계에 대해 의문을 제기합니다. <이미지의 배반>과 비슷한 비교작품으로 <꿈의 열쇠>라는 작품이 있습니다. 틀이 하나로 통합된 액자 속에 4개의 각기 다른 그림과 그 아래로 4개의 해설 단어가 나란히 제시되어 있는데 이미지의 배반과 마찬가지로 <꿈의 열쇠>에도 재현된 이미지와 그 밑에 달린 단어가 서로 일치하지 않습니다. 1927년 <이미지의 배반>이 나오기 전 정상적인 언어 관습을 부정하고 회의하는 사고로 <꿈의 열쇠>라는 제목으로 제작되었고, 그 후에도 같은 제목 다른 형식으로 여러 점 제작되었는데 이것 또한 이미지와 개념 사이의 균열을 기반으로 한 작품입니다. 이처럼 <꿈의 열쇠>는 <이미지의 배반>과 같이 르네 마그리트가 1920년대 후반에 몰두한 중요한 주제 중 하나인 작품이며, 언어의 불완전성에 대한 마그리트의 믿음을 되풀이해서 표현한 그의 시리즈물로 철학적인 관념을 볼 수 있는 작품입니다. 마그리트의 예술은 시각적 역설과 병치를 사용하여 관람자가 현실의 본질과 표현의 한계에 대해 질문하도록 하게 하여 현실을 전복시켰습니다. 또한 그는 가면을 쓰고 있거나 얼굴을 가린 인물을 자주 묘사했습니다. 숨겨진 정체성과 외모와 현실의 이중성이라는 주제는 인간 존재의 복잡성과 일상 생활에서 쓰는 가면에 대한 은유 역할을 합니다.

유산과 영향

마그리트는 20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명으로서 초현실주의 운동에 많은 공헌과 예술적 유산을 남겼습니다. 그의 작품은 수수께끼 같으면서 세심한 기법으로 관객들의 생각과 시각을 자극합니다. 모든 연령대의 관객들에게 공감을 불러일으키고 전 세계적으로 인정을 받고 있습니다. 또한 그의 아이디어와 기법은 회화, 조각, 사진, 광고에 이르기까지 다양한 매체를 통해 수많은 현대 예술가들에게 영향을 미쳤습니다. David Lynch, Terry Gilliam과 같은 예술가들의 작품에 서 볼 수 있으며 초현실주의를 포용하고 창작물과 현실의 경계에 도전하는 많은 예술가들이 그의 작품을 차용하였습니다. 벨기에 브뤼셀의 마그리트 박물관에 그의 그림, 소묘, 조각 및 개인 유품이 소장되어 있으며, 런던 테이트 모던 미술관, 시카고 아트 인스티튜트 등 세계적으로 유명한 미술관에 소장되어 있으며 미국의 컬럭터 페기 구겐하임도 그의 작품을 소장하고 있습니다.

장소 특정적 미술-권미원/ 요약, 정리

민키트리 — Fri, 30 Jun 2023 23:55:19 +0900

장소 특정적 미술, 권미원 저, 현실문화

장소 특정성의 계보-1

장소 특정성은 그동안 물리 법칙에 얽매여 바닥 위에 놓여 있는 어떤 것을 의미해왔다. 주로 중력의 작용을 활용하는 장소 특정적 작업들은 한시적인 재료를 사용할지라도 ‘현전’을 고집했으며, 파괴 혹은 소멸을 목전에 두고도 부동성에 완강하게 집착했다. 장소 특정적 미술은 우선 장소를 물리적 요소들-방과 벽의 길이, 깊이. 높이, 재질, 형태나 광장, 빌딩, 공원의 규모와 비례, 또는 채광, 환기, 교통 패턴의 기존 조건, 또는 특유의 지형학적 특징 등-의 독특한 조합에 의해 그 정체가 확인되는 실질적인 입지이자 유형의 현실로 간주했다.

1960년대 후반과 1970년대 초에 미니멀리즘을 따라 처음 출현했던 장소 특정적 작업들은 모더니스트 패러다임의 극적인 역전을 불러왔다. 그 결과, 지배적인 모더니즘의 오염되지 않고 순수한 관념적 공간은 이제 자연 풍경의 물질성이나 순수하지 않은 일상적 공간으로 급진적으로 대체되었다. 로버트 베리는 1969년 인터뷰에서 자신의 전선 설치 작업들이 “모두 설치 장소에 맞도록 만들어졌으며, 그것들을 부수지 않고는 옮길 수 없다”라고 선언했다. 그로부터 15년이 지난 후 리처드 세라는 워싱턴 D.C.에 있는 미 행정관리청의 ‘건축 속의 미술 프로그램’ 감독에게 보낸 편지에서, 자신의 37미터 길이의 강철 조각 <기울어진 호>는 처음부터 장소 특정적 조각으로 구상되었으며, 작품을 옮기는 것은 작품을 파괴하는 것이라고 말한 바 있다. 이러한 점에서 그들은 서로 공명하지만, 로버드 베리는 1960년대 후반부터 1970년대까지 잇따른 미학적 실험들(대지미술, 과정미술. 설치미술, 개념미술, 퍼포먼스/신체미술, 그리고 다양한 형태의 제도비판 등)의 초기단계로서, 전위적인 조각에서의 새로운 급진주의를 보여주는 반면, 리처드 세라는 공공미술의 맥락에서 볼 때 장소 특정성, 특히 작품과 그 설치 장소 사이의 물리적 분리 불가능성을 우선시하는 의미에서의 장소 특정성의 위기에 대한 방어적인 태도를 보여 주었다.

미니멀리즘은 미술 오브제의 의미를 오브제 자체로부터 그것을 전시하는 공간으로 향하게 하면서 자율적인 미술 오브제라는 관념적 신비주의에 도전했다면, 제도비판 미술과 개념미술들은 여기에 힘입어 전시 공간 자체가 지닌 관념적 신비주의를 부각시킴으로써 한걸음 더 나아갔다. 예를 들어, 갤러리/미술관 공간은 단지 기본적인 크기와 비례의 견지에서가 아니라 제도적 위장, 곧 이데올로기적 기능에 복무하는 규범적인 전시 관습으로 이해되었다. 즉 제도의 관념주의적 규범과 그 가치를 ‘객관적이고’ ‘공평무사하며’ ‘진실 된 것’이 되도록 조장하면서, 미술의 공간을 외부 세계와는 동적으로 분리시키는 약호화된 메커니즘으로 간주된 것이다. 다니엘 뷔렌은 장소는 단순히 미술관뿐만 아니라 스튜디오, 갤러리, 미술관, 미술비평, 미술사, 미술시장 등을 포함한, 상호 연계되어 있으면서도 서로 다른 일련의 공간과 경제 영역을 포괄하고 있으며, 이와 같은 장소에 대해 ‘특정적’이라고 하는 것은 보이지 않게 작동하는 제도적 관습을 밝히는 것이라고 하였다. 이러한 전시 공간의 물리적 조건은 제도비판의 시발점이 되어 한스 하케의 <응축 큐브>(1963-1965), 멜 보흐너의 <측정>(1969)연작, 로렌스 뷔너의 벽을 잘라낸 작업들(1968), 다니엘 뷔렌의 <틀 안, 그리고 그 틀을 넘어서>(1973)와 같은 작업으로 제도가 감추려 하는 측면들을 노출하여 ‘거대한 이슈’를 남겼다. 제도적인 틀을 비판하는 또 다른 접근 방식은 밀 래더맨 유켈레스가 1973년에 코네티컷 주 하트포드 시의 와즈워스 아테니움에서 실행했던 일련의 ‘메인터넌스 아트’ 퍼포먼스로 하여금 미술관과 노동관계에 있어서 위계적인 체계를 드러냈으며 공공적인 것과 사적인 것이라는 개념 사이에 존재하는 사회적이고 젠더화된 구분을 보여주었다.

미술의 장소는 미술이 놓이는 말 그대로의 공간으로부터 분화되기 시작했고, 특정한 입지를 지닌 물리적 조건은 장소 개념에서 기본 요소로 축소되었다. 장소의 탈물질화를 향한 이러한 움직임은 미술작품의 탈심미화, 즉 시각적 즐거움을 제거하고 작품을 탈물질화하는 것과 동시에 진행된다. ‘작품’은 더 이상 명사/오브제가 아니라 동사/과정을 추구하며, 관람객으로 하여금 관람 행위의 이데올로기적 조건에 대해 비판적인 예리함을 갖도록 자극할 뿐만 아니라, 반복될 수 없는 순간적인 상황으로 경험되는, 고정되지 않는 비영구적 관계임을 인식하도록 해 준다.

장소 특정성의 계보-2

오늘날 장소 지향적 작업의 지배적인 흐름은 바깥세상과 일상생활에 더 심도 있게 참여하고자 하였다. 지난 30년 동안의 장소 특정적 미술이 제도를 통해 미술의 문화적 한계를 비판하였다면 지금은 미술 밖의 이슈들을 포괄하는 일종의 문화비판을 추구하는 것이다. 이 같은 확장된 참여 경향은, 심미적이고 미술사적인 문제는 부차적인 것이고, 미술의 생산과 수용의 사회적 성격에 초점을 맞추는 것이 지나치게 배타적이고 심지어 엘리트주의적이라고 간주하면서 물리적, 지적인 측면에서 전통적인 미술의 범위 바깥에 있는 공공장소를 선호한다. 미술을 미술관 공간 및 시스템 밖으로 끌어내려는 시도는 공간적 확장에 덧붙여 광범위한 학문 영역에 까지 영향을 받고, 또한 패션, 음악, 광고, 영화, 텔레비전 등의 대중적인 담론에도 반응한다. 따라서 오늘날의 장소 지향적 미술을 차별화하는 특성은 미술 작업이 장소로서의 한 위치의 실제성과 맺는 관계와, 장소로서의 제도적 틀이 갖는 사회적 조건과 맺는 관계 양쪽 모두가 지식의 영역, 지적인 교류, 혹은 문화적 논쟁 등과 같이 담론적으로 결정된 장소에 종속된다는 점이다. 예를 들면 마크 디온의 1991년 프로젝트 <열대 자연에 대해서>에서는 베네수앨라의 카라카스 외곽에 있는 사람이 살지 않는 열대우림 지역에서 깃털, 버섯, 둥지, 돌뿐만 아니라 다양한 식물과 곤충의 표본들을 수집하여 살라 멘도사의 갤러리 공간으로 이동시켰다. 나무상자에서 나와 그 자체로 마치 미술작품인 것처럼 전시된 표본들은 어떤 주제와 함께 그룹전을 통하여 전시 기획의 틀 안에 맥락화 된다. 또한 디온은 <열대 자연에 대해서>를 통하여 자연에 대한 문화적 재현과 전 지구적인 환경위기에 대한 담론을 이끌어 내고자 하였다. 그 밖에도 르네 그린, 실비아 콜보우스키, 그룹 매터리얼, 안드레아 프레이저, 그리고 크리스찬 필립 뮐러를 포함한 미술가들은 장소 특정적 미술 작업 자체를 하나의 ‘장소’로 보고, 그 같은 제반 양상이 심미적 필요성, 제도적 요구, 사회경제적 파급력, 혹은 정치적 효과 등과 관련하여 어떤 영향력을 갖는가를 숙고했다. 이렇게 해서 상이한 문화적 논쟁, 이론적 개념, 사회적 쟁점, 정치문제, 반드시 미술제도일 필요가 없는 일반적인 제도적 틀을 포함하여 지역 행사나 계절 이벤트, 역사적 조건, 심지어 개별적인 욕망의 형성조차도 장소로 기능하게 되었다.

제임스 마이어는 최근 장소 지향적 실천에서의 이러한 추세를 ‘기능적 장소’라는 용어로 구분했다. 장소는 이제 공간적이라기보다는 텍스트적으로 구성되며, 그것의 모델은 지도가 아니라 여정, 즉 공간을 통과하는 이벤트와 행동의 단편적인 연속이 되었다.

다시한번 정리하자면, 미술실천에서는 장소는 물리적 근거가 있는 고정적이고 실제적인 입지로부터 유동적인 가상의 담론적 벡터로 전환되었다. 이것은 미술과 미술가들의 공공적 역할을 재정의하는 데 있어서 중요한 개념적 도약이다.

스크린의 추방자들- 미술관은 공장인가?히토슈타이얼

민키트리 — Fri, 30 Jun 2023 22:30:45 +0900

히토슈타이얼 저/김실비 역, workroom(워크룸프레스)

히토슈타이얼은 독일 뮌헨(1966)에서 태어났으며 뉴미디어 아티스트, 수필가, 교육자로 활동하고 있다. 2017년 아트리뷰에서 선정한 세계 미술계에서 가장 영향력 있는 인물 1위로 선정되기도 하였다. 현재 베를린 대학에 제직중이다. 그녀의 저서 스크린의 추방자들에서 소제목인 미술관은 공장인가?를 읽고 중요하다고 생각되는 부분을 발췌, 요약 하였다. 내용에 관심이 있다면 이 책 전체를 읽어보기를 권장한다.

미술관은 공장인가?

미술관은 공장이 내부에서 수행된 일이 외부로 노출되지 않는 것처럼 미술관에 전시된 대부분의 작품들을 바깥으로 공개하지 않는다. 이는 미술관이 공공 공간이라는 점에서 역설적인 상황이기도 하다. 이 비가시성은 동시대 미술관이라는 공공 공간에 대해 무엇을 말하는가? 그리고 영화적 작업을 동시대 미술관에 포함하는 것은 어떻게 이 그림을 복잡하게 만드는가?

『붙타는 시간의 연대기』(1968)는 신식민주의에 대항한 제3영화 선언으로, 상영시에 “모든 관람자는 비겁자이거나 배신자다”라는 현수막을 건다. 이는 감독과 관객, 작가와 제작자의 구분을 허물어 정치적 행동의 장을 마련하고자 한 것이다. 이러한 정치적 영화는 더 이상 공장에서 상영되지 않는다. 전통적인 포드주의 공장은 대부분 사라졌을 뿐더러 영화관은 복합 상영관화되고 디지털화 되었으므로 영사나 음향이 조악한 화이트 큐브로 밀려날 수밖에 없었다. 이 화이트 큐브의 공간은 또한 동시대적 생산의 온상이 되어 또 다른 방식의 공장이 되기도 한다. 앤디 워홀의 팩토리(Factory)는 ‘사회적 공장’을 향한 생산적 전환으로서 새로운 미술관의 본보기가 된다. 그것은 생산의 한 형식으로서, 공적, 사적 삶 그리고 지식 생산과 소통의 전 영역과 양상에 접근하고 침투한다. 오늘날 미술관이라는 공장에서는 무언가가 지속적으로 생산된다. 설치, 구상, 목공사, 열람, 의논, 관리, 상승 가치에 대한 내기, 관계망 형성이 주기적으로 교차한다. 조너선 벨러가 “영화와 그 파생물(텔레비전, 인터넷 등)은 관람자가 노동하는 공장이다”라고 주장하듯 관람하기란 곧 노동하기가 된 것이다. 영화는 이제 미술관 공간을 공장으로 되돌린다. 하룬 파로키는 루이 뤼미에르가 만든 최초의 영화 『공장을 나서는 노동자들』에서 동시대의 다양한 영화적 버전의 『공장을 나서는 노동자들』을 재현하고 수집하고 설치하였다. 여러 개의 모니터에서 노동자들은 다양한 시대에서, 또 상이한 영화적 스타일로 공장에서 줄지어 나온다. 그리고 그들은 작품이 설치된 미술 공간으로 입장한다. 또 다른 공장으로 말이다.

전통적인 공장이 노동자를 구속하듯이, 영화관도 관람자를 구속하고 통제하며 일정한 간격으로 집합하고 해산한다는 점에서 노동자들과 유사한 대중(mass)이다. 하지만, 미술관 밖으로 나오는 관람자들은 공장을 나서는 노동자들과는 달리 다중(multitude)이다. 즉, 일관성이 없다. 전통적인 영화 작업이 응시를 집중시키고 단채널 작업인 반면, 다채널 설치 작품인 파로키의 작품은 공간 안에 퍼져 있고 오직 정신분산, 분리, 차이를 통해서야 연결되는 다중에게 말을 건다. 이는 공공 공간으로서의 미술관이라는 부분에서 구별되어야 하는 것이다.

미술관의 설치 공간에서 관객은 공간을 순회하면서 능동적으로 몽타주하고, 건너뛰고, 파편을 조합하면서 실질적으로 전시를 공동 큐레이팅 한다. 그러므로 영화적 설치 작품에서 일반적인 영화관의 관람객과는 달리 영화적 지속 시간 자체의 배신자가 되는 것이다. 이것은 이를 둘러싼 담론의 진정한 공유를 차단함으로써 공론장의 이상주의적 발현 대신 미술관은 도리어 공론장의 충족되지 않은 현실을 대표한다.

보리스 그로이스(Boris Groys)의 『설치의 정치학』이라는 글에서 전통적인 전시 일반에서는 작가의 작품 제작과 큐레이터의 작품 수집 및 전시 사이의 노동 분업이 분명하고, 전시 공간은 작품들이 축적되고 이에 따라 관람자의 동선에 따른 순차적 배열이 구현되는 공허하고 중립적인, 공적 공간인 반면 설치미술의 공간은 “포함된 사물들의 선택이나 설치 공간 전체의 조직화를 동적으로 정당화하지 않는 것으로 가정된 개별 작가의 주권적 의지에 따라 계획된다.” 또한 설치미술의 물리적 지지체는 “공간 그 자체”이며, 중립적인 공공 공간을 개별 예술 작품으로 변형시키고, 방문객이 이 공간을 예술 작품의 전체론적, 총체적 공간으로 경험하게끔 유도한다.“ 즉 설치작품은 전통적인 전시에서 공적 공간이었던 미술관을 예술가의 의지에 따라 사유화하는 것을 의미하며 작가는 전시장 공공 영역의 주권적 창시자 역할을 담당하게 된다.

오늘날의 영화적 정치는 탈재현적이다. 영화적 정치는 군중을 교육하는 것이 아니라 생산한다. 그것은 공간과 시간 안에서 군중을 접합한다. 제 11회 도큐멘타에서는 100일간의 전시 기간 동안 너무나 방대한 분량의 작업으로 관객들이 그 의미를 파악하고 도출해 내기가 어려웠다. 그것은 개별적이고 주권적으로 응시하는 관람자의 활동이 아니라 불완전하지만 다양한 시퀀스의 조합으로 편집된 다수의 응시를 요청한다. 그것은 공통 노동의 산물 이라기보다는 생산성의 패러다임에 생긴 균열의 지점에 초점을 맞추고 있다. 미술관이라는 공장과 그곳의 영화적 정치는 이 다수의 주체를 호명하고 이 주체를 향한 열망을 동시에 활성화시키는데 의미가 있다.

동시대 미술에 대한 고찰-노마디즘, 조르조 아감벤

민키트리 — Fri, 30 Jun 2023 20:44:53 +0900

제1장. 서 론

언젠가부터 현대미술이 동시대 미술이라는 용어로 대체되어 사용되고 있고 또한 동시대성에 대해 자주 거론되고 있다. 우리가 동시대를 살아가는 시점에서 과연 동시대 미술이라는 것은 단순히 연대기적인 것만은 아닐 것이다. 미술은 과거부터 새로운 사조들의 연속이었으며 계속해서 변화되어 오고 있다. 또한, 미술 작품은 작품만으로 끝나는 것이 아니라 그것이 만들어지는 화가의 작업실에서부터 시작하여 작품이 전시되는 갤러리 공간까지의 모든 과정과 그 작품을 보러 오는 관객에게까지 의미를 부여하고 개념화하는데 이르게 된다. 이러한 미술의 변화들은 문화적, 사회적인 다원성이 혼잡하게 서로 의존하는 가운데 불평등이 빠르게 확산되고, 동시적이지 않은 시간성이 사실상 동시에 발생하는 등의 모순들 간의 충돌로 인해 동시대적인 실제 상황이 초래 ^[각주:1]되고 있는 우리의 삶의 변화와도 상당히 관계가 있을 것이다. 동시대 미술가라는 것은 현재 본인이 당면하고 있는 부분이며, 만약 그것이 본인이 추구하는 바와 다른 문제라고 할지라도 그것의 정체성을 연구해야 되는 것은 매우 당연한 문제이다. 제2장에서는 동시대인이란 무엇인가에 대해서 오늘날 많이 사용되고 있는 노마드의 개념으로 시작하여 조르조 아감벤(Giorgio Agamben)이 이야기하고 있는 동시대인에 대해서 알아보았다. 제3장에서는 동시대 미술의 개념적인 변화들과 현재 펼쳐지고 있는 상황에 대해서 알아보고자 한다. 본 연구를 통해서 본인이 동시대 미술가로서 나아가기 위한 방향에 대해서 다시한번 고찰해 볼 수 있으며 새로운 작업을 제시할 수 있는 발판으로 삼을 수 있겠다.

제2장. 동시대인이란 무엇인가?

제1절. 노마디즘(nomadisme)

노마드란 유목민을 뜻한다. 노마드에서 유래된 노마디즘(nomadisme)은 오늘날 유행어가 되어 잘못 쓰이기도 하고, 아주 다양한 측면의 인간적인 것들을 수식하는 데 쓰이기도 한다. 예를 들어, 원시 부족, 열매 채취인, 수렵인, 목축인, 유랑 농경민, 기사, 소작인, 선원, 순례자, 곡예사, 음유시인, 수련 기간이 끝났으나 독립하지 못한 직인. 해적, 걸인, 추방당한 이, 사회에서 소외된 이, 상인, 탐험가, 계절노동자, 노숙자, 카우보이, 이주 노동자, 정치 망명객, 낚시꾼, 여행자, 예술가, 히피, 지사 근무 간부 또는 출장 중인 간부, 비디오게임 애호가, 휴대전화 또는 인터넷 사용자 등을 가리키고 있다.^[각주:2] 즉 정신적으로나 물질적으로 정주성을 띠지 못한 사람들을 일컫는다. 오늘날 대부분의 사람들이 안정된 생활을 영위하고 싶어 하지만, 불행하게도 시대는 너무나 빠르게 흘러가고 불안정하고 임시적인 삶을 살아가고 있다. 패스트푸드, 패스트패션을 추구하고 인터넷의 발달 등으로 사람들은 유행에 민감해지고 새로운 것을 빨리 읽어내는 자만이 문화의 선두주자에 설 수가 있게 되었다. 노마드적 이라는 말은 실로 이 시대를 대표하는 단어처럼 보이기도 한다.

제2절. 조르조 아감벤(Giorgio Agamben)의 동시대인

아감벤은 동시대인에 대해 “참으로 동시대인이란 자신의 시대와 완벽히 어울리지 않는 자, 자기 시대의 요구에 순응하지 않는 자, 그래서 이런 뜻에서 비시대적인/비현실적인 자이다.”^[각주:3]라고 말한다. 동시대인이 왜 비시대적이고 비현실적인 자인지에 대해 고찰해 볼 필요가 있다. 그는 오시프 만델슈탐의 『세기』라는 시를 제시하며 동시대인에 대해 이야기하고 있다.

나의 세기, 나의 야수여

누가 너의 동공을 바라보고

두 세기의 척추와 피를

함께 붙일 수 있을까?^[각주:4]

시인은 자신의 세기에 시선을 고정시켜야 한다고 말하고 있다. 즉, 자신의 시대를 직시하여야 하고 또한 지나간 세기와 앞으로 다가오는 세기를 연결해야 한다고 한다. 자신의 시대를 직시하기 위해서는 사회적, 정치적으로 시대를 바라보는 비판적 능력이 있어야 한다. 이를 위해서는 사회의 밝은 면보다는 어두운 면을 볼 수 있어야 하고 그것들과 투쟁할 수 있어야 한다. 완벽하게 그 시대에 젖어있는 자는 그 시대의 암흑을 발견하지 못하므로 동시대인은 비시대적인/비현실적인 자라고 말 할수 있는 것이다. 또한, 두 세기를 연결하는 일은 흘러가는 시대에 머물러서도 다가올 시대에 도달할 수도 없기 때문에 그 두 세기 사이 어딘가 즈음에서 관조할 수 있어야 그 시대를 직시할 수가 있을 것이다. 아감벤은 동시대성을 유행의 시간성에 비유하기도 하였는데, 유행이라는 것은 그것이 유행하고 있는 어떤 시점, 즉 “유행의 카이로스는 포착할 수 없다.”라는 것이다. 그러기에 선형적인 시간의 관성적인 동질성 안에 현재를 가필함으로써 동시대인은 시간들 사이에 특별한 관계를 작동^[각주:5]시키는데 이것은 과거의 역사를 되짚어보고 현재로 불러와 관련시키고 재해석할 수 있는 특별한 능력을 가동할 수 있을 때만이 가능하다고 볼 수 있다.

제3장. 동시대 미술의 변화

하얀 입방체를 나타내고 있는 갤러리의 공간은 작업실에서 갓 도착한 어떠한 것도 예술작품이 되며 신성한 것으로 만든다. 그 공간은 원근법에 의해 마치 창문처럼 프레임마다 제3의 공간으로 빠져들었다가 다시 돌아온다. 이러한 인공적인 공간은 아카데미즘에서 비롯된 모더니즘의 대표적인 요소라 할 수 있겠다. 하지만 곧이어 사진이 발명되고, 인상주의 회화로 인해 프레임은 점점 형태를 잃어 가고 가장자리는 확장되기에 이른다. 이젤 회화는 이제 거는 것에 대한 문제로 눈을 돌리게 된다. 거는 방식으로 인해 그림과 벽의 관계를 읽게 하고 의미를 두게 되는데 이러한 관점은 오늘날 미술작품이 벽을 무인지대로 인식하고, 그 위에 세력권 의식으로써 작품 개념을 주장^[각주:6]하는 원인이 되기도 한다. 그의 적당한 예로 스텔라Stella의 변형된 캔버스를 들 수 있는데, 1960년 카스텔리 화랑에서 전시된 줄무늬가 있는 U-T와 L 모양의 캔버스는 바닥에서부터 천장까지, 그리고 벽의 모퉁이에서 모퉁이까지 전개되어 벽과의 유례없는 대화를 이끌었다.^[각주:7]이러한 도전은 회화의 자유를 확장시키게 되었고, 1965년 뉴욕의 드완 갤러리에서 윌리엄 아나스타시William Anastasi의 설치 사진 전시는 벽이 벽을 대체시키는데 이르게 되었다. 1960년대 후반과 1970년대 초반에 들어서는 미술작품이 벽뿐만 아니라 실제적인 장소로 옮겨지게 된다. 작품은 그 장소에 맞추어 제작되기도 했으며, 미술관이라는 제도적인 공간이 외부와 분리되는 것에 대한 비판적인 시각이 자리 잡게 되었다. 즉, 미술의 장소를 사회적, 경제적, 정치적 교류 관계 속에서의 제도적 틀로 설정했고, 이것이 바로 작품의 내용이 되었다. 이러한 움직임은 미술작품의 탈 심미화를 제거하고 작품을 탈 물질화하는 것과 동시에 진행된다. ‘작품’은 더 이상 명사/오브제가 아니라 동사/과정을 추구하며, 관람객으로 하여금 관람 행위의 이데올로기적 조건에 대해 비판적인 예리함을 갖도록 자극하였다.^[각주:8] 이와 같이 미술 매체의 물질적 구성요소들에 대한 탐구, 그 다음에는 그 미술 매체의 공간적인 지각 조건들에 대한 탐구, 또 그 다음에는 이러한 지각의 육체적 토대들에 대한 탐구^[각주:9]로 미니멀리즘 미술에서 비롯하여 개념미술과 퍼포먼스, 장소 특정적 미술 등을 거쳐 갔다. 여기서 관람객, 즉 미술 관찰자도 중요한 요소가 된다는 것은 여러 가지 이론적 발전과 사회운동(시민권 운동, 다양한 페미니즘들, 퀴어 정치학, 다문화주의)에 의해 미술의 주체가 변화되었음을 의미했다. 이것은 매체의 표면으로부터 미술관 공간으로의 이동이나, 제도적 틀로부터 담론적 네트워크로의 이동, 그리고 많은 미술가들과 비평가들이 욕망이나 질병, 에이즈나 홈리스 같은 조건들을 미술을 위한 장소로 취급하는 지점에 이르기^[각주:10]까지 하였다.

제4장. 결 론

동시대 미술은 동시대성이 지금 이 순간을 의미하듯이 이 순간 진행되고 있는, 동시대인이 생산하는 미술을 의미할 것이다.급변화되고 있는 현실 속에서 미술이라는 영역도 다양화되고 다변화되었다. 미술은 이제 틀지어진 이미지가 아닌 “문화적”패러다임으로 발전해 가고 있다. 동시대인이 자신의 시대를 직시하여야 하며 과거의 역사와 새로운 시대의 사이를 연결하는 자이고, 사회적, 정치적으로 시대를 바라보는 비판적 능력이 있어야 한다면 동시대 미술가 역시도 그와 같은 존재여야 할 것이다. 동시대 미술은 이제 매체의 특정성에서 벗어나 탈 장르화 되고 각 매채가 융합되면서 복합적인 형태로 나타나게 되었다. 이러한 시점에서 본인이 진정한 동시대인으로 살아가고, 동시대 미술가로 나아가기 위해 사회적, 문화적, 경제적으로 이 시대를 정확히 파악할 수 있는 능력을 키움과 동시에 지나간 역사에 대해서도 관심의 끈을 놓지 말아야 할 것이다. 무엇보다 중요한 것은 이 시대를 살아가고 있는 자신에 대한 진중한 성찰이 요구되어야 할 것이다.

참고문헌

가. 단행본

자크 아탈리(2005). 『호모 노마드 유목하는 인간』. 웅진지식하우스.

브라이언 오도허티(2006). 『하얀 입방체 안에서』. 시공사.

조르조 아감벤(2010). 『장치란 무엇인가? 장치학을 위한 서론』. 난장.

권미원(2013). 『장소 특정적 미술』. 현실문화.

헬 포스터(2003). 『실재의 귀환』. 경성대학교 출판부.

나. 국내 학술논문

김희영(2018), “동시대에 대한 미술관의 대안적 전망”, 『조형교육』 67:59-70, 한국조형교육학회, p. 4.

다. 국내 학위논문

강민기(2019), “동시대 미술에 나타난 예술적 특징과 확장하는 미술 개념에 대한 연구-본인 작품을 중심으로”, 동의대학교 대학원 석사학위 논문, p. 50.

김희영, “동시대에 대한 미술관의 대안적 전망”, 『조형교육』, 제67호, 한국조형교육학회, 2018, p. 4. [본문으로]
자크 아탈리, 『호모 노마드 유목하는 인간』, 웅진지식하우스, 2005, p. 16. [본문으로]
조르조 아감벤, 『장치란 무엇인가? 장치학을 위한 서론』, 난장, 2010, p. 71. [본문으로]
조르조 아감벤, 앞의 책, 2010, p. 73. [본문으로]
조르조 아감벤, 앞의 책, 2010, p. 86. [본문으로]
브라이언 오도허티, 『하얀 입방체 안에서』, 시공사, 2006, p. 34. [본문으로]
브라이언 오도허티, 앞의 책, 2006, p. 36. [본문으로]
권미원, 『장소 특정적 미술』, 현실문화, 2013, pp. 32-39. [본문으로]
헬 포스터, 『실재의 귀환』, 경성대학교 출판부, 2003, p. 290. [본문으로]
헬 포스터, 앞의 책, 2003, p. 290. [본문으로]

빌 비올라Bill Viola-인사The Greeting, 투영하는 연못The Reflecting Pool , 교차The Crossing-기술과 인간 경험의 결합

민키트리 — Thu, 29 Jun 2023 22:56:46 +0900

The Crossing, 1996, 비디오, 출처=http://www.scadmoa.org

비디오 아트의 선구자

Bill Viola는 비디오 아트에 획기적인 공헌으로 현대 미술계의 상징적인 인물이라 할 수 있습니다. 수십 년에 걸친 노하우와 선견지명은 기술과 예술의 경계를 넓히고 감정의 몰입감과 기발한 아이디어로 전 세계 관객을 사로잡았습니다. 그는 비디오를 매체로 실존적이고 영적인 주제를 탐구함으로써 우리가 예술을 인식하고 참여하는 방식을 재구성하였습니다. 또한 비올라의 작품은 시간, 공간, 인식에 대한 우리의 전통적인 개념에 도전하여 보편적인 인간 경험에 대해 성찰하게 하여 현대 미술계에 지대한 영향을 미쳤습니다. 그는 비디오 아트의 선구적인 역할을 하여 수많은 아티스트, 영화 제작자 및 기술자들에게 영감을 주어 그 경계를 넓히게 하였습니다.

어린 시절과 영향

Bill Viola는 1951년 1월 25일 뉴욕 퀸즈에서 태어났습니다. 가톨릭 가정에서 자라면서 종교 의식과 도상학에 대해 관심을 가지게 되는데 이러한 점은 그의 후기 작품에서 영성을 탐구하는 토대를 마련했습니다. Viola의 예술에 대한 관심은 1973년 시라큐스 대학(Syracuse University)에서 공부하는 동안 꽃을 피웠으며 그곳에서 회화와 뉴미디어, 인지심리학 그리고 전자 음악을 공부하였습니다. 1973년 Experimental Studios에서 미술 학사 학위를 받으며 비디오 작업, 영상 설치, 음향, 전자 음악 퍼포먼스와 텔레비전을 위한 영상 작업을 진행하였습니다. 졸업 후 에버슨 미술관에서 비디오 아트 기술자로 일하던 중 백남준을 만나 그의 조수로 일하며 비디오 아트에 대한 개념을 발전시켰습니다. 그는 현대 사회와 높은 관련성을 가진 동시대 미술에 대한 시각을 넓히고자 작품 속에 선불교, 이슬람 수피교, 기독교 신비주의 등 많은 학문과 철학을 통합시켰고, 이로 말미암아 1995년 미국을 대표하여 제46회 베니스 비엔날레에 참가하게 되면서 이름을 알렸습니다. 이후 1987년 뉴욕 현대미술관, 2017년 빌바오 구겐하임 미술관, 2019년 런던 로열 아카데미 등에서 주요 개인전을 열었습니다.

대표 작품

<인사>The Greeting (1995)

<인사>는 1995년 제45회 베니스 비엔날레 미국관 출품작으로 시간성과 작품의 회화성을 포착하여 크게 호평을 받았습니다. 이 작품은 이탈리아 후기 르네상스 화가 야코포 다 폰드르모Jacopo da Pontormo의 <방문>이라는 작품에서 영감을 얻어 세 여성의 만남과 대화의 과정을 극적인 구도와 선명한 색감으로 표현한 작품입니다. 한 대의 카메라로 45초 동안 촬영한 영상을 10분 22초의 길이로 늘려 재생하는데 관객은 이 작품이 회화인지 비디오인지 구별하기 어려울 정도로 초저속 동영상을 관람하게 됩니다. 작품을 계속 보고 있으면 미세하게 등장인물의 표정이 변하는 것을 감지할 수 있는데 작품 속 인물들의 만남을 통해 드러나는 반가움과 어색함의 교차를 집중적으로 부각합니다. 비올라는 "순간을 포착하는 것은 동시에 그 순간을 길게 늘이는 것을 의미한다. 감정 또한 마찬가지로 증폭된다"라고 말합니다. 비올라는 이 작품을 통해 과거와 현재, 전통과 현대의 경계를 허무는 신성한 것과 일상의 교차점을 탐구하고자 하였습니다.

<투영하는 연못>The Reflecting Pool (1977-1979)

비올라는 초기작부터 시간을 소재로 하여 다양한 실험적 영상 작업에 몰두했습니다. <투영하는 연못>은 비올라의 초기 작 품의 중요한 작품이라 할 수 있습니다. 남자가 숲에서 걸어 나오며 연못 앞에 섭니다. 남자는 기합을 넣으며 물을 향에 힘차게 도약하는 순간 화면은 정지하게 됩니다. 모든 것이 멈춘 것 같은 화면으로 보이지만, 인물을 제외한 나머지 주변 모습은 아주 느리게 움직이고 아래 연못의 수면에는 여전히 물결과 주변 풍경이 비치는 동영상이 대비되면서 시간의 물질성을 보여줍니다. 이 작품은 인간 경험의 이중성, 단일성 및 상호 연결성을 주제로 합니다. 그의 작품은 시간의 흐름과 삶의 순환성을 중심으로 전개되는데, 출생, 죽음, 기쁨, 슬픔 등 다양한 인간의 상호 작용을 통해 개인을 초월한 보편적인 인간의 조건에 대해 전달합니다. 또한 물의 반사를 통해 자신의 정체성, 경험 및 죽음에 직면하는 순간을 제시하여 관객이 자신의 위치와 모든 존재의 상호 연결성을 생각하도록 합니다. 이는 자기 성찰에 대한 은유적인 표현으로 비디오 아트를 통해 Viola의 심오한 감정적 깊이의 탐구를 반영합니다. 시간과 인간 존재의 관계에서 착안한 그의 작품들은 몰입감 있고 생각에 자극을 주어 공간을 떠난 후에도 오래동안 기억되게 하여 줍니다.

<교차>The Crossing(1996)

Bill Viola의 기념비적인 비디오 설치 작품인 'The Crossing'은 삶, 죽음, 변형이라는 주제에 대한 심오한 감동과 영적인 탐구를 보여줍니다. 이 작품은 1997년 광주 비엔날레에 출품한 작품으로 뛰어난 예술성과 전문 기술을 통해 시간에 대한 우리의 인식에 도전하고 존재에 대한 신비를 생각하게 합니다. 어두운 공간에 두 개의 대형 스크린이 설치되어 관객들을 한 순간에 몰입시키며 각각의 화면에는 물과 불에 관한 이미지를 강하게 전달합니다. 한 남자가 천천히 다가오는데 위에서 물이 한 방울씩 떨어지더니 급기야 폭포수처럼 쏟아지는 장면이 계속되며 소멸합니다. 다른 한쪽의 화면에서도 마찬가지로 한 남자가 다가오며 멈춰서는 순간 발밑에서 화염이 휘몰아치는 장면이 전개됩니다. 다채널 비디오와 슬로우 모션 영화 촬영법을 사용하여 물과 불의 무게감, 저항 및 유동성을 강조하면서 인물이 움직이는 모든 세부 사항을 목격하게 합니다. 또한 영상에는 물소리, 숨소리 등 미묘한 음향효과를 조성하여 깊은 사색적인 분위기를 연출하고 보는 사람이 마치 그 속에 함께 존재하는 듯한 현장감과 몰입감을 증폭시킵니다. 시간을 연장시켜 느려진 움직임은 우리의 전통적인 시간 감각을 파괴하여 명상적이고 초월된 시공간을 만들어 줍니다. 그는 우리가 감각적 경험에 몰입할 수 있게 하여 우리 자신의 존재와 일시적인 시간의 본질에 대한 깊은 사색을 하게 하며 작품에 등장하는 인물이 보여주는 투쟁과 인내는 우리 자신의 공감, 연약함, 초월에 대한 보편적인 인간의 열망을 불러일으킵니다.

클라우디오 마시니Claudio Massini-색과 감정의 대가

민키트리 — Thu, 29 Jun 2023 18:35:18 +0900

it dem Ullass Un posto sulla terra, 2004/2005 tecnica: pigmenti minerali vegetali organici e della chimica tela di lino doppio bollito triplo lavato, cm. 193x248

생애와 활동

Claudio Massini는 1955년 이탈리아의 나폴리에서 태어났고, 어린 시절을 트리에스테에서 보냈습니다. 그는 어렸을 때부터 자연의 생생한 색조를 관찰하고 주변의 자연환경을 스케치하며 보냈습니다. 그의 부모는 그의 재능을 일찍부터 발견하였고 그가 재능을 발휘할 수 있도록 나폴리의 미술 아카데미(Naples Academy of Fine Arts)에서 정규 교육을 받게 이끌었습니다. 이 대학은 고급 예술 교육을 위한 기관이며 그가 예술적 기반을 다질 수 있는 무대를 마련해 주었습니다. 그는 현재 이탈리아의 베테토주에 있는 도시 트레비소(Treviso)에 거주하며 작업하고 있습니다. 1970년대 초 마시니의 예술 작품에는 도시와 사회적 맥락에 삽입된 수행적 행동이 포함되었습니다. 1974에서1975년 초 사이에 형성된 Humor Power Ambulante의 그룹의 일원이 되었는데, 이 그룹은 나폴리에서 태어난 현대미술인의 집단으로 기존의 미술관이나 갤러리 등의 예술 전용 공간을 탈피하고, 서로 다른 예술언어 사이의 자발적이고 즉흥적인 만남을 활용하여 대중과의 새로운 대화를 시도하였습니다. 이 집단은 실험적이고 아방가르드적 특성을 가지며 공연 예술 위주의 퍼포먼스로 활약하였다. 이들은 the new generation이라는 제목으로 로마 쿼드리엔날레(Roma Quadrennial) 에 참가했습니다. 1975년부터 마시니는 유기 및 무기 안료의 여러 층을 캔버스에 적용하여 매우 정밀하게 부조 이미지를 만드는 자신만의 스타일을 개발했습니다. 1976년 제37회 베니스 비엔날레에 참가하였고, 1989년 나폴리의 Lucio Amelio 갤러리에서 전시하였습니다. 이후로도 2003년 볼로냐, 부다페스트에서 전시를 하였고, 2009년부터 개인전을 순회하였습니다. 2017년 카사 로베건에 있는 트레비소 현대미술관에서 <그림의 몸> 개인전을 하였습니다.

독특한 기법과 스타일

Massini의 스타일은 사실주의와 인상주의의 융합으로 묘사될 수 있으며, 두 요소를 통합하여 시각적으로 사실적인 이미지와 시공간을 초월하는 정서적 연상을 통한 예술 작품을 선보였습니다. 그는 기존의 안료에 청금석 또는 에메랄드를 갈아서 섞는 등 점토나 가루를 사용하여 자신만의 안료를 만들기 시작했고 식물이나 곤충에서 안료를 추출하는 등의 전통적인 방식에도 관심을 가짐으로써 실험적인 예술적 실천을 추구하였습니다. 그가 표현하는 캔버스는 이러한 다양한 재료들을 통하여 여러 개의 안료층을 형성하고 부조 형태의 정밀하고 세밀한 이미지를 만들어 갔습니다. 그가 그려내고 있는 풍경, 꽃, 조경, 높은 창살 같은 이미지는 단순한 형상이 아닌 모호한 이데올로기를 은유하고 있으며 정신적인 것과 영적이고 종교적인 의미를 내포하고 있습니다. 그는 대형 작품을 많이 제작하였는데 이는 주제의 본질을 드러내고 정확하게 포착하고자 함으로 보입니다. 그는 자신이 생각하고 바라보는 모든 것들을 감정적인 상태로 만들고 인간의 감정과 자연 세계의 아름다움에 대한 심오한 탐구와 색과 빛을 능숙하게 다루어 찰나의 미묘한 뉘앙스를 포착합니다. 이러한 그만의 독특한 기법과 스타일은 관람자로 하여금 공감과 깊은 사색을 불러일으킵니다.

Tra i tavoli della storia, 2005/2006 tecnica: pigmenti minerali vegetali organici e della chimica tela di lino doppio bollito triplo lavato, cm. 193x248

작품 세계

Massini는 주변 세계에서 영감을 얻어 가장 단순한 주제를 통해 아름다움을 찾습니다. 그의 작품은 고요한 풍경이나 인물, 사물 등 평범한 일상 속에 존재하는 아름다움을 포착하여 대상에 생명을 불어넣고자 하였습니다. 이러한 찰나의 순간은 마치 시간이 멈춘 듯한 착각을 불러일으킵니다. 또한 Massini의 예술은 자연과의 깊은 관계를 반영합니다. 그의 작품은 그림 같은 시골 풍경, 평화로운 초원, 장엄한 산 또는 고요한 바다 전망 등 자연의 조화로움과 평온함을 표현하고, 빛과 그림자 사이의 상호작용에 대해 탐구하여 시적인 분위기를 자아냅니다. 그는 자연에 대한 깊은 존경과 세심한 관심을 통해 자연과 상호 연결성을 전달하여 우리에게 자연에 대한 경외심을 불러일으키고 웅장함을 보여주어 작품과 감상자 사이에 깊은 연결고리를 만들어 줍니다. 그의 작품은 전 세계 유명 갤러리와 미술관에 전시되어 비평가와 예술 애호가 모두에게 찬사를 받았습니다. 마시니의 그림은 강한 감정을 불러일으키는 힘이 있어, 보는 사람으로 하여금 내면의 풍경을 탐험하고 평범함 속에 있는 아름다움을 성찰하게 합니다. 그의 예술은 작품을 접하는 사람들의 마음과 정신에까지 미쳐 자연의 경이로움을 불러일으키고 우리를 둘러싼 평범한 것들에 대한 깊은 감사를 불러일으키는 힘이 있습니다. 또한 마시니의 영향력은 캔버스를 넘어 확장됩니다. 그는 자신의 지식과 열정을 예술가 지망생들에게 공유하고 다양한 워크숍과 클래스를 개설하여 멘토로서도 활약하고 있습니다. 그는 자신의 예술 철학을 전파하고 재능 있는 화가를 양성하는데 힘을 쏟고 있습니다.

결론

클라우디오 마시니는 예술이 우리 삶에 미칠 수 있는 심오한 영향에 대해 명백한 증거를 보여줍니다. 그는 우리가 다른 각도에서 세상을 바라보게 만들고, 평범함 속의 아름다움을 발견하게 합니다. 또한 깊은 내면의 감정을 끌어내어 작품과 상호작용할 수 있게 합니다. 개인적으로 그의 작품을 직접 관람하지 못했지만, 그의 작품집을 처음 접한 순간부터 그의 작품과 알 수 없는 내면세계에 매료되었습니다. 그의 상상력은 시공간을 초월해 또 다른 세계를 접하게 만듭니다. 아직 이탈리아의 생존해 있는 작가로 한국에는 많이 전파되지 않은 작가이지만, 분명 이 세대의 미술계에 중요한 족적을 남기는 화가로 자리 잡을 것이라 생각됩니다. 이 블로그는 클라우디오 마시니가 한국에 많이 알려지기를 바라는 마음으로 작성하였고, 또한 이것을 계기로 많은 자료가 발간되어 그의 작품세계의 의미를 더욱 심도 있게 알아가고자 함에 있습니다.

시오타 치하루(Shiota Chiharu, 1972~)작품배경, 작품설명-실타래로 몸과 영혼을 연결하다

민키트리 — Sun, 25 Jun 2023 21:28:20 +0900

작품의 배경

시오타 치하루(Shiota Chiharu, 1972~)는 일본 오사카에서 태어났으며 일본 교토의 세이카 대학에서 서양화를 공부하였습니다. 1996년부터 독일 베를린에서 거주하면서 베를린 예술대학과 함부르크 미술대학 등 여러 대학을 거치면서 수학했습니다. 그녀는 공연, 비디오, 조각, 회화와 설치에 이르기까지 다양한 장르에서 작업하는 작가로 특히 개인의 기억과 체험이 담긴 사물을 실과 연결하여 본인의 의식이 내재된 자신만의 공간을 만들어내는 것으로 널리 알려져 있습니다. 시오타는 일본인이지만 독일에 거주하면서 자신이 일본과 독일 중 어느 곳에도 속하지 않는다고 느꼈고, 낯선 타국에서의 생활 또한 녹록지 않았습니다. 처음 베를린에서 거주한 3년 동안 그녀는 총 9번의 이사를 거듭해야만 했습니다. 또한 계속되는 공연과 전시로 여러 나라를 떠돌아다니며 아웃사이더 또는 노마드로 살아가는 삶은 여러 문화 속에 자신을 어떻게 위치시켜야 할지, 그리고 자신의 정체성을 지키는 것은 무엇인지와 같은 의문을 제기하게 됩니다. 작가는 매일 밤 잠에서 깨어날 때마다 자신의 몸이 이탈해나갈 것 같은 불안을 느끼게 되면서 모든것과 자신의 몸을 실로 꽁꽁 묶고 싶은 충동을 받게 됩니다. 시오타의 작품은 이러한 자신의 상황과 감정이 그대로 반영되어 관람객이 마치 그 현상 속에 들어가있는 듯한 현장감을 느끼게 해줍니다.

잠자는 동안 During Sleep

<잠자는 동안>, 2002

‘실’은 시오타에게 처음에는 무의식과 현실을 연결해주는 매개체였습니다. 세상의 경계에서 아웃사이더로 살아가면서 주변의 복잡한 관계에 대해 고찰하게 하고 자신의 정체성을 확인하게 하는 촉매제였습니다. 그러한 유기적인 구조는 그녀가 끊임없이 반복하여 엮어가는 실타래로 표현됩니다. 실은 인간의 감정이나 인간관계, 그리고 유기적인 의식의 구조를 은유적으로 나타내는 상징물입니다. 현대 산업사회에서 소속감의 부재는 시오타처럼 오랜 타국 생활을 해본 적 없는 사람도 누구에게나 있을 법한 경험입니다. 예컨대 잠을 자는 공간인 침대는 누구나 매일 접촉하는 대상이며 가장 안락한 장소이기도 하지만, 소속감의 부재라는 극단적인 상황에서는 그 정체성이 바뀔 수밖에 없습니다. 어두컴컴한 밤이 되고 우리가 자는 동안에는 자신의 의식을 통제할 수 없기 때문에 불안과 공포는 더욱 커지게 됩니다. 이 작품은 자고 있는 사람이 삶과 죽음 사이에 존재한다고 인식하여 실이라는 수단으로 자신이 이탈하지 못하도록 단단히 묶어놓고자 하는 심리로 반영된 작품입니다.

우리 사이에 Between Us

<우리 사이에>, 2020

과거의 기억은 시간이 지남에 따라 잊히는 듯 보이지만, 무의식 속에 잠재되어 있다가 우연한 계기로 다시 살아나게 됩니다. 시오타는 지나간 일상적인 물건들을 통해서 그것들을 깨워 나가면서 부재한 것의 존재를 느꼈다고 합니다. 우리는 타인과의 연결고리 없이 존재할 수 없으며, 어디에도 소속되지 않는다는 것은 불안한 감정과 공포가 될 수 있습니다. 한국의 가나 아트 센터에서 전시된 <우리 사이에>는 30개의 낡은 의자가 붉은 실로 얽힌 설치작업입니다. 시오타의 작품에 등장하는 사물은 한 번도 사용되지 않은 새 물건이 아닙니다. 이 설치에 사용된 의자 역시도 낡고 바랜 것으로 누군가가 소유하였고, 그것에는 사용한 사람의 흔적이 담겨있습니다. 각각의 개인을 상징하는 의자는 한때 그 자리를 점령하던 누군가의 존재와 지금은 존재하지 않는 인간의 존재를 동시에 암시합니다. 이는 삶과 죽음에 관한 작가의 성찰과 인간이 서로 복잡한 관계에 얽혀있음을 실을 통해 보여고 있습니다. 작가는 두 번의 암 투병을 겪었는데, 병원에서 항암치료를 받으며 마치 몸에서 영혼이 빠져나가는 듯한 경험을 했다고 합니다. 이러한 체험은 그녀에게 삶과 죽음의 사이에 있는 영혼의 부재를 느끼게 하였고, 일상적인 사물을 통해 그들의 관계에 대해 말하도록 영감을 주었습니다. 시오타의 작업에는 일상 속에 묻혀 있는 사물들이 자주 등장합니다. 그 사물들은 그녀의 무의식 속에 잠재되어있는 기억들을 끄집어내는 매개체의 역할을 합니다. 그리고 그 기억들은 현실 세계에서 그녀가 엮어가는 실을 통해 생기를 불어넣으며 다시 공간 속에 스케치 됩니다. 결국, 인간의 삶을 구성하는 것은 세계와의 대화이며 그것은 연결 속에서 이루어지는 것임을 말하고 있습니다.

루이스 부르주아(Louise Bourgeois, 1911~2010)-바느질로 상처를 치유하다

민키트리 — Sun, 25 Jun 2023 16:48:30 +0900

루이스 부르주아의 생애

프랑스의 조각가이자 설치미술가로 알려진 루이스 부르주아(Louise Bourgeois, 1911~2010)는 20세기의 가장 주목받는 여성 작가입니다. 부르주아는 전통적인 조각 재료인 청동과 대리석뿐 아니라 석고, 라텍스, 고무, 직물 등 다양한 재료를 사용하여 자신이 가졌던 트라우마와 인간, 특히 여성이 가지는 고통에 대한 주제를 가지고 작품활동을 이어나갔습니다. 부르주아는 1911년 프랑스 파리에서 태피스트리를 수선하는 일을 하는 집안에서 태어났습니다. 그녀는 집안 사업을 종종 도왔는데 그러면서 자연스럽게 밑그림을 그리고 드로잉을 하게 됩니다. 그녀의 어린시절은 아버지의 외도로 어머니가 고통스러워하는 모습을 보며 매우 불우하게 보냈는데, 급기야 어머니의 죽음은 그녀에게 큰 트라우마를 남기게 됩니다. 대학 졸업 후 1938년에 결혼을 하면서 인생의 전환점을 맞이하게 되는데 뉴욕으로 이주하여 본격적인 작업을 하게 됩니다. 부르주아는 처음에는 회화 작업을 하였지만, 돌을 쪼고 나무를 깎는 거친 과정에서 고통과 스트레스가 감소하고 억압된 감정이 발산되는 것을 느끼며 조각에 발을 디디게 됩니다. 1940년대 후반과 1950년대 초에는 주로 목재 작업을 하였고, 1960년대에는 형태를 전환하고 새로운 재료를 도입하기 시작했습니다. 조각은 그녀가 어린 시절 아버지와 가족으로부터 받은 정신적인 충격을 극복하는 데 큰 도움이 되었고 작품활동을 통해 자기 치유를 도모하였습니다. 대중적으로 널리 알려진 작품으로는 거대한 거미 시리즈의 <마망>과 같은 청동 소재 작품이 있습니다.

페미니즘 작가로 주목받다

부르주아의 예술은 매체의 다양성과 실험적인 작업으로 특정한 범주나 양식으로 규정되기 어렵습니다. 하지만 1960년대 중반에 페미니즘이 미술사에 급격히 들어오게 됩니다. 부르주아는 어린 시절 아버지의 외도, 어머니의 죽음 등이 트라우마로 남아 여성과 남성 간의 갈등, 억압받는 여성, 성, 죽음, 모성애 등에 관한 주제로 작업하였고, 페미니즘 비평가들에 의해 재평가되었습니다. 1970년대 말부터 그녀는 화랑가에서 페미니즘 작가로 주목받기 시작하면서 1999년 제48회 베니스 비엔날레에서 황금사자상을 수상하였습니다. 상대적으로 늦은 나이에 예술적 성공을 누리며 생존하는 세계 10대 작가로 선정되었습니다.

바느질 작업

부르주아는 노년기에 들어서 바느질을 하기 시작합니다. 아마도 태피스트리를 수선하던 유년기의 기억이 큰 작용을 하였을 것으로 보입니다. 바느질 작업은 그녀에게 남편의 외도를 지켜보며 인내해야만 했던 어머니의 상처와 죽음에 대한 기억을 떠올리게 합니다. 역사적으로 바느질은 사회활동이 제한되었던 가부장적 시대의 여성에게 억압된 감정을 치유하고 창작의 욕구를 표출하는 도구가 되어왔습니다. 부르주아 역시도 바느질을 통하여 창작행위를 함으로써 과거의 어두운 기억과 고통을 되새기려는 의미가 있습니다. 그녀의 작품에 나타나는 여성과 남성의 신체 이미지 역시 자신의 기억을 낱낱이 끄집어내고 그것을 재경험함으로써 상징적으로 아픔을 치유하는 과정의 일부라 할 수 있습니다. 이를 명백하게 보여주는 작품 <나를 버리지 마세요>는 조각난 헝겊으로 덮여 이리저리 실로 꿰매어져 있는 막 출산한 여성의 형상을 표현하였습니다. 갓 태어난 아기는 탯줄이 여성의 배꼽에 연결되어 마치 엄마의 몸의 일부인 것처럼 매달려 있습니다. 작품 속 여인은 자신의 어머니를, 또 탯줄에 매달린 아기는 자신을 형상화한 것으로, 어머니의 상처와 부재로 인하여 겪은 두려움과 공포를 표현하였습니다. 부루주아의 작업에는 유독 모성애와 관련된 것이 많은데 과거 어머니에 대한 기억을 재생하고 새로운 탄생과 탯줄로 연결된 관계에 대한 화해와 복귀를 희망하는 의미인 것 같습니다.

<망각의 시>, 2004, 천, 바느질(부분)

개인적으로 <망각의 시>라는 작품을 좋아합니다. 이 작품은 그녀의 자전적인 요소를 담아 한 권의 책으로 엮은 작품입니다. 총 36장으로 구성된 이 작품은 마치 그녀의 일기장을 펼쳐보는 듯한 느낌을 줍니다. 제목에서 느낄 수 있듯이 자신의 기억에서 오는 지난 상처들을 잊어버려는 의도에서 제작되었는데, 자신의 상처를 회피하지 않고 기억을 하나씩 꺼내어 가며 자신의 심리를 분석하고 자기 치유를 꾀하고자 하였습니다. 현재의 우리는 언제나 과거와 맞물려있기 때문에 그녀는 자신의 과거를 지우려면 과거와의 온전한 화해가 이루어져야 한다고 믿었습니다. 그녀에게 과거란 고통이고 공표였습니다. 그러나 이 작품에서는 과거의 작품과 같이 더 이상의 상처나 고통이 느껴지지 않습니다. 마치 어린이를 위한 동화책처럼 아기자기한 형상으로 된 패치워크처럼 보입니다. 이것은 그녀가 여전히 작품을 통해 과거를 환기하고 있지만. 그 속에서 카타르시스를 느끼고 자기 초월로 가고 있음을 의미합니다.

※ 이 글은 본인의 논문에서 발췌하였습니다.

조지프 말로드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner, 1775~1851)-생애, 미스터 터너, 미술사적 영향

민키트리 — Sat, 24 Jun 2023 22:36:06 +0900

<노예선>, 캔버스에 유채, 91x123, 1841, 보스턴 미술관

윌리엄 터너의 생애

터너는 1775년 4월 23일에 영국 런던에서 가난한 이발사의 아들로 태어났습니다. 어릴 적부터 드로잉에 소질을 보이면서 아버지의 가게에 그림을 걸어 판매하기도 하고 손님들의 초상화를 그려주기도 하였습니다. 주변 시골길을 걸으면서 항상 스케치북을 들고 다니며 풍경을 그렸고 14살이 되던 해, 영국왕립미술원(Royal Academy of Arts)에서 정규 교육을 받기 시작했습니다. 이후 24살엔 아카데미의 준회원, 그리고 무려 27세의 나이에 최연소 정회원이 되었습니다. 이후 그 실력을 인정받아 아카데미 교수가 되어 원근법을 가르치게 됩니다. 그는 젊은 나이에 부와 명예를 동시에 얻었지만 스스로의 그림에 안주하지 않았습니다. 그는 여행을 하며 자연의 역동적인 움직임을 캔버스에 담기 위한 끊임없는 노력을 하며 자신만의 예술을 발전시켜 나갔습니다. 그는 현장으로 자신의 몸을 던져가며 자연의 살아 움직이는 것을 직관하였고 관람자가 그것을 체험할 수 있도록 표현하기 위해 혼자만의 싸움을 시작합니다. 일례로 겨울 바다의 느낌을 담고 싶어서 눈보라가 거세게 몰아치는 날 어느 증기선에 탑승하여 자신의 몸을 갑판의 돚대에 묶어 소용돌이 치는 바다에서 벌어지는 현상을 직접 눈에 담기 위한 처절한 사투를 벌리기까지 하였습니다. 이 작품이 1842년 <눈보라-항구를 떠나는 증기선>입니다.
그는 성격이 괴팍했다고 알려져있으며 제자나 후계자도 없는 화가로서 고독한 삶을 살았습니다. 공식적으로도 결혼 생활을 하지 않았고 사귄 여인이 두 명 정도 있는데 본가와 체르시에 은거하면서 그 곳에서 숨을 거두었습니다. 그는 말년에도 여러나라를 여행하며 스케치하는 것을 멈추지 않았고 그의 작품은 국립미술관에 고스란히 기증되어 남아있다.

영화 미스터 터너

윌리엄 터너라는 인물에 대해 다룬 영화가 있어 소개하려고 합니다. 그의 작품을 좋아하시는 분이라면 아마 관심이 있으리라 생각합니다. 마이크 리감독 ,티모시 스폴 주연의 2014년작 영화이며 우리나라에서는 2015년에 개봉하였습니다. 이 영화는 18세기 영국의 낭만주의화가 윌리엄 터너의 마지막 25년간의 생애를 다루며, 제67회 칸 영화제에서 남우주연상을 수상하였습니다. 영화는 그의 업적에 대한 내용보다는 좀 더 사생활을 중점적으로 그린 영화이자 인간적인 면모가 드러나는 작품입니다. 그에게는 애틋한 가정은 존재하지 않았기에 외롭고 고독하게 보이기도 하였지만, 실질적으로 그에게 아낌없는 사랑과 지지를 해주었던 아버지가 있었고 영화에서는 아버지가 그의 화실에 와서 안료를 개어주는 등, 터너의 작업을 도와줄 만큼 아버지와 사이가 좋았던 것 같습니다. 또한 그를 항상 배려하고 걱정하는 부스부인과 시녀였던 사라 라는 여인이 그가 생을 마감할 때까지 그의 곁을 지켜주었습니다. 그는 조금은 고집스럽기도 하지만, 유쾌한 성격을 지니고 있음을 영화에서는 말합니다. 당시 낭만주의의 대가였던 그가 해경화를 그리기 위해 직접 여행을 다니면서 현장의 모습을 경험하고 그 찰나를 눈에 담고자 하는 모습이 영화로 잘 표현되었습니다.

미술사적 영향

윌리엄 터너는 낭만주의의 대가로 부와 명성을 얻은 화가이지만, 그가 처절하게 자기자신과 싸웠던 것은 사실 보다는 현상을 담아내려는 것입니다. 그는 움직이는 현상의 힘과 속도감을 전달하려 하였고, 물체의 경계를 없애고 흐릿하게 표현함으로써 감각과 감성이 공명되는 새로운 회화 기법을 시도하였습니다. 그의 이러한 노력은 인상주의와 표현주의에 큰 영향을 미쳤습니다. 사실상 모네가 인상주의의 대표화가라고는 하나 거슬러 올라가보면 터너가 인상주의의 선구자라고도 할 수 있습니다. 외광회화에서 비롯된 인상주의는 순간의 빛의 효과를 중시하였으며 이는 터너가 현장에 직접 나가 현상을 담으려하는 것과 맥을 같이한다고 볼 수 있습니다. 또한 폴 세잔의 작품에서 볼 수 있듯이 명확하지 않는 물체와의 경계는 상호간의 공명속에 일어나는 현상을 포착하려는 시도에 의한 것인데 이 또한 터너가 시도하려는 바와 연관성이 있습니다. 내면의 감정을 표출하고 그것을 표현하기 위한 시도로 색과 형태의 왜곡, 추상적인 요소 역시 표현주의화가들에게 상당한 영감을 주었습니다. 이러한 시도들은 모두 전통적인 회화의 기법을 뛰어넘으려는 태도이며 오늘날 현대 미술로 발전되어가는 과정에 큰 버팀목이 되었다고 볼 수 있습니다.

부산미술대전 공모전, 참여 이점, 접수원서, 부산미술협회

민키트리 — Sat, 24 Jun 2023 18:15:12 +0900

부산미술대전 모집 요강

부산미술협회에서 주최하는 부산미술대전 공고가 올라왔습니다. 부산 미술대전은 부산에서 매년 개최하는 전국 단위의 미술 공모전으로 부산에서 가장 오래된 역사를 가지고 있습니다. 출품자격은 국적제한 없이 접수일 현재 만 20세 이상인 자(대학생은 연령에 관계없이 출품가능)이며 공개 심사를 원칙으로 합니다. 부문은 서양화, 한국화, 문인화, 조각, 공예, 디자인, 판화, 수채화, 민화·불화, 영상· 설치, 학술·평론, 서예이며 1인당 2점까지 출품가능합니다. 원서접수는 2023년 기준으로 6월 7일~ 당일 현장 접수일까지이며 부산미술협회 사무국 또는 인터넷(www.bfaa.or.kr)에서 원서를 다운받아 접수하면 됩니다. 접수비는 서양화, 한국화, 조각, 공예, 판화, 수채화, 민화·불화, 영상· 설치, 학술·평론에서 1점 6만원, 2점 10만원이며 서예, 문인화는 1점당 4만원, 디자인은 1점 2만5천원, 2점 4만원입니다. 1차 작품사진 접수는 서양화, 한국화, 조각, 공예, 디자인, 판화, 수채화, 민화·불화, 영상· 설치, 학술·평론 부문은 2023년 10월 19일(목)~20일(금)이며, 2차 작품접수는 1차 작품사진 심사에 통과한 자에 한하여 11월 6일(월), 부산문화회관에 10~17시까지 작품을 접수해야 하며 서예, 문인화는 2023년 8월 38일(월)부산예술회관에 10~17시까지 작품을 접수하면 됩니다. 공모작품 규격은 각 부문마다 다르므로 홈페이지 공고를 참고 바랍니다. 개막식 및 시상식은 11월 17일(금) 오후3시 부산문화회관에서 열리며 수상한 작품은 11월13일~12월2일까지 각 부문별로 부산문화회관, 부산시청, 부산시민회관에 전시될 예정입니다.

현재 각 분야에서 열정을 쏟고계시는 미술인들은 아래의 공모전 접수 바로가기 버튼을 통해 접수원서 첨부파일을 다운로드 받으셔서 늦기전에 접수 먼저 하시기 바랍니다.

시상내용

구분	분야	인원	내역
대상	한국화, 서양화(구상, 비구상), 판 화, 조 각, 수채화, 민화, 불화	1명	상금 1,000만원 및 상장(작품매입금포함)
	공예	1명	상금 300만원 및 상장
	디자인	1명	상금 200만원 및 상장
	서예	1명	상금 500만원 및 상장(작품매입금포함)
	문인화	1명	상금 500만원 및 상장(작품매입금포함)
부산은행장상	회화 및 기타	2명	상금 300만원 및 상장(작품매입금포함)
최우수상	학술, 평론	1명	상금 100만원 및 상장
최우수상	영상, 설치	1명	상금 100만원 및 상장
우수상	각 부문별	10명	상금 100만원 및 상장
	학술, 평론	1명	상금 50만원 및 상장
	영상, 설치	1명	상금 50만원 및 상장
특별상	후원요청시		약간명
특선	각 분야별	약간명	상장
입선	각 분야별	약간명	상장

유의사항

출품작품의 가 접수는 불허함.
순수창작 예술작품으로 미술발전에 기여하는 작품.
국내외에서 미발표한 작품(타 공모전 입상작품과 기 발표된 작품의 출품을 엄금함)
심사 전 웹(페이스북, 트위터, 인스타그램, 개인블로그 등)에 출품작 이미지 노출 시 수상을 취소할 수 있음.
입상작은 전체작품을 도록에 수록하여 전국에 공개함(타 전시 중복출품작 수상취소)
타인의 작품 또는 모작일 경우 심사종료라도 수상을 취소할 수 있음.
공동 작업은 디자인 부문에 한하며 2명 이내만 인정함.
작품반출 일시를 지키지 않은 작품에 대해서는 주최측에서 일체 책임지지 않음.
전시 중 파손의 위험이 없는 작품[액자에 유리사용금지(아크릴불가)]
작품 반출은 명시된 기간에만 반출가능.(수상작 전시기간 중 반출 절대 불가)
접수 및 반출, 심사, 입상작 전시회 시 천재지변 및 기타 불가항력의 사유에 의하여 발생한 작품파손에 대하여는 주최ㆍ주관측이 책임지지 않으며, 박 액자를 부착하여 출품한 작품은 심사 및 진행상 박 액자가 파손이 되더라도 주최ㆍ주관측이 책임지지 않음.

부산미술대전 참여 이점

먼저 가장 좋은 이점은 매년 부산미술대전에 참여하여 수상하면 대상은 4점, 우수상 3점, 특선 2점, 입선 1점으로 각 부문별 점수합산 10점이 되면 초대작가로 인정서가 발급됩니다. 또한 수상내역에 따라 부산미술협회 회원 자격을 획득할 수 있습니다. 부산미술협회는 부산지역을 대표하는 미술인 단체로서 예술 활동에 유의미한 영향력을 가집니다. 부산미술협회 회원은 다양한 프로그램과 행사에 참여할 수 있으며, 미술인과의 다양한 교류와 접촉의 기회를 얻을 수 있습니다. 수상작가로서 부산미술협회 회원이 되면, 전시나 기타 예술 행사에 참여하고 협업할 수 있는 기회가 생깁니다. 작가의 작품을 더 많은 관객들에게 전시하고 예술 활동의 범위를 넓힐 수 있는 기회가 생길 수 있습니다. 부산미술협회는 회원들에게 예술 활동을 지원하고 필요한 자원을 제공하고 있습니다. 회원들은 작업에 필요한 공간, 시설 등을 특별한 해택으로 제공받을 수 있으며 또한 작가의 예술 활동을 통해 예술 기금, 작가 지원금 등의 지원 프로그램을 받을 수 있습니다.

문화예술교육사 2급 자격증 한방에 정리- 자격 요건, 교육 과정, 교육 기관

민키트리 — Fri, 23 Jun 2023 21:51:06 +0900

문화예술교육사란

문화예술교육사는 예술가로서의 전문성과 교육가로서의 역량 및 자질을 갖춘 전문인력을 의미하는 국가자격제도입니다.문화예술교육사는 본인이 전공한 예술분야에만 국한하지 않고, 관리자, 지역 전문가, 기획자 등으로서 문화예술교육 기획 및 실행, 문화예술행정 등 다양한 활동을 펼치고 있습니다. 문화예술교육사는 문화예술교육 지원법령에 따라 공연장, 박물관, 미술관, 도서관, 문화의 집, 전수회관 등 국공립 교육시설에서 활동할 수 있으며, 문화예술교육을 필요로 하는 공공영역 및 민간영역에서의 활동 역시 확대되고 있습니다.

● 문화예술교육 지원법 시행령- 제20조(문화예술교육사의 배치 대상 등) 법 제31조에 따라 다음 각 호의 어느 하나에 해당하는 국·공립교육시설은 1명 이상의 문화예술교육사를 배치하여야 한다.

1. 공연법 제2조제4호에 따른 국·공립 공연장
2. 박물관 및 미술관 진흥법 제3조제1항제1호 및 제2호에 따른 국·공립 박물관, 같은 조 제2항에 따른 국·공립 미술관
3. 도서관법 제2조제4호에 따른 공립 공공도서관
4. 문화예술진흥법 시행령 별표 1 제4호가목의 문화의 집
5. 문화예술진흥법 시행령 별표 1 제5호다목의 전수회관

예술분야는 미술, 음악 무용, 연극, 영화, 국악, 사진, 만화·애니메이션, 디자인, 공예, 10개 분야입니다.

2급 자격요건

문화예술 관련대학 졸업생- 2급 교육과정 이수(직무역량 5과목 10학점), 예술전문성 교과영역 제외

고등학교 졸업생및 비전공자- 2급 교육과정 이수(직무역량 5과목 10학점 +예술전문성 10과목 30학점)

국가무형문화재- 무형문화재의 보전 및 진흥에 관한 법률 제25조제2항 본문에 따른 국가무형문화재의 전수교육을 3년 이상 이수한 사람.

2급 교육과정

현재는 문화예술교육사 2급 교육과정만이 운영되고 있습니다. 15과목 40학점 600시간(예술전문성 영역포함)

이 과정을 이수하고자 하는 사람은 ① 고등교육법 제2조에 따른 학교(3호의 교육대학은 제외한다), 같은 법 제29조에 따른 대학원, 같은 법 제30조에 따른 대학원대학 또는 고등교육법 외의 법률에 따라 설치된 문화예술 관련 대학, 학점인정 등에 관한 법률 제9조에 따라 예술 관련 분야의 학사학위나 전문학사학위를 취득하여 이수, ② 문화체육관광부에서 지정한 문화예술교육사의 교육기관에서 이수할 수 있습니다.

2)에 나와있는 예술 관련 분야별 교수역량 교과목은 분야별로 3과목을 이수해야 하는데 미술은 미술 교육론, 미술교수학습방법, 미술교육프로그램개발 과목을... 음악은 음악 교육론, 음악교수학습방법, 음악교육프로그램개발,,,이런식으로 각 분야별 3과목을 말합니다. 그래서 직무역량 교과목은 총 5과목 입니다. 학부에서 예술관련 학과를 졸업하신 분이라면 예술전문성 교과영역 30학점은 이수하셨다고 볼 수 있습니다.

분야	10개 분야(미술, 음악 무용, 연극, 영화, 국악, 사진, 만화·애니메이션, 디자인, 공예)
2급 교육요건	문화예술 관련대학 졸업, 고졸및 비전공자, 국가무형문화재
2급 교육과정	15과목 40학점 600시간

전공 인정학과

문화예술교육사 10개 예술 분야에 해당하는 학과 중 아래와 같이 명확한 예술 학과의 경우 전공인정 신청 불필요하여, '전공 인정학과 안내' 리스트에 미포함 됩니다.(ex) 회화과 → 미술, 성악과 → 음악, 도예과 → 공예 등)

예술 관련 이론 학과, 종교 관련 학과, 문화예술경영 관련 학과 등과 같은 경우 문화예술교육사 전공인정 신청이 필요합니다.

복수 전공자, 편입자 등 특수한 경우 이수한 성적증명서의 교과목 토대로 개별전공확인을 통해 전공 인정 여부 판별 필요

인정 교육과정

본인이 교육받은 과정이 인정이 되는지 문화예술교육사 홈페이지에서 아래와 같이 검색을 해보시고 해당 과목이 몇개가 되는지 확인해 보셔야 합니다. 학과와 과목명이 많이 변경되었기 때문입니다. 예전에 학부에서 교육학을 이수하신 분이라면 교과영역의 직무역량 2-3과목은 인정 될 가능성이 많습니다.

지정 교육기관

예술 관련학과 졸업을 못하였더라도 아래의 지정 교육기관에서 미달된 과목을 이수할 수 있습니다. 또한 자격증을 획득하는데는 나이제한이 없는 것으로 알고 있습니다. 문화예술교육사 홈페이지로 바로 이동하실 수 있게 아래의 링크버튼을 남겨두었습니다.

고려대학교 문화예술교육원- 미술: 3월(1학기), 9월(2학기)

대구예술대학교 문화예술교육원- 음악, 미술, 무용: 5월(1학기), 10월(2학기)(주말반으로 운영)

대진대학교 문화예술교육원-음악, 미술, 디자인, 연극, 영화: 3월(1학기), 9월(2학기)

부산대학교 문화예술교육원-국악, 음악, 미술, 공예, 디자인, 무용, 영화, 만화: 3월(1학기), 5월(2학기)9월(3학기), 11월(4학기)

이화여자대학교 문화예술교육원- 국악, 음악, 미술, 공예, 디자인, 무용: 3월(1학기), 9월(2학기)

인하대학교 문화예술교육원- 미술, 디자인, 연극, 영화, 만화: 3월(1학기), 9월(2학기)(주말반으로 운영)

중부대학교 문화예술교육원-음악, 사진, 연극, 영화, 만화: 3월(1학기), 6월(2학기)9월(3학기), 1월(4학기)

호남대학교 문화예술교육원- 미술, 공예, 디자인, 연극, 영화: 3월(1학기), 9월(2학기)

※ 정확한 교육과정 개설 일정은 학사일정에 따라 변경될 수 있으므로 해당 홈페이지를 통해 확인해주시기 바랍니다. 교육 일정에 맞춰 미리 신청기간 확인 해 주시고 과목 당 최소 등록인원 미달 시 폐강될 수 있습니다. 또한, 교육원 상황에 따라 여름학기, 겨울학기 추가 운영 될 수 있습니다.

예술인 창작 지원금 쉽게 받는 방법-창작디딤돌, 창작씨앗

민키트리 — Fri, 23 Jun 2023 18:23:32 +0900

한국 예술인 복지재단 창작 지원금

한국 예술인 복지재단에서 시행하는 상반기 예술 창작금을 드디어 지원받았습니다. 재작년부터 계속 신청을 하였지만, 계속 승인받지 못하였는데 그 이유가 코로나19로 인해 피해를 입은 분들이 많아 우선순위에서 밀렸었던 모양입니다. 한국 예술인 복지재단에서는 창작준비금지원사업-창작디딤돌과 신진예술인 창작준비금 지원사업-창작씨앗의 두 가지 사업을 진행중입니다. 이 사업에 신청을 하려면 우선 예술인 경력정보 시스템에서 예술활동 증명을 해야하는데요. 문학, 미술, 사진, 건축, 음악, 국악, 무용, 연극, 영화, 연예, 만화의 분야에서 본인의 활동을 증명할 수 있는 자료를 업로드하시면 됩니다. 승인기간은 제 기억으로 한 달 넘게 걸렸던 것 같습니다. 예술인 패스를 하셨다면 창작 지원금을 신청하실 수 있습니다. 그럼 자세히 알아볼까요?

창작준비금지원사업- 창작디딤돌

창작준비금 지원(1인 300만원, 격년 지원)을 통한 예술인의 지속적이고 안정적인 창작활동 환경 조성 및 동기 고취를 위한 지원금 지급. 연 2회 분할 신청(상, 하반기)

지원자격

⌜예술인복지법⌟ 상 예술활동증명을 완료한 예술인(공고일 기준 유효자) 신청인(1인) 소득인정액이 120% 이내 예술인(원로 및 장애 예술인 포함)

참여대상

- ⌜예술인복지법⌟상 예술활동증명을 완료한 예술인(공고일 기준 유효자)
* 국내 거주 내국인에 한함 (외국인·재외국민 참여 불가)
- 소득인정액*이 당해연도 기준 중위소득 120%* 이내 예술인
* (소득인정액) 사회보장정보시스템을 통한 신청인의 소득·재산 조사를 통해 산정
* (기준 중위소득 120%) 보건복지부 고시 기준 1인 가구 2,493,470원*

신청방법

창작준비금시스템(www.kawfartist.net) 온라인 신청
ㅇ 신청 시 동의사항(개인정보, 부정수급·오지급, 필수사항, 초상권) 필수 확인
ㅇ 불가피한 사유로 온라인 신청이 어려운 경우 우편을 통해 1회에 한하여 온라인 신청 대행 요청 가능(온라인 신청 대행 요청서, 동의서 제출 필수)

참여제한

신청인 월 소득인정액이 기준 중위소득 120% 초과 예술인
신진예술인 창작준비금지원 수혜 경험이 있는 예술인
만 19세 미만 예술인(공고일 기준)
성희롱·성폭력 관련 사회적으로 물의를 일으킨 예술인(시행지침 참조)
기타 한국예술인복지재단 사업 참여제한 예술인

신진예술인 창작준비금지원사업-창작씨앗

창작준비금 지원(1인 200만원, 생애 1회)을 통한 신진예술인의 자생력 확보와 전문 문화예술 생태계 진입 촉진. 연간 3000명(하반기 신청)

지원자격

⌜예술인복지법⌟ 상 신진예술인 예술활동증명을 완료한 예술인(공고일 기준 유효자)

참여대상

- ⌜예술인복지법⌟ 상 신진예술인 예술활동증명을 완료한 예술인(공고일 기준 유효자)
* 국내 거주 내국인에 한함 (외국인·재외국민 참여 불가)
- 소득인정액*이 당해연도 기준 중위소득 120%* 이내인 예술인
* (소득인정액) 사회보장정보시스템을 통한 신청인의 소득·재산 조사를 통해 산정
* (기준 중위소득 120%) 보건복지부 고시 기준 1인 가구 2,333,774원

신청방법

창작준비금시스템(www.kawfartist.net) 온라인 신청
ㅇ 신청 시 개인정보 수집·이용·제공·조회·확약 동의사항 필수 확인
* 해당서식은 시행지침에서 확인가능하며 최종제출 후 신청서 수정불가
* 통장사본 제출은 선정자에 한해 추후 제출

참여제한

신청인 월 소득인정액이 기준 중위소득 120% 초과 예술인
신진예술인 창작준비금지원 수혜 경험이 있는 예술인
만 19세 미만 예술인(공고일 기준)
성희롱·성폭력 관련 사회적으로 물의를 일으킨 예술인(시행지침 참조)
기타 한국예술인복지재단 사업 참여제한 예술인

하반기에 도전해보세요!

상반기는 이미 결과가 나와 현재는 예술활동 보고서를 제출하고 있습니다. 하지만 창작 디딤돌은 하반기에도 신청할 수 있습니다. 또한 창작씨앗도 하반기 신청입니다. 만약 예술인 패스가 되어있지 않다면 예술인경력정보 시스템에서 예술인 활동증명을 하셔서 하반기 신청을 도전해 보시기 바랍니다. 묵묵히 예술창작을 위해 애쓰고 계신 여러분들이라면 충분히 가능하시리라 생각합니다. 파이팅 하세요!

철학을 삼킨 예술-이성과 감성을 동시에 깨우는 예술 강의실, 11~13강

민키트리 — Fri, 23 Jun 2023 02:40:28 +0900

11강. 생성의 철학과 예술 1- 꿈과 현실은 공존하는 걸까 분리되어 있을까?

* 의식의 물질성은 존재 자체의 표현이다- 우리는 오직 우리 자신의 역량에 상응하는 방식으로밖에는 아무 것도 경험할 수 없기에 우리에게 나타나는 모든 것들은 자신을 드러내면서 동시에 감출 수 밖에 없다. 예술 작품 역시 언제나 물질적이나 그것을 사물의 물질성과 같은 것으로 받아드리지 않는다. 예술적 음미와 이해의 대상인 예술 작품은 삶과 존재의 비밀을 일깨워 주며 삶과 존재의 고유함을 드러낸다.

* 물질적 의식은 생성의 바다이다- 앙드레 브르통: “초현실주의란 이성에 의한 통제가 완전히 부재하는, 미학적이고 도덕적인 모든 선입견에서 벗어난, 사유의 받아쓰기이다.”라고 말한다. 삼차원 공간적 관계의 해체를 전제로 한다(인상주의 및 입체파: 바깥세상의 근원적 상태 표현). 의식의 근저에 놓인 무의식에 주목하여 무의식의 영역에서 감각적으로 경험되는 물질성(존재의 드러남)으로 우리 자신의 존재에 속한 것이다.

* 예술작품의 물질성은 초현실을 고지한다- 초현실주의 예술운동은 지그문트 프로이트의 정신분석학의 영향을 받은 이들이 많다.

- 메를로 퐁티: “풍경이 내 안에서 그 자체를 생각하고, 나는 그것의 의식이다.” 즉 내 안에서 그 자체를 생각하는 풍경의 의식은 내 욕망과 의지의 통제 밖에 있는 것이다.

- 앙드레 브르통: “꿈과 현실은 상반된 것으로 보이나 결국 초현실이라 불릴 일종의 절대적 현실 안에서 하나가 되리라 믿는다.” 꿈과 현실은 결코 분리될 수 없는 것이며, 꿈과 하나로 결합되지 않은 현실이란 실은 그 자체로 하나의 악몽일 뿐이다.

- 아름다움을 향한 삶은 참된 자유를 얻을 수 있으며, 아름다움을 동경하는 삶은 꿈과 현실의 구분이 무의미하다. 그 자체가 현실적인 존재자의 아름다움이므로 오직 절대 현실의 의식으로서만 나는 존재한다.

12강. 생성의 철학과 예술 2- 의식과 무의식, 그 경계는 어디에 있을까?

* 예술적 생성의 자리는 일상 세계이다

- 잠재의식: 잠재되어 지금 당장은 인식되지 않지만, 꿈속이나 상념 속에서 불현듯 현실화될 수 있는 의식.

- 초현실주의 예술: 잠재적 의식을 표현하는 방식들 중 하나이다. 잠재의식 속에는 실제로 비논리적으로 구성된 비일상적 이미지가 많은데 이 또한 일상적인 경험을 통해 일상적 의식을 지닌 자에게 일어난다.

* 일상 세계는 존재자의 고유함을 드러내면서 동시에 감춘다

- 마르틴 하이데거<존재와 시간>: 인간이란 일상 세계에서 삶을 영위하는 구체적 상황 속의 존재자.

- 팝아트: 우리에게 가장 친숙하고 일상적인 것들을 예술 작품으로 전환시켰다. 일상이야말로 우리로 하여금 존재의 아름다움에 눈뜨게 만드는 유일무이한 삶의 자리이다. 하지만 일상적인 진부한 것 외에 우리가 경험하는 비범한 아름다움과 느낌들을 팝아트에서는 제시하지 않는다.

- 하이데거는 우리의 일상적 삶 안에서 일상적 세계로 환원될 수 없는 존재 자체의 고유한 아름다움이 일깨워질 가능성을 발견하길 원했다.

* 일상은 내버려둘 때 아름다울 수 있다- 일상의 아름다움을 표현하는 예술이란 우리에게서 내버려둠의 의미를 일깨우는 예술을 뜻한다.

13강. 공창조성과 존재- 모두가 창조의 주체가 될 수 있다.

* 존재는 공창조성의 표현이다- 예술 작품이 우리에게 아름다움을 전해준다는 것은 그러한 작품을 가능하게 한 세상의 아름다움을 긍정한다는 의미이다. 즉 삶과 존재의 아름다움이 전제되어야 한다. 그렇기에 예술가는 수동적 존재자이다. 우리 자신을 비롯한 개별적으로 존재하는 모든 것들은 공共창조성의 표현이다. 고유한 존재자들은 영원한 생성의 흐름 속에서 그 흐름의 한 계기로 현출되므로 창조함과 창조됨은 언제나 동시에 일어난다.

* 예술 작품은 흐름으로서의 존재를 표현한다

- 플럭서스: 흐름, 변화를 뜻함. 마키우나스, 존 케이지, 요셉 보이스, 백남준

- 백남준의 비디오 아트: 전위음악가 존 케이지의 영향을 받음. 현실적인 것과 가상적인 것, 의식의 내부와 외부, 실재적인 것과 상상적인 것, 일상적인 것과 비일상적인 것 등의 구분은 무의미하며 모든 것은 그저 생성의 절대적이고 영원한 흐름 속에서 한 순간 존속하는 무상한 것으로 제시된다.

- 존재의 대상화에 의해 왜곡된 존재의 진실을, 실재적인 것과 상상적인 것의 구분이 함축하는 형이상학적 존재망각의 한계 드러낸다.

* 존재의 흐름 안에서는 누구나 중심이다- 아름다움은 중력과도 같다. 우리가 서고, 뛰고, 날고자 하는 것은 중력에 대한 저항이다. 하지만 이러한 것들은 중력으로부터 벗어나는 것 같지만, 중력에 의해서만 가능해지는 것이기도 하다. 아름다움은 중력과 같이 거부할 수 없는 힘으로 작용한다. 백남준의 비디오 아트도 아무리 무정한 기술문명의 산물이라도 존재하는 한, 스스로 아름다워지고자 하는 소망과 의지의 표현으로서의 삶이 여기 있는 한, 그것은 결국 아름다움의 힘으로부터 벗어날 수 없다는 의미이다. 모든 존재자들은 한 중심이 아닌 다른 곳을 향해 사방으로 뻗어나갈 수 있는 개별화된 힘이 있다. 아름다움은 모든 것을 중심으로 존재하게 하므로 사방으로 뻗어나가는 것 또한 아름다움을 향한 것이고 중심을 중심으로 존재하게 한다.

철학을 삼킨 예술-이성과 감성을 동시에 깨우는 예술 강의실, 9강, 10강

민키트리 — Fri, 23 Jun 2023 01:00:15 +0900

9강. 존재와 예술 2- 그럼에도 입체감이 낯설지 않은 이유는 뭘까?

* 감각의 평면은 통일적인 힘의 장이다 -우리가 경험하는 모든 것들은 감각의 평면 위에서 서로 결합되어 있다. 그것은 존재하는 것은 사물이 아니라 사물의 형상으로 개별화한 힘이기 때문이다. 공간은 세계에 실재하는 것이 아니라 우리에게 감각의 원인이 되는 것을 우리 자신으로부터 분리함으로 인해 생겨나는 순수 현상이다.

* 복수의 시점은 평면을 입체적으로 만든다- 인상주의 회화의 바탕에 깔려있는 근원적인 성찰은 자신이 감각의 평면 위에 머물고 있음을 자각하는 것이고 사물과 공간의 관점에서 벗어나 모든 것을 하나로 아우르는 절대적인 통일성 안에서 존재를 이해한다는 것이다. 그들은 개별적인 사물들과 공간성의 관점으로는 표현할 수 없는, 근원적인 체험에 대한 자각이 있었기 때문이다.

- 폴 세잔의 회화는 타성에 젖은 정신의 산물이 아닌 진정으로 근원적인 감각 인상의 평면성이 회화적으로 표현될 가능성이 열림을 의미한다. 하지만 존재의 근원적 역동성과 통일성을 들어내려면 존재자 또한 고정되지 않은 유동성과 역동성이 있어야 한다.

- 브라크와 피카소 등의 입체파 예술가들에 의해 단일한 시점을 지닌 자로 정형화 되어있던 예술가와 역동적인 세계 사이의 구분이 극복되었다. 입체파 회화에서는 유동적이고 역동적인 존재자로서 존재로 인해 복수의 시점, 시간이라는 새로운 차원이 부여되면서 인상주의 회화의 한계를 넘어선다.

* 존재가 존재를 구성한다- 보는 자의 존재는 보이는 것의 존재와 불가분의 관계를 맺고 있다. 우리의 시지각 장이 평면적이면서도 사물들을 입체적으로 인지할 수 있는 이유는 우리의 주체적 역량에 의해 만들어진다. 즉 우리의 의식이 단편적인 인상들을 잘 연결시켜서 사물의 입체적인 상을 구성한다.

-메를로 퐁티는 <세잔의 회의>에서 세잔의 리얼리즘은 통속적인 의미의 리얼리즘과 달리 가시적으로 드러나는 것에 대한 일상적인 집착이 멈추는 곳에서만 가능하다라고 말한다. 즉 나를 향해 다가오는 모든 존재하는 세계와 세계를 향해 나아가는 내가 조우하는 순간 일어나는 사건적인 성격을 지닌다는 것을 뜻한다. 보는 자의 의식은 이미 보이는 것의 의식이고, 보이는 것에 의해 사유된 의식이며, 보이는 것을 향해 나아갈 뿐만 아니라 보이는 것이 자신을 향해 나아오도록 내버려두는 몸의 의식이다.

10강. 초월로서의 삶과 예술- 왜 가끔은 내가 남보다 더 낯설게 느껴지는 것일까?

* 자기의식은 변화하는 자기에 대한 의식이다- 자기의식은 자신에 관한 반성적 성찰을 통해 생겨나는 것인데, 동일한 자기가 아니라 자신의 감정을 뒤흔드는 감각과 감정들의 원인들을 발견하고 그것을 향해 나아가는 의식이 진정한 자기의식이다.

* 의식은 언제나 이미 물질적이다- 물질이란 감각을 통해 알려지는 것이고 로댕의 작품은 우리의 정신과 무관하게 감각을 통해 알려진, 그러나 정신의 작용과 이해의 한계는 근원적으로 넘어서는 것이다. 하지만 우리의 정신 역시 감각과 무관할 수 없는 것이기에 늘 불가해한 것으로 존재하므로 정신의 물질성이라고 할 수 있다. 회화에서 입체파 역시도 사물의 즉물성을 표현하면서 감각의 즉물성, 감각에 의해 일깨워져 활동하는 정신의 근원적 물질성을 드러낸다.

* 의식의 물질성은 우리에게 천국과 지옥을 함께 일깨워준다- 로댕에게 있어서 인간은 아름다움을 꿈꾸며 감각으로 인해 지성 이상의 초월적 존재에 대해 눈을 뜨면서 천국과 지옥의 자유로운 선택의 앞에서 고뇌하기를 멈출수 없게 한다.

철학을 삼킨 예술-이성과 감성을 동시에 깨우는 예술 강의실, 7강, 8강

민키트리 — Thu, 22 Jun 2023 23:33:22 +0900

3부 – 예술을 꿰뚫어 철학을 발견하다

7강. 몸과 예술- 고매한 정신은 몸을 떠나 존재할 수 있을까?

* 몸은 질서와 무질서의 경계선상에 있다- 예술의 이해에 있어서 몸이 특별한 의미를 지니는 이유는 위와 같은 우리의 정신이 양 극단으로 갈라놓는 것을 하나로 되돌려놓기때문이다.우리는 몸으로 존재하기에 질서와 무질서의 경계선상에 있다.

※ 니체- 우리의 삶이 어느 때, 왜 카오스를 갈망하는지 밝히는 일이 중요하다 여김.

- 아폴로적 원리(이성, 정신): 조형의 원리를 뜻하는 말로, 무질서한 자연에 삶을 가능하게 하고 또 증진기킬 질서를 만들고자 하는 의지

- 디오니소스적 원리(감성, 몸): 삶을 억압하는 경직된 질서를 해체하고 삶을 무질서한 자연적 상태로 되돌리고자 하는 의지

= 삶을 증진기키고자 하는 의지

* 자연은 질서와 무질서의 피안에 있다- 루소가 이성보다 감성을 중요하게 생각했던 이유는 인간의 이성에 대한 맹목적인 예찬(계몽주의)이 결국 자연 및 인간의 자연적인 천성에 대한 왜곡으로 이어질 뿐이기 때문에, 인간의 감성을 아름답게 함양하는 경우에만 이성이 올바른 것이 될 수 있다고 생각하였다. 정신은 오직 육화된 정신으로서만 아름다울 수 있다. 몸은 아름다움의 자극을 느낄 수 있고 그로 인해 잃어버린 자신을 다시 일깨울 수 있다. 몸은 무미건조한 이성이 헤아릴 수 없는 놀라운 조화와 격동, 기적의 세계를 느낄 수 있게 해 준다. 루소로 부터 시작된 생철학은 18세기 후반~19세기 중엽까지의 낭만주의에 영향을 끼친다. 프란시스코 고야, 외젠 들라크루아 등 육체를 통해 표현되는 열정과 관능을 예술적으로 형상화함으로써 이성의 한계 내에 가두어둘 수 없는 자연의 활력을 드러내려 했다. 몸은 자연적인 것이다. 그러므로 몸과 더불어 삶을 영위하는 우리 자신도 질서와 무질서의 피안에 있다.(피안: 이념적으로 한정될 수 없는 존재자, 존재자체)

* 이성이 멈춘 곳에서 정열은 배가 된다- 계몽주의와 진보주의는 인간의 해방에 기여한 측면이 많지만 억압적인 측면 또한 가지고 있어서 낭만주의자들은 점차 계몽주의에 비판적이 되었다. 낭만주의가 주관적인 감성을 강조하기는 하였지만, 개개인의 주관적 감성으로 환원될 수 없는 어떤 초월적인 것 또한 표현하였다. 들라크루아는 전통과 인습의 굴레에서 벗어나 자연이 남긴 인상을 정열적이고 세심하게 화화적으로 표현하기 위한 노력을 하였다. 샤를 보들레르는 낭만주의자들(특히 들라크루아)을 옹호하였고, 그들은 선과 아름다움에 관한 인위적인 구분과 정의를 용인하려 하지 않았을 뿐 인식의 체계나 도덕의 체계로도 환원될 수 없는 삶과 존재의 본질을 밝히고 또 증진시키는데 애썼다. 순수하고 온전한 삶의 긍정이 일어나는 자리, 즉 보들레르가 말하는 신전 안에서는 모든 인위적인 것은 그저 허무하며 그것을 극복할때만이 진정한 초월로서의 자연이라 할 수 있다.

8강. 존재와 예술 1- 눈이 볼 수 없는 것을 머리는 본다? 입체감은 거짓말이다!

* 우리는 몸으로 존재하기에 순수한 연속성으로서의 존재를 자각할 수 있다.p.134

* 근원적인 것은 순수하게 평면적인 인상이다

- 인상주의 대표화가 : 클로드 모네, 폴 고갱, 빈센트 반고흐, 폴 세잔, 조르주 피에르 쇠라

- 사물의 입체감이나 풍경의 원근감은 습관화된 경험과 타성의 산물이다. 우리가 보는 입체적인 사물은 평면적인 망막을 통해 얻어진 사물들의 평면적인 인상을 왜곡시켜 얻어진 파생적인 인상에 불과하다. 인상주의 회화의 평면성은 자신마저도 휘감은 존재의 근원적 연속성을 암시하며, 습관화된 경험과 타성으로 인해 망각해버린 삶의 근원적 의미를 일깨워 준다.감각의 평면위에는 존재하는 모든 것을 아우르는 절대적인 내재성의 평면이며 개별성이 없으므로 경계도 없다. 이러한 근원적인 감각 인상으로부터 멀어져 습관화된 경험과 타성의 늪에 빠져버린 일상적 인간들에게는 유의미할 수 있다. P. 138.

* 삶의 존재는 단절을 모른다

- 데카르트: <방법서설>,<성찰>에서 “신체지각을 통해 알려지는 이런저런 속성들은 지각되는 사물에 속한 것인지, 지각하는 몸에 속한 것인지 결정하기 힘든 모호함이 있다.”고 지적했다.

- 메를로 퐁티: <지각의 현상학>에서 몸을 통한 지각체험의 근원적 모호함에 대해 성찰을 했다.

- 인상주의는 빛에 의해 보이는 인상을 정확하게 표현하려 한 것이지만, 모호함과 몽롱한 분위기를 자아내게 하는 것은 그것이 사물의 근원적 인상일 수 밖에 없기 때문이다. 지각되는 모든 것들은 이미 우리 존재와 불가분의 관계를 이루고 있고 그것들이 우리에게 남긴 인상만을 이해할 뿐이고, 그것들과의 관계 속에서만 자신의 존재를 헤아릴 수 있을 뿐이며, 모든 것에게서 육화된 정신으로 존재하는 자신의 흔적을 발견할 뿐이다. 뚜렷이 인지될 수 있는 대상과 공간이 사라진 인상주의의 평면성은 결코 모호하고 불철저한 인식의 결과물이 아니다. 오히려 삶과 존재란 어떤 단절도 인위적인 구분도 모르는 순수하고도 연속적인 힘의 장이라고 선언한 것이다.